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Soportar


Los oficiales del ejército creían que el momento más probable para un ataque enemigo era temprano en la mañana. Por lo tanto, una hora antes del amanecer todas las mañanas, a cada empresa se le dio el pedido de stand-to. Todos los hombres en la línea del frente se paraban en el escalón de fuego con rifles y bayonetas fijas. Después de una hora, cuando la luz se consideró demasiado buena para una ofensiva enemiga, el sargento dio la orden de retiro y solo los centinelas permanecieron en alerta. Una hora antes del anochecer se ordenó un segundo enfrentamiento. Cuando la luz se hubo apagado por completo, se dio la orden de retiro.

Aunque los alemanes estaban al tanto de esta rutina, una gran cantidad de ataques tuvo lugar durante un período de espera. Esto fue especialmente cierto cuando los oficiales de inteligencia alemanes descubrieron que esta sección de la trinchera de primera línea estaba en manos de tropas sin experiencia.

El día realmente comenzó en stand-to. La experiencia pasada había demostrado que el período de peligro para el ataque era al amanecer y al anochecer, cuando el atacante, teniendo la iniciativa, podía ver lo suficiente como para avanzar y cubrir una buena distancia antes de ser detectado. Aproximadamente media hora antes del amanecer y el anochecer, se dio la orden, 'Stand to', y se pasó silenciosamente a lo largo del frente del batallón. De esta manera, todo el sistema de primera línea aliado fue alertado. Cuando llegó la luz del día, la orden, "Stand down", pasó a lo largo de la línea. La tensión disminuyó, pero los centinelas todavía vigilaban por periscopio o por un pequeño espejo enganchado a la parte superior de una bayoneta.

Terminado el desayuno, no hubo que esperar mucho antes de que apareciera un oficial con detalles de los deberes y fatigas a realizar. La limpieza e inspección de armas, siempre una tarea primordial, pronto sería seguida por un trabajo de pico y pala. El mantenimiento de la zanja era constante, un trabajo sin fin. Debido al clima o la acción del enemigo, las trincheras requerían reparación, profundización, ensanchamiento y fortalecimiento, mientras que siempre parecía que se necesitaban nuevas trincheras de apoyo. El transporte de raciones y suministros desde la retaguardia continuó interminablemente.

Al amanecer "nos ponemos a las armas", todos saliendo. Cuando amanece, se limpian e inspeccionan todos los rifles y los hombres beben un trago de ron. Luego el desayuno, después de lo cual dejo que se acuesten a dormir hasta la cena, con la excepción de los centinelas diurnos, unos pocos hombres que vigilan la línea enemiga a través de periscopios. Después de la cena, los hombres salen a trabajar en la reparación de periscopios, etc., y dedican unas tres horas a eso.

Volvemos a "pararnos" al anochecer. Después del anochecer, tenemos que cruzar el parapeto para hacer las reparaciones que puedan ser necesarias en los enredos de los cables, o reparaciones en la parte delantera del parapeto. En el saliente hay mucho trabajo por hacer, y hay varios lugares donde las trincheras están viejas y rotas, desde donde podemos espiar al enemigo; llenamos y colocamos cerca de 4000 sacos de arena mientras estábamos en las trincheras.

Al día siguiente, 13 de abril, llegó mi primer período de servicio en las trincheras. Las empresas A y B seguían haciendo una rutina de entrada y salida con C y D, tres o cuatro días de entrada, el mismo número. Como Kennedy estaba a cargo del medio batallón en las trincheras, yo, aunque no iba a ser ascendido a capitán, era la compañía OC. En mis cartas a casa, a pesar de las fulminaciones que había cometido contra el comandante y el ayudante, cualquier pesar expresado por dejar Transporte y el disgusto por el trabajo ordinario de la infantería, había dejado en claro que no tenía reparos, en cuanto al peligro, en la vida en las trincheras. Por supuesto, con 6 pies 6 pulgadas, era demasiado alto; los parapetos serían demasiado bajos y probablemente me atraparían. Pero no me importaba mucho, aunque quería correr por el dinero, y en mi Diario escribí que estaba "ansioso por ir a las trincheras"; allí, de todos modos, deberíamos ver muy poco CO o ayudante.

A las 9.00 horas, Kennedy y el OC de la compañía B y yo partimos delante de los hombres para tomar el relevo de nuestros colegas de la otra mitad del Batallón. La empresa OC de C me llevó por su frente que ahora pasaba a mi empresa, por el cable exterior, diciéndome lo que había estado haciendo y lo que tenía que hacer. Como no sabía casi nada sobre horas de vigilancia y vigilancia y cosas por el estilo, Begg hizo una lista de deberes. Los oficiales hicieron dos horas cada uno y luego la mayor cantidad posible de descanso antes de que volviera su turno; durante el stand-to todos los oficiales estaban de servicio. Se ordenó la parada matutina tan pronto como empezó a amanecer, y los centinelas nocturnos que hasta entonces habían estado en el escalón de tiro con la cabeza y los hombros por encima del parapeto ahora se agacharon debajo de él, mirando periódicamente a los centinelas nocturnos que espían. A mitad del crepúsculo matutino, los centinelas nocturnos serían relevados por los centinelas diurnos, aproximadamente una octava parte de los centinelas diurnos que espiarían. El resto de los hombres estaban de pie en la trinchera durante todo el tiempo, siendo este el momento en el que se podía esperar un ataque. Finalmente con luz de día completo, guardia de seguridad y centinelas diurnas. Durante el día, los centinelas permanecían en la trinchera atentos a las señales del enemigo (cuando no tenían nada mejor que hacer) a través de periscopios. El mismo tipo de rutina se llevó a cabo por la noche. Los centinelas diurnos se convirtieron en guardianes, los centinelas diurnos espiando; cambiado a centinelas nocturnos que espían, y estos en stand-down a centinelas nocturnas.

A menudo había una diferencia de opinión entre Kennedy y el resto de nosotros en cuanto a cuándo se debía dar una posición. Nunca le gustó correr riesgos. La mayoría de nosotros nos inclinamos a esperar hasta el último minuto y mantener el período de espera lo más breve posible. Era una molestia infernal, especialmente para aquellos que sólo habían salido de guardia una o dos horas antes.

Estuve despierto toda esta primera noche aprendiendo las cuerdas. Kennedy me dijo que durmiera en la cabaña del cuartel general y esto me convenía, ya que era más cómodo que el de los oficiales de la compañía. Tenía unos seis pies cuadrados por cinco pies de alto, pero debajo del parapeto había una litera de dos metros de largo. La empresa B OC se alimentó en este refugio pero durmió en otro lugar. De hecho, el parapeto era demasiado bajo para mí; los otros subalternos de la compañía A obviamente esperaban que yo estuviera nervioso, y fueron solícitos y amables. Antes de que terminara la noche, creo que ellos y la mayoría de los hombres se habían dado cuenta de que el ex oficial de transporte no tenía miedo de su nuevo trabajo. Tuve suerte de no tener nervios de los que hablar, al menos no de ese tipo.


¿Qué es la historia?

La historia es el estudio del pasado humano tal como se describe en documentos escritos que dejaron los humanos. El pasado, con todas sus elecciones y eventos complicados, los participantes muertos y la historia contada, es lo que el público en general percibe como el cimiento inmutable sobre el que se encuentran los historiadores y arqueólogos.

Pero como proveedores del pasado, los historiadores reconocen que la piedra angular es realmente arenas movedizas, que partes de cada historia aún no se han contado y que lo que se ha contado está teñido por las condiciones de hoy. Si bien no es falso decir que la historia es el estudio del pasado, aquí hay una colección de descripciones mucho más claras y precisas.


Contenido

Primera Guerra Mundial Editar

Durante la Primera Guerra Mundial, las brigadas de infantería eran formaciones puramente tácticas. Las funciones administrativas y logísticas estaban a cargo de la sede de la división. [4] El cuartel general de la brigada estaba compuesto por el comandante (un general de brigada), sus tres ayudantes, un ayudante de brigada y dieciocho hombres alistados que proporcionaban servicios de desorden, transporte y comunicaciones. [5] [6]

Cuartel general, 181ª Brigada 361º Regimiento de Infantería [7] 362º Regimiento de Infantería 347º Batallón de Ametralladoras [8]

Segunda Guerra Mundial Editar

Con la desaparición de la División Cuadrada a favor de la División Triangular, el cuartel general de la brigada ahora excedente se convirtió en la compañía del cuartel general de la división o en la tropa de reconocimiento de la división. La 181 fue seleccionada para transformarse en la tropa de reconocimiento de la 91.a División de Infantería. [9]

91 ° Tropa de reconocimiento

1963-1965 Editar

El 1 de abril de 1963, la brigada se reactivó como subordinada a la 63ª División de Infantería en Pasadena, California. La división y los elementos subordinados fueron desactivados el 31 de diciembre de 1965 como parte de la eliminación de las divisiones de Reserva del Ejército. [10]

Cuartel general y compañía de la Sede 3er Batallón, 15o de Infantería 4o Batallón, 27o de Infantería

2006-2016 Editar

La 181ª Brigada de Infantería se reactivó en Fort McCoy, Wisconsin en diciembre de 2006. La Brigada se constituyó a partir de la 12ª Brigada de Preparación y la 2ª Brigada de la 85ª División de Entrenamiento. [11]

Sede y Compañía de la Sede 3er Batallón, 335o Regimiento (Batallón de Apoyo a la Formación) 1o Batallón, 338o Regimiento (Batallón de Apoyo a la Formación) 1o Batallón, 340o Regimiento (Batallón de Apoyo a la Formación) 3o Batallón, 340o Regimiento (Batallón de Apoyo a la Formación) 2o Batallón, 411o Regimiento ( Batallón de Apoyo Logístico)

2016-Actualidad Editar

Primera Guerra Mundial Editar

Durante la Primera Guerra Mundial, la 181ª Brigada de Infantería se constituyó el 5 de agosto de 1917 [13] en el Ejército Nacional en Camp Lewis, Washington, como una unidad subordinada de la 91ª División de Infantería. [2] La Brigada estaba compuesta por 8.134 efectivos organizados en un Destacamento de Cuartel General con 5 Oficiales y 18 Soldados Alistados, los Regimientos de Infantería 361 y 362 cada uno con 3755 Oficiales y Soldados Alistados, y el Batallón de Ametralladoras 347 con 581 Oficiales y Soldados Alistados. [14] La 181ª Brigada de Infantería se entrenó durante 10 meses en Camp Lewis antes de ser desplegada en Francia en agosto de 1918 bajo el mando del Brig. El general John McDonald. [15] Después de la Ofensiva Mosa-Argonne y la liberación de Francia, la Brigada fue enviada para ayudar a los británicos durante la batalla de Ypres-Lys hasta la firma del Armisticio el 11 de noviembre de 1918, que puso fin a la Primera Guerra Mundial. Después de cuatro meses. de las operaciones de mantenimiento de la paz en la Bélgica liberada, la Brigada regresó a los Estados Unidos y llegó al puerto de Nueva York el 2 de abril de 1919 en el USS Orizaba. [dieciséis]

Período de entreguerras editar

La Brigada fue trasladada el 2 de abril de 1919 a Camp Merritt, Nueva Jersey. Se dirigió a Camp Kearny, California, donde se desmovilizó el 19 de abril de 1919. La Brigada fue reconstituida en la Reserva Organizada el 24 de junio de 1921, todavía asignada a la 91ª División, y asignada al Área del Noveno Cuerpo. La Brigada fue redesignada como Cuartel General y Compañía de Cuarteles Generales (HHC), 181a Brigada el 23 de marzo de 1925 y nuevamente nombrada HHC, 181a Brigada de Infantería el 24 de agosto de 1936. La unidad realizó entrenamiento de verano la mayoría de los años en Del Monte, California, de 1922 a 1940. Los regimientos subordinados realizaron entrenamiento para el Campamento de Entrenamiento Militar de Ciudadanos (CMTC) en el Presidio de San Francisco, el Presidio de Monterey y en Del Monte a menudo con la ayuda del 30º Regimiento de Infantería. [17]

Segunda Guerra Mundial Editar

La 91.ª Tropa de Reconocimiento participó en las campañas de Roma-Arno (22 de enero de 44 - 9 de septiembre de 44), Apeninos del Norte (10 de septiembre de 44 a 4 de abril de 45) y Valle del Po (5 de abril de 45 a 8 de mayo de 45). En julio de 1944, durante la Campaña de Arno de la Segunda Guerra Mundial, la 91.a Tropa de Reconocimiento encabezó la Fuerza de Tarea Williamson bajo el mando del General de Brigada E.S. Williamson, comandante adjunto de la división 91. El 2º Pelotón de la 91ª Tropa de Reconocimiento y el 1º Batallón del 363º de Infantería fueron los primeros en entrar en Livorno (Livorno) en su camino hacia la liberación de Pisa.

  • La Tropa estaba compuesta por:
    • Oficiales: 6
    • Soldados alistados: 149
      : 13 : 5 : 24 : 30 : 99 : 26 : 3 : 13 : 5 : 9
  • Edición de posguerra

    Después del día VE, la Brigada fue desactivada y reconstituida varias veces hasta 1945 como cuartel general y compañía de cuartel general y una tropa de reconocimiento. Fue reactivado en 1947 como una tropa de reconocimiento de caballería mecanizada redesignada en 1949 como la 91a Compañía de Reconocimiento.

    La unidad estuvo activa desde abril de 1963 hasta diciembre de 1965 como Cuartel General y Compañía de Cuartel General, 2ª Brigada, 63ª División de Infantería. El 181 estaba estacionado en Pasadena, California. Esto estaba en consonancia con el plan para reorganizar la Reserva del Ejército a las nuevas estructuras de la División del Ejército con el Objetivo de Reorganización (ROAD). El 63d fue seleccionado para su retención y la reorganización se completó a fines de abril de 1963. La Brigada estaba compuesta por la Compañía de Cuartel General y Cuartel General, el 3er Batallón, el 15º de Infantería y el 4º Batallón, el 27º de Infantería. [19] [20] En noviembre de 1965 se desactivaron las últimas divisiones de combate de la Reserva del Ejército. [21] Desde enero de 1966 hasta diciembre de 2006, la unidad estuvo inactiva.

    Operaciones como brigada de adiestramiento Editar

    La 181ª Brigada de Infantería se reactivó en Fort McCoy, Wisconsin en diciembre de 2006. La Brigada entrena a soldados, marineros y aviadores para apoyar las operaciones de contingencia en la Guerra Global contra el Terrorismo. La 181 facilita la Reserva del Ejército Programa de entrenamiento de apoyo de combate (CSTP). El CSTP se compone de dos ejercicios: el WAREX (Ejercicio Guerrero) se centró en el entrenamiento a nivel de pelotón, y el CSTX (Ejercicio de entrenamiento de apoyo al combate) ejercicio [22] [23] [24] que se centra en el entrenamiento a nivel de la Compañía en cooperación con la 86 División de Entrenamiento y el 84 Comando de Entrenamiento. Anualmente, el 181 proporciona sus batallones para que sirvan como observadores / controladores al NTC y al JRTC para evaluar los batallones de apoyo de mantenimiento de combate del ejército regular, la reserva del ejército y la guardia nacional del ejército. La mayoría de los años, la 181a proporciona observadores / controladores al programa de capacitación del mando tipo misión durante su Guerrero ejercicios. La Brigada también proporcionó Master Gunners y otros expertos en la materia para apoyar Operación Cold Steel, una importante iniciativa para mejorar el entrenamiento de artillería de la Reserva del Ejército, de febrero a mayo de 2018. [25] [26]


    Contenido

      es el príncipe gobernante de Verona. es un pariente de Escalus que desea casarse con Julieta. es otro pariente de Escalus, amigo de Romeo.
      es el patriarca de la casa de los Capuleto. es la matriarca de la casa de los Capuleto. es la hija de 13 años de Capuleto, la protagonista femenina de la obra. es primo de Julieta, sobrino de Lady Capuleto. es la asistente personal y confidente de Juliet. es la sobrina de Lord Capuleto, el amor de Romeo al comienzo de la historia.
    • Peter, Sampson y Gregory son sirvientes de la casa de los Capuleto.
      es el patriarca de la casa de Montague. es la matriarca de la casa de Montague. , el hijo de Montague, es el protagonista masculino de la obra. es el primo y mejor amigo de Romeo.
    • Abram y Balthasar son sirvientes de la casa Montague.
      es un fraile franciscano y confidente de Romeo.
    • Fray Juan es enviado a entregar la carta de Fray Lorenzo a Romeo.
    • Un boticario que vende a regañadientes el veneno de Romeo.
    • Un coro lee un prólogo de cada uno de los dos primeros actos.

    La obra, ambientada en Verona, Italia, comienza con una pelea callejera entre los sirvientes Montague y Capuleto que, como sus amos, son enemigos jurados. El príncipe Escalus de Verona interviene y declara que una nueva ruptura del orden público será castigada con la muerte. Más tarde, el Conde Paris habla con Capuleto sobre casarse con su hija Julieta, pero Capuleto le pide a Paris que espere otros dos años y lo invita a asistir a un baile Capuleto planeado. Lady Capulet y la enfermera de Juliet intentan persuadir a Juliet para que acepte el noviazgo de Paris.

    Mientras tanto, Benvolio habla con su primo Romeo, el hijo de Montague, sobre la reciente depresión de Romeo. Benvolio descubre que se debe a un enamoramiento no correspondido por una niña llamada Rosaline, una de las sobrinas de Capuleto. Persuadido por Benvolio y Mercucio, Romeo asiste al baile en la casa de los Capuleto con la esperanza de conocer a Rosaline. Sin embargo, Romeo conoce y se enamora de Julieta. El primo de Julieta, Tybalt, está enfurecido con Romeo por colarse en la pelota, pero solo el padre de Julieta le impide matar a Romeo, quien no desea derramar sangre en su casa. Después del baile, en lo que ahora se llama la "escena del balcón", Romeo se cuela en el huerto de los Capuleto y escucha a Julieta en su ventana jurarle su amor a pesar del odio de su familia hacia los Montesco. Romeo se da a conocer a ella y aceptan casarse. Con la ayuda de Fray Lorenzo, que espera reconciliar a las dos familias a través de la unión de sus hijos, se casan en secreto al día siguiente.

    Tybalt, mientras tanto, todavía indignado de que Romeo se haya colado en la bola de los Capuleto, lo desafía a duelo. Romeo, ahora considerando a Tybalt como su pariente, se niega a pelear. Mercucio se siente ofendido por la insolencia de Tybalt, así como por la "vil sumisión" de Romeo, [1] y acepta el duelo en nombre de Romeo. Mercucio es herido de muerte cuando Romeo intenta romper la pelea. Apesadumbrado y atormentado por la culpa, Romeo se enfrenta y mata a Tybalt.

    Benvolio argumenta que Romeo ha ejecutado justamente a Tybalt por el asesinato de Mercucio. El Príncipe, que ahora ha perdido a un pariente en la disputa de las familias en guerra, exilia a Romeo de Verona, bajo pena de muerte si alguna vez regresa. Romeo pasa la noche en secreto en la habitación de Julieta, donde consuman su matrimonio. Capuleto, malinterpretando el dolor de Julieta, acepta casarla con el Conde Paris y amenaza con repudiarla cuando ella se niega a convertirse en la "novia alegre" de Paris. [2] Cuando suplica que se retrase el matrimonio, su madre la rechaza.

    Juliet visita a Fray Lorenzo en busca de ayuda, y él le ofrece una poción que la pondrá en un coma mortal o catalepsia durante "dos y cuarenta horas". [3] El fraile promete enviar un mensajero para informar a Romeo del plan para que pueda reunirse con ella cuando despierte. La noche anterior a la boda, toma la droga y, cuando la descubren aparentemente muerta, la depositan en la cripta familiar.

    El mensajero, sin embargo, no llega a Romeo y, en cambio, Romeo se entera de la aparente muerte de Julieta a través de su sirviente, Balthasar. Con el corazón roto, Romeo compra veneno a un boticario y va a la cripta de los Capuleto. Se encuentra con Paris, que ha venido a llorar a Julieta en privado. Creyendo que Romeo es un vándalo, Paris se enfrenta a él y, en la batalla que sigue, Romeo mata a Paris. Aún creyendo que Juliet está muerta, bebe el veneno. Julieta luego se despierta y, al descubrir que Romeo está muerto, se apuñala con su daga y se une a él en la muerte. Las familias enfrentadas y el Príncipe se encuentran en la tumba para encontrar a los tres muertos. Fray Lorenzo narra la historia de los dos "amantes estrellados". Las familias se reconcilian con la muerte de sus hijos y aceptan poner fin a su violenta enemistad. La obra termina con la elegía del Príncipe por los amantes: "Porque nunca hubo una historia más dolorosa / que la de Julieta y su Romeo". [4]

    Romeo y Julieta toma prestado de una tradición de trágicas historias de amor que se remontan a la antigüedad. Uno de ellos es Píramo y Tisbe, del libro de Ovidio. Metamorfosis, que contiene paralelismos con la historia de Shakespeare: los padres de los amantes se desprecian y Pyramus cree falsamente que su amante Thisbe está muerta. [5] El Efesiaca de Jenofonte de Éfeso, escrito en el siglo III, también contiene varias similitudes con la obra, incluida la separación de los amantes, y una poción que induce un sueño de muerte. [6]

    Una de las primeras referencias a los nombres. Montague y Capuleto es de Dante Divina Comedia, quien menciona el Montecchi (Montescos) y los Cappelletti (Capuletos) en el canto seis de Purgatorio: [7]

    Ven y mira, tú que eres negligente,
    Montesco y Capuleto, Monaldi y Filippeschi
    Un lote ya está de duelo, el otro con miedo. [8]

    Sin embargo, la referencia es parte de una polémica contra la decadencia moral de Florencia, Lombardía y la península italiana en su conjunto. Dante, a través de sus personajes, castiga al rey alemán Alberto I por descuidar sus responsabilidades hacia Italia ("tú que eres negligente"). y sucesivos papas por su usurpación de los asuntos puramente espirituales, lo que llevó a un clima de incesantes disputas y guerras entre partidos políticos rivales en Lombardía. La historia registra el nombre de la familia. Montague prestado a tal partido político en Verona, pero el de la Capuletos como de una familia Cremonese, quienes desarrollan su conflicto en Lombardía como un todo y no dentro de los confines de Verona. [9] Aliados a facciones políticas rivales, los partidos están de duelo ("Un grupo ya está de duelo") porque su guerra interminable ha llevado a la destrucción de ambos partidos, [9] en lugar de un dolor por la pérdida de su desventurado descendiente. como plantea la obra, que parece ser una creación puramente poética en este contexto.

    La primera versión conocida del Romeo y Julieta cuento similar a la obra de Shakespeare es la historia de Mariotto y Gianozza de Masuccio Salernitano, en la novela 33 de su Il Novellino publicado en 1476. [10] Salernitano establece la historia en Siena e insiste en que sus eventos tuvieron lugar en su propia vida. Su versión de la historia incluye el matrimonio secreto, el fraile coludido, la refriega donde un ciudadano prominente es asesinado, el exilio de Mariotto, el matrimonio forzado de Gianozza, el plan de la poción y el mensaje crucial que se extravía. En esta versión, Mariotto es capturado y decapitado y Gianozza muere de dolor. [11] [12]

    Luigi da Porto (1485-1529) adaptó la historia como Giulietta e Romeo [13] y lo incluyó en su Historia novellamente ritrovata di due Nobili Amanti (Una historia recientemente descubierta de dos amantes nobles), escrito en 1524 y publicado póstumamente en 1531 en Venecia. [14] [15] Da Porto se basó en Pyramus y Thisbe, De Boccaccio Decamerony Salernitano's Mariotto e Ganozza, pero es probable que su historia también sea autobiográfica: fue un soldado presente en un baile el 26 de febrero de 1511, en una residencia del clan Savorgnan en Udine, después de una ceremonia de paz a la que asistió el clan Strumieri opositor. Allí, Da Porto se enamoró de Lucina, una hija de Savorgnan, pero la disputa familiar frustró su noviazgo. A la mañana siguiente, los Savorgnans lideraron un ataque contra la ciudad y muchos miembros de los Strumieri fueron asesinados. Años más tarde, todavía medio paralizado por una herida de batalla, Luigi escribió Giulietta e Romeo en Montorso Vicentino (desde donde se veían los "castillos" de Verona), dedicando la novela al bellisima e leggiadra (la bella y graciosa) Lucina Savorgnan. [13] [16] Da Porto presentó su relato como históricamente fáctico y afirmó que tuvo lugar al menos un siglo antes de lo que lo tenía Salernitano, en los días en que Verona fue gobernada por Bartolomeo della Scala [17] (anglicanizado como Príncipe Escalo).

    Da Porto presentó la narrativa en forma cercana a su forma moderna, incluidos los nombres de los amantes, las familias rivales de Montecchi y Capuleti, y la ubicación en Verona. [10] Llamó al fraile Lorenzo (frate lorenzo) e introdujo a los personajes Mercutio (Marcuccio Guertio), Tybalt (Tebaldo Cappelleti), Conde París (conti (Paride) di Lodrone), la sirvienta fiel y la nodriza de Giulietta. Da Porto originó los elementos básicos restantes de la historia: las familias en disputa, Romeo (dejado por su amante) se encuentra con Giulietta en un baile en su casa, las escenas de amor (incluida la escena del balcón), los períodos de desesperación, Romeo matando a la prima de Giulietta (Tebaldo), y la reconciliación de las familias tras los suicidios de los amantes. [18] En la versión de da Porto, Romeo toma veneno y Giulietta se apuñala con su daga. [19]

    En 1554, Matteo Bandello publicó el segundo volumen de su Novelle, que incluía su versión de Giuletta e Romeo, [15] probablemente escrito entre 1531 y 1545. Bandello alargó y cargó la trama mientras dejaba la trama básicamente sin cambios (aunque sí presentó a Benvolio). [18] La historia de Bandello fue traducida al francés por Pierre Boaistuau en 1559 en el primer volumen de su Historias trágicas. Boaistuau agrega mucha moralidad y sentimiento, y los personajes se entregan a arrebatos retóricos. [20]

    En su poema narrativo de 1562 La trágica historia de Romeo y Julieta, Arthur Brooke tradujo fielmente Boaistuau pero lo ajustó para reflejar partes de la Troilo y Criseyde. [21] Hubo una tendencia entre los escritores y dramaturgos a publicar obras basadas en italiano novela—Los cuentos italianos eran muy populares entre los asistentes al teatro — y Shakespeare bien puede haber estado familiarizado con la colección de cuentos italianos de 1567 de William Painter titulada Palacio del Placer. [22] Esta colección incluía una versión en prosa de la Romeo y Julieta historia nombrada "La buena Historia del verdadero y constante amor de Romeo y Juliett". Shakespeare aprovechó esta popularidad: El mercader de Venecia, Mucho ruido y pocas nueces, Bien está lo que bien acaba, Medida por medida, y Romeo y Julieta son todos de italiano novela. Romeo y Julieta es una dramatización de la traducción de Brooke, y Shakespeare sigue el poema de cerca, pero agrega detalles a varios personajes mayores y menores (la Enfermera y Mercucio en particular). [23] [24] [25]

    De Christopher Marlowe Hero y Leander y Dido, reina de Cartago, ambas historias similares escritas en la época de Shakespeare, se cree que tienen una influencia menos directa, aunque pueden haber ayudado a crear una atmósfera en la que las trágicas historias de amor podrían prosperar. [21]

    Se desconoce cuándo exactamente Shakespeare escribió Romeo y Julieta. La enfermera de Juliet se refiere a un terremoto que, según ella, ocurrió hace 11 años. [26] Esto puede referirse al terremoto del Estrecho de Dover de 1580, que dataría esa línea en particular a 1591. Se han propuesto otros terremotos, tanto en Inglaterra como en Verona, en apoyo de las diferentes fechas. [27] Pero las similitudes estilísticas de la obra con Sueño de una noche de verano y otras obras de teatro fechadas convencionalmente alrededor de 1594-1595, ubican su composición en algún momento entre 1591 y 1595. [28] [b] Una conjetura es que Shakespeare pudo haber comenzado un borrador en 1591, que completó en 1595. [29]

    De Shakespeare Romeo y Julieta se publicó en dos ediciones en cuarto antes de la publicación del Primer Folio de 1623. Se denominan Q1 y Q2. La primera edición impresa, Q1, apareció a principios de 1597, impresa por John Danter. Debido a que su texto contiene numerosas diferencias con las ediciones posteriores, está etiquetado como un 'mal cuarto', el editor del siglo XX, TJB Spencer, lo describió como "un texto detestable, probablemente una reconstrucción de la obra a partir de los recuerdos imperfectos de uno o más". dos de los actores ", lo que sugiere que había sido pirateado para su publicación. [30] Una explicación alternativa para las deficiencias de Q1 es que la obra (como muchas otras de la época) puede haber sido muy editada antes de la interpretación por parte de la compañía. [31] Sin embargo, "la teoría, formulada por [Alfred] Pollard", de que el 'cuarto malo' fue "reconstruido de la memoria por algunos de los actores está ahora bajo ataque. Las teorías alternativas son que algunos o todos los 'cuartos malos' "son las primeras versiones de Shakespeare o abreviaturas hechas para la compañía de Shakespeare o para otras compañías". [32] En cualquier caso, su aparición a principios de 1597 hace que 1596 sea la última fecha posible para la composición de la obra. [27]

    El Q2 ​​superior llamó al juego La más excelente y lamentable tragedia de Romeo y Julieta. Fue impreso en 1599 por Thomas Creede y publicado por Cuthbert Burby. El segundo trimestre es aproximadamente 800 líneas más largo que el primer trimestre. [31] Su portada lo describe como "Recientemente corregido, aumentado y modificado". Los eruditos creen que el segundo trimestre se basó en el borrador previo a la actuación de Shakespeare (llamado sus papeles obscenos) ya que hay rarezas textuales como etiquetas variables para personajes y "comienzos en falso" para discursos que presumiblemente fueron tachados por el autor pero preservados erróneamente por el tipógrafo. . Es un texto mucho más completo y confiable y fue reimpreso en 1609 (Q3), 1622 (Q4) y 1637 (Q5). [30] En efecto, todos los cuartos y folios posteriores de Romeo y Julieta se basan en la Q2, al igual que todas las ediciones modernas, ya que los editores creen que cualquier desviación de la Q2 en las ediciones posteriores (ya sea buena o mala) probablemente haya surgido de los editores o compositores, no de Shakespeare. [31]

    El texto del Primer Folio de 1623 se basó principalmente en la Q3, con aclaraciones y correcciones que posiblemente provengan de un libro de instrucciones teatrales o Q1. [30] [33] Otras ediciones en folio de la obra se imprimieron en 1632 (F2), 1664 (F3) y 1685 (F4). [34] Las versiones modernas, que tienen en cuenta varios de los folios y cuartos, aparecieron por primera vez con la edición de 1709 de Nicholas Rowe, seguida de la versión de 1723 de Alexander Pope. Pope comenzó la tradición de editar la obra para agregar información, como las direcciones del escenario que faltan en la Q2, ubicándolas en la Q1. Esta tradición continuó hasta finales del período romántico. Las ediciones totalmente anotadas aparecieron por primera vez en el período victoriano y continúan produciéndose hoy, imprimiendo el texto de la obra con notas al pie de página que describen las fuentes y la cultura detrás de la obra. [35]

    A los estudiosos les ha resultado extremadamente difícil asignar un tema general específico a la obra. Las propuestas para un tema principal incluyen un descubrimiento por parte de los personajes de que los seres humanos no son ni del todo buenos ni del todo malos, sino más o menos parecidos, [36] despertar de un sueño y entrar en la realidad, el peligro de una acción apresurada, o la poder del destino trágico. Ninguno de estos tiene un apoyo generalizado. Sin embargo, incluso si no se puede encontrar un tema general, está claro que la obra está llena de varios elementos temáticos pequeños que se entrelazan de manera compleja. Varios de los más debatidos por los académicos se analizan a continuación. [37]

    "Romeo
    Si profano con mi mano indigna
    Este santuario santo, el pecado suave es este:
    Mis labios, dos peregrinos ruborizados, listos parados
    Para suavizar ese toque áspero con un tierno beso.
    Julieta
    Buen peregrino, te equivocas demasiado en la mano,
    ¿Qué devoción cortés muestra en este
    Porque los santos tienen manos que tocan las manos de los peregrinos,
    Y palma con palma es el beso de los santos palmeros ".

    Romeo y Julieta, Acto I, Escena V [38]

    Romeo y Julieta a veces se considera que no tiene un tema unificador, salvo el del amor joven. [36] Romeo y Julieta se han convertido en emblemáticos de los jóvenes amantes y el amor condenado. Dado que es un tema tan obvio de la obra, varios estudiosos han explorado el lenguaje y el contexto histórico detrás del romance de la obra. [39]

    En su primer encuentro, Romeo y Julieta utilizan una forma de comunicación recomendada por muchos autores de etiqueta en la época de Shakespeare: la metáfora. Al usar metáforas de santos y pecados, Romeo pudo probar los sentimientos de Julieta por él de una manera no amenazante. Este método fue recomendado por Baldassare Castiglione (cuyas obras habían sido traducidas al inglés en ese momento). Señaló que si un hombre usaba una metáfora como invitación, la mujer podía fingir que no lo entendía y él podía retirarse sin perder el honor. Juliet, sin embargo, participa de la metáfora y la amplía. Las metáforas religiosas de "santuario", "peregrino" y "santo" estaban de moda en la poesía de la época y era más probable que se entendieran como románticas en lugar de blasfemas, ya que el concepto de santidad estaba asociado con el catolicismo de una época anterior. . [40] Más adelante en la obra, Shakespeare elimina las alusiones más atrevidas a la resurrección de Cristo en la tumba que encontró en su obra original: Brooke's Romeo y Julieta. [41]

    En la escena posterior del balcón, Shakespeare hace que Romeo escuche el soliloquio de Julieta, pero en la versión de Brooke de la historia, su declaración se hace sola. Al traer a Romeo a la escena para escuchar a escondidas, Shakespeare rompe con la secuencia normal del cortejo. Por lo general, se requería que una mujer fuera modesta y tímida para asegurarse de que su pretendiente fuera sincero, pero romper esta regla sirve para acelerar la trama. Los amantes pueden saltarse el cortejo y pasar a hablar sin rodeos sobre su relación, acordando casarse después de conocerse solo por una noche. [39] En la escena final del suicidio, hay una contradicción en el mensaje: en la religión católica, a menudo se pensaba que los suicidas estaban condenados al infierno, mientras que las personas que mueren para estar con sus amores bajo la "Religión del amor" se unen con sus amores en el paraíso. El amor de Romeo y Julieta parece expresar el punto de vista de la "religión del amor" más que el punto de vista católico. Otro punto es que, aunque su amor es apasionado, solo se consuma en el matrimonio, lo que evita que pierdan la simpatía del público. [42]

    Podría decirse que la obra equipara el amor y el sexo con la muerte. A lo largo de la historia, tanto Romeo como Julieta, junto con los otros personajes, fantasean con él como un ser oscuro, a menudo comparándolo con un amante. Capuleto, por ejemplo, cuando descubre por primera vez la muerte (fingida) de Julieta, la describe como haber desflorado a su hija. [43] Julieta luego compara eróticamente a Romeo y la muerte. Justo antes de su suicidio, agarra la daga de Romeo, diciendo "¡Oh, feliz daga! Esta es tu vaina. Ahí se oxida y déjame morir". [44] [45]

    Destino y oportunidad

    Los eruditos están divididos sobre el papel del destino en la obra. No existe consenso sobre si los personajes están realmente destinados a morir juntos o si los eventos ocurren por una serie de desafortunadas oportunidades. Los argumentos a favor del destino a menudo se refieren a la descripción de los amantes como "cruzados de estrellas". Esta frase parece insinuar que las estrellas han predeterminado el futuro de los amantes. [47] John W. Draper señala los paralelismos entre la creencia isabelina en los cuatro humores y los personajes principales de la obra (por ejemplo, Tybalt como colérico). La interpretación del texto a la luz de los humores reduce la cantidad de trama atribuida al azar por el público moderno. [48] ​​Sin embargo, otros estudiosos ven la obra como una serie de oportunidades desafortunadas, muchas hasta el punto de que no la ven como una tragedia en absoluto, sino como un melodrama emocional. [48] ​​Ruth Nevo cree que el alto grado en el que se enfatiza el azar en la narrativa hace Romeo y Julieta una "tragedia menor" de casualidad, no de carácter. Por ejemplo, el desafiante Tybalt de Romeo no es impulsivo, es, después de la muerte de Mercucio, la acción esperada a tomar. En esta escena, Nevo ve a Romeo consciente de los peligros de burlar las normas sociales, la identidad y los compromisos. Él toma la decisión de matar, no por una falla trágica, sino por las circunstancias. [49]

    Dualidad (claro y oscuro)

    "Oh amor pendenciero, oh amoroso odio,
    ¡Oh, cualquier cosa de la nada crea primero!
    Oh pesada ligereza, grave vanidad,
    Caos deforme de formas bien parecidas,
    Pluma de plomo, humo brillante, fuego frío, salud enferma,
    ¡Sueño todavía despierto, eso no es lo que es! "

    Los eruditos han notado durante mucho tiempo el uso generalizado de Shakespeare de imágenes claras y oscuras a lo largo de la obra. Caroline Spurgeon considera el tema de la luz como "un símbolo de la belleza natural del amor joven" y los críticos posteriores se han extendido sobre esta interpretación. [49] [51] Por ejemplo, tanto Romeo como Julieta ven al otro como luz en una oscuridad circundante. Romeo describe a Julieta como el sol, [52] más brillante que una antorcha, [53] una joya que brilla en la noche [54] y un ángel brillante entre nubes oscuras. [55] Incluso cuando yace aparentemente muerta en la tumba, él dice que su "belleza hace de esta bóveda una presencia festiva llena de luz". [56] Julieta describe a Romeo como "día en la noche" y "Más blanco que la nieve sobre el lomo de un cuervo". [57] [58] Este contraste de luz y oscuridad puede expandirse como símbolos, contrastando el amor y el odio, la juventud y la edad de una manera metafórica. [49] A veces, estas metáforas entrelazadas crean una ironía dramática. Por ejemplo, el amor de Romeo y Julieta es una luz en medio de la oscuridad del odio que los rodea, pero toda su actividad conjunta se realiza en la noche y la oscuridad, mientras que toda la disputa se realiza a plena luz del día. Esta paradoja de la imaginería agrega atmósfera al dilema moral que enfrentan los dos amantes: lealtad a la familia o lealtad al amor. Al final de la historia, cuando la mañana es sombría y el sol esconde su rostro por el dolor, la luz y la oscuridad han regresado a sus lugares apropiados, la oscuridad exterior refleja la verdadera oscuridad interior de la disputa familiar por el dolor de los amantes. . Todos los personajes reconocen ahora su locura a la luz de los acontecimientos recientes, y las cosas vuelven al orden natural, gracias al amor y la muerte de Romeo y Julieta. [51] El tema de la "luz" en la obra también está fuertemente relacionado con el tema del tiempo, ya que la luz era una forma conveniente para que Shakespeare expresara el paso del tiempo a través de descripciones del sol, la luna y las estrellas. [59]

    El tiempo juega un papel importante en el lenguaje y la trama de la obra. Tanto Romeo como Julieta luchan por mantener un mundo imaginario vacío de tiempo ante las duras realidades que los rodean. Por ejemplo, cuando Romeo jura su amor a Julieta por la luna, ella protesta "Oh, no jures por la luna, la luna inconstante, / Que cambia mensualmente en su orbe circular, / No sea que tu amor sea igualmente variable". [61] Desde el principio, los amantes son designados como "estrellados" [62] [c] refiriéndose a una creencia astrológica asociada con el tiempo. Se pensaba que las estrellas controlaban el destino de la humanidad y, a medida que pasaba el tiempo, las estrellas se movían a lo largo de su curso en el cielo, también trazando el curso de las vidas humanas a continuación. Romeo habla de un presentimiento que siente en los movimientos de las estrellas al principio de la obra, y cuando se entera de la muerte de Julieta, desafía el curso de las estrellas por él. [48] ​​[64]

    Otro tema central es la prisa: Shakespeare's Romeo y Julieta abarca un período de cuatro a seis días, en contraste con los poemas de Brooke que abarcan nueve meses. [59] Eruditos como G. Thomas Tanselle creen que el tiempo era "especialmente importante para Shakespeare" en esta obra, ya que utilizó referencias a "poco tiempo" para los jóvenes amantes en lugar de referencias a "mucho tiempo" para los jóvenes amantes. "generación mayor" para destacar "una carrera precipitada hacia la perdición". [59] Romeo y Julieta luchan contra el tiempo para hacer que su amor dure para siempre. Al final, la única forma en que parecen vencer al tiempo es a través de una muerte que los hace inmortales a través del arte. [sesenta y cinco]

    El tiempo también está relacionado con el tema de la luz y la oscuridad. En la época de Shakespeare, las obras de teatro se representaban con mayor frecuencia al mediodía o por la tarde a plena luz del día. [d] Esto obligó al dramaturgo a utilizar palabras para crear la ilusión del día y la noche en sus obras. Shakespeare usa referencias al día y la noche, las estrellas, la luna y el sol para crear esta ilusión. También tiene personajes que se refieren con frecuencia a días de la semana y horas específicas para ayudar a la audiencia a comprender que ha pasado el tiempo en la historia. En total, en la obra se encuentran no menos de 103 referencias al tiempo, lo que aumenta la ilusión de su paso. [66] [67]

    Historia critica

    El primer crítico conocido de la obra fue el cronista Samuel Pepys, quien escribió en 1662: "Es una obra en sí misma, la peor que he escuchado en mi vida". [68] El poeta John Dryden escribió diez años después en elogio de la obra y su personaje cómico Mercucio: "Shakespear mostró lo mejor de su habilidad en su Mercucio, y él mismo dijo, que fue obligado a matarlo en el tercer acto, para evitar que lo matara ". [68] Las críticas a la obra en el siglo XVIII fueron menos escasas pero no menos divididas. Editor Nicholas Rowe fue el primer crítico en reflexionar sobre el tema de la obra, que vio como el castigo justo de las dos familias enfrentadas. A mediados de siglo, el escritor Charles Gildon y el filósofo Lord Kames argumentaron que la obra era un fracaso porque no seguía las reglas clásicas del drama: la tragedia debe ocurrir debido a algún defecto de carácter, no a un accidente del destino. El escritor y crítico Samuel Johnson, sin embargo, la consideró una de las obras "más agradables" de Shakespeare. [69]

    En la última parte del siglo XVIII y durante el siglo XIX, la crítica se centró en los debates sobre el mensaje moral de la obra. La adaptación de 1748 del actor y dramaturgo David Garrick excluyó a Rosaline: que Romeo la abandonara por Julieta se consideraba voluble e imprudente. Críticos como Charles Dibdin argumentaron que Rosaline había sido incluida en la obra para mostrar cuán imprudente era el héroe y que esa era la razón de su trágico final. Otros argumentaron que Fray Lorenzo podría ser el portavoz de Shakespeare en sus advertencias contra la prisa indebida. A principios del siglo XX, estos argumentos morales fueron cuestionados por críticos como Richard Green Moulton: argumentó que un accidente, y no un defecto de carácter, condujo a la muerte de los amantes. [70]

    Estructura dramática

    En Romeo y Julieta, Shakespeare emplea varias técnicas dramáticas que han cosechado elogios de los críticos, sobre todo los abruptos cambios de la comedia a la tragedia (un ejemplo es el intercambio de juegos de palabras entre Benvolio y Mercucio justo antes de la llegada de Tybalt). Antes de la muerte de Mercucio en el tercer acto, la obra es en gran parte una comedia. [71] Después de su muerte accidental, la obra de repente se vuelve seria y adquiere un tono trágico. Cuando Romeo es desterrado, en lugar de ejecutado, y Fray Lorenzo ofrece a Julieta un plan para reunirla con Romeo, la audiencia todavía puede esperar que todo termine bien. Están en un "estado de suspenso sin aliento" cuando se abre la última escena en la tumba: si Romeo se demora lo suficiente para que llegue el fraile, él y Julieta aún pueden salvarse. [72] Estos cambios de la esperanza a la desesperación, el alivio y la nueva esperanza sirven para enfatizar la tragedia cuando la esperanza final falla y ambos amantes mueren al final. [73]

    Shakespeare también utiliza tramas secundarias para ofrecer una visión más clara de las acciones de los personajes principales. Por ejemplo, cuando comienza la obra, Romeo está enamorado de Rosaline, quien ha rechazado todos sus avances. El enamoramiento de Romeo por ella contrasta obviamente con su amor posterior por Julieta. Esto proporciona una comparación a través de la cual la audiencia puede ver la seriedad del amor y el matrimonio de Romeo y Julieta. El amor de Paris por Julieta también establece un contraste entre los sentimientos de Julieta por él y sus sentimientos por Romeo. El lenguaje formal que usa en París, así como la forma en que habla de él a su enfermera, muestran que sus sentimientos están claramente en Romeo. Más allá de esto, la trama secundaria de la disputa entre Montague y Capuleto domina toda la obra, proporcionando una atmósfera de odio que es el principal contribuyente al trágico final de la obra. [73]

    Idioma

    Shakespeare utiliza una variedad de formas poéticas a lo largo de la obra. Comienza con un prólogo de 14 versos en forma de soneto de Shakespeare, hablado por un coro. La mayoría de Romeo y Julieta está, sin embargo, escrito en verso en blanco, y gran parte de él en pentámetro yámbico estricto, con menos variación rítmica que en la mayoría de las últimas obras de Shakespeare. [74] Al elegir las formas, Shakespeare hace coincidir la poesía con el personaje que la usa. Fray Lorenzo, por ejemplo, usa formas de sermones y sentencias y la enfermera usa una forma de verso en blanco única que se asemeja mucho al discurso coloquial. [74] Cada una de estas formas también está moldeada y adaptada a la emoción de la escena que ocupa el personaje. Por ejemplo, cuando Romeo habla de Rosaline al principio de la obra, intenta usar la forma de soneto de Petrarchán. Los hombres solían utilizar los sonetos petrarcanos para exagerar la belleza de las mujeres que les era imposible alcanzar, como en la situación de Romeo con Rosalina. Lady Capulet utiliza esta forma de soneto para describir al conde Paris a Julieta como un hombre guapo. [75] Cuando Romeo y Julieta se encuentran, la forma poética cambia de Petrarchan (que se estaba volviendo arcaica en la época de Shakespeare) a una forma de soneto entonces más contemporánea, usando "peregrinos" y "santos" como metáforas. [76] Finalmente, cuando los dos se encuentran en el balcón, Romeo intenta usar la forma del soneto para prometer su amor, pero Julieta lo rompe diciendo "¿Me amas?" [77] Al hacer esto, busca la expresión verdadera, en lugar de una exageración poética de su amor. [78] Julieta usa palabras monosilábicas con Romeo pero usa lenguaje formal con Paris. [79] Otras formas de la obra incluyen un epithalamium de Juliet, una rapsodia en el discurso de la reina Mab de Mercucio y una elegía de Paris. [80] Shakespeare guarda su estilo de prosa con mayor frecuencia para la gente común en la obra, aunque a veces lo usa para otros personajes, como Mercucio. [81] El humor también es importante: la académica Molly Mahood identifica al menos 175 juegos de palabras y juegos de palabras en el texto. [82] Muchos de estos chistes son de naturaleza sexual, especialmente los que involucran a Mercucio y la Enfermera. [83]

    Crítica psicoanalítica

    Los primeros críticos psicoanalíticos vieron el problema de Romeo y Julieta en cuanto a la impulsividad de Romeo, derivada de una "agresión mal controlada, parcialmente disfrazada", [84] que conduce tanto a la muerte de Mercucio como al doble suicidio. [84] [e] Romeo y Julieta no se considera excesivamente complejo psicológicamente, y las lecturas psicoanalíticas comprensivas de la obra hacen que la trágica experiencia masculina sea equivalente a la enfermedad. [86] Norman Holland, escrito en 1966, considera el sueño de Romeo [87] como una realista "fantasía que cumple el deseo tanto en términos del mundo adulto de Romeo como de su infancia hipotética en etapas oral, fálica y edípica", al tiempo que reconoce que un personaje dramático es no un ser humano con procesos mentales separados de los del autor. [88] Críticos como Julia Kristeva se centran en el odio entre las familias, argumentando que este odio es la causa de la pasión de Romeo y Julieta el uno por el otro. Ese odio se manifiesta directamente en el lenguaje de los amantes: Julieta, por ejemplo, habla de "mi único amor surgió de mi único odio" [89] y, a menudo, expresa su pasión a través de la anticipación de la muerte de Romeo. [90] Esto lleva a la especulación sobre la psicología del dramaturgo, en particular a una consideración del dolor de Shakespeare por la muerte de su hijo, Hamnet. [91]

    Crítica feminista

    Las críticas literarias feministas argumentan que la culpa de la disputa familiar reside en la sociedad patriarcal de Verona. Para Coppélia Kahn, por ejemplo, el estricto código masculino de violencia impuesto a Romeo es la principal fuerza que lleva la tragedia a su fin. Cuando Tybalt mata a Mercucio, Romeo cambia a este modo violento, lamentando que Julieta lo haya hecho tan "afeminado". [92] En este punto de vista, los varones más jóvenes "se convierten en hombres" al participar en la violencia en nombre de sus padres, o en el caso de los sirvientes, sus amos. La enemistad también está relacionada con la virilidad masculina, como demuestran acertadamente los numerosos chistes sobre las doncellas. [93] [94] Julieta también se somete a un código femenino de docilidad al permitir que otros, como el Fraile, resuelvan sus problemas por ella. Otros críticos, como Dympna Callaghan, miran el feminismo de la obra desde un ángulo historicista, enfatizando que cuando la obra fue escrita, el orden feudal estaba siendo desafiado por un gobierno cada vez más centralizado y el advenimiento del capitalismo. Al mismo tiempo, las ideas puritanas emergentes sobre el matrimonio estaban menos preocupadas por los "males de la sexualidad femenina" que las de épocas anteriores y más compasivas con los matrimonios amorosos: cuando Julieta esquiva el intento de su padre de obligarla a casarse con un hombre, no tiene sintiendo, está desafiando el orden patriarcal de una manera que no hubiera sido posible en un momento anterior. [95]

    Extraña teoria

    Varios críticos han encontrado que el personaje de Mercucio tiene un deseo homoerótico no reconocido por Romeo. [96] Jonathan Goldberg examinó la sexualidad de Mercucio y Romeo utilizando la teoría queer en Queering el Renacimiento (1994), comparando su amistad con el amor sexual. [97] Mercucio, en una conversación amistosa, menciona el falo de Romeo, sugiriendo rastros de homoerotismo. [98] Un ejemplo es su deseo en broma "Para levantar un espíritu en el círculo de su amante. Dejándolo allí en pie / hasta que ella lo haya dejado y lo haya conjurado". [99] [100] El homoerotismo de Romeo también se puede encontrar en su actitud hacia Rosaline, una mujer que es distante y no disponible y no trae esperanza de descendencia. Como argumenta Benvolio, es mejor reemplazarla por alguien que corresponda. Los sonetos sobre la procreación de Shakespeare describen a otro joven que, como Romeo, tiene problemas para crear descendencia y que puede ser visto como homosexual. Goldberg cree que Shakespeare pudo haber usado a Rosaline como una forma de expresar los problemas homosexuales de la procreación de una manera aceptable. En este punto de vista, cuando Juliet dice ". Lo que llamamos rosa, con cualquier otro nombre olería tan dulce", [101] puede estar planteando la cuestión de si existe alguna diferencia entre la belleza de un hombre y la belleza de una mujer. [102]

    La escena del balcón

    La escena del balcón fue introducida por Da Porto en 1524. Hizo que Romeo pasara con frecuencia por su casa, "a veces subiendo a la ventana de su habitación", y escribió: "Sucedió una noche, como ordenó el amor, cuando la luna brilló inusualmente brillante, que mientras Romeo subía al balcón, la señorita. abrió la ventana, y mirando hacia afuera lo vio ". [103] Después de esto, tienen una conversación en la que se declaran amor eterno. Unas décadas más tarde, Bandello amplió enormemente esta escena, divergiendo de la familiar: Julia hace que su enfermera le entregue una carta pidiendo a Romeo que se acerque a su ventana con una escalera de cuerda, y él sube al balcón con la ayuda de su criada, Julia y la enfermera (los sirvientes se retiran discretamente después de esto). [18]

    Sin embargo, en octubre de 2014, Lois Leveen especuló con El Atlántico que la obra original de Shakespeare no tenía balcón. [104] La palabra, balcone, no se sabe que haya existido en el idioma inglés hasta dos años después de la muerte de Shakespeare. [105] El balcón ciertamente se usó en la obra de Thomas Otway de 1679, La historia y la caída de Cayo Mario, que había tomado prestada gran parte de su historia de Romeo y Julieta y colocó a los dos amantes en un balcón recitando un discurso similar al de Romeo y Julieta. Leveen sugirió que durante el siglo XVIII, David Garrick eligió usar un balcón en su adaptación y renacimiento de Romeo y Julieta y las adaptaciones modernas han continuado esta tradición. [104]

    El dia de Shakespeare

    Romeo y Julieta se ubica con Aldea como una de las obras más representadas de Shakespeare. Sus múltiples adaptaciones la han convertido en una de sus historias más perdurables y famosas. [107] Incluso en vida de Shakespeare, fue extremadamente popular. El erudito Gary Taylor la mide como la sexta más popular de las obras de Shakespeare, en el período posterior a la muerte de Christopher Marlowe y Thomas Kyd, pero antes del ascenso de Ben Jonson durante el cual Shakespeare fue el dramaturgo dominante de Londres. [108] [f] Se desconoce la fecha de la primera representación. El primer cuarto, impreso en 1597, dice "ha sido a menudo (y con gran aplauso) tartán en público", estableciendo la primera representación antes de esa fecha. Los hombres de Lord Chamberlain fueron sin duda los primeros en realizarlo. Además de sus fuertes conexiones con Shakespeare, Second Quarto en realidad nombra a uno de sus actores, Will Kemp, en lugar de Peter, en una línea del Acto V.Richard Burbage fue probablemente el primer Romeo, siendo el actor y maestro de la compañía Robert Goffe (un niño ), la primera Julieta. [106] Es probable que el estreno haya sido en "The Theatre", con otras producciones tempranas en "The Curtain". [109] Romeo y Julieta es una de las primeras obras de Shakespeare que se han representado fuera de Inglaterra: una versión abreviada y simplificada se representó en Nördlingen en 1604. [110]

    Restauración y teatro del siglo XVIII

    Todos los teatros fueron cerrados por el gobierno puritano el 6 de septiembre de 1642. Tras la restauración de la monarquía en 1660, se establecieron dos compañías de patentes (King's Company y Duke's Company) y el repertorio teatral existente se dividió entre ellas. [111]

    Sir William Davenant, de Duke's Company, organizó una adaptación de 1662 en la que Henry Harris interpretó a Romeo, Thomas Betterton Mercutio y la esposa de Betterton, Mary Saunderson Juliet: probablemente fue la primera mujer en interpretar el papel profesionalmente. [112] Otra versión siguió de cerca la adaptación de Davenant y también fue interpretada regularmente por Duke's Company. Esta fue una tragicomedia de James Howard, en la que los dos amantes sobreviven. [113]

    De Thomas Otway La historia y la caída de Cayo Mario, una de las adaptaciones más extremas de la Restauración de Shakespeare, debutó en 1680. La escena se traslada de la Verona renacentista a la antigua Roma Romeo es Mario, Julieta es Lavinia, la disputa es entre patricios y plebeyos Julieta / Lavinia se despierta de su poción antes Romeo / Marius muere. La versión de Otway fue un éxito y se actuó durante los siguientes setenta años. [112] Su innovación en la escena final fue aún más duradera, y se utilizó en adaptaciones durante los siguientes 200 años: la adaptación de Theophilus Cibber de 1744 y la de David Garrick de 1748 utilizaron variaciones sobre ella. [114] Estas versiones también eliminaron elementos considerados inapropiados en ese momento. Por ejemplo, la versión de Garrick transfirió todo el lenguaje que describe a Rosaline a Juliet, para realzar la idea de fidelidad y restar importancia al tema del amor a primera vista. [115] [116] En 1750, comenzó una "Batalla de los Romeos", con Spranger Barry y Susannah Maria Arne (Sra. Theophilus Cibber) en Covent Garden contra David Garrick y George Anne Bellamy en Drury Lane. [117]

    La primera producción conocida en Norteamérica fue de aficionados: el 23 de marzo de 1730, un médico llamado Joachimus Bertrand colocó un anuncio en el Gaceta periódico de Nueva York, promocionando una producción en la que interpretaría al boticario. [118] Las primeras representaciones profesionales de la obra en Norteamérica fueron las de Hallam Company. [119]

    Teatro del siglo XIX

    La versión alterada de Garrick de la obra fue muy popular y se desarrolló durante casi un siglo. [112] No fue hasta 1845 cuando Shakespeare regresó a los escenarios en los Estados Unidos con las hermanas Susan y Charlotte Cushman como Juliet y Romeo, respectivamente, [120] y luego en 1847 en Gran Bretaña con Samuel Phelps en el Sadler's Wells Theatre. [121] Cushman se adhirió a la versión de Shakespeare, comenzando una serie de ochenta y cuatro representaciones. Su interpretación de Romeo fue considerada genial por muchos. Los tiempos escribió: "Durante mucho tiempo Romeo ha sido una convención. El Romeo de la señorita Cushman es un ser humano creativo, vivo, que respira, animado y ardiente". [122] [120] La reina Victoria escribió en su diario que "nadie se hubiera imaginado nunca que era una mujer". [123] El éxito de Cushman rompió la tradición de Garrick y allanó el camino para que las actuaciones posteriores volvieran a la trama original. [112]

    Las representaciones profesionales de Shakespeare a mediados del siglo XIX tenían dos características particulares: en primer lugar, eran generalmente vehículos estrella, con papeles secundarios cortados o marginados para dar mayor protagonismo a los personajes centrales. En segundo lugar, eran "pictóricos", situando la acción en decorados espectaculares y elaborados (que requerían largas pausas para los cambios de escena) y con el uso frecuente de cuadros. [124] La producción de 1882 de Henry Irving en el Lyceum Theatre (con él mismo como Romeo y Ellen Terry como Julieta) se considera un arquetipo del estilo pictórico. [125] En 1895, Sir Johnston Forbes-Robertson reemplazó a Irving y sentó las bases para una representación más natural de Shakespeare que sigue siendo popular en la actualidad. Forbes-Robertson evitó la ostentación de Irving y en su lugar retrató a un Romeo con los pies en la tierra, expresando el diálogo poético como una prosa realista y evitando el florecimiento melodramático. [126]

    Los actores estadounidenses comenzaron a rivalizar con sus homólogos británicos. Edwin Booth (hermano de John Wilkes Booth) y Mary McVicker (que pronto será la esposa de Edwin) abrieron como Romeo y Julieta en el suntuoso Booth's Theatre (con su maquinaria escénica de estilo europeo y un sistema de aire acondicionado único en Nueva York) en 3 Febrero de 1869. Algunos informes decían que era una de las producciones más elaboradas de Romeo y Julieta jamás visto en Estados Unidos, fue sin duda el más popular, con una duración de más de seis semanas y una ganancia de más de $ 60,000 (equivalente a $ 1,000,000 en 2020).[127] [g] [h] El programa señaló que: "La tragedia se producirá en estricta conformidad con la propiedad histórica, en todos los aspectos, siguiendo de cerca el texto de Shakespeare". [I]

    La primera representación profesional de la obra en Japón puede haber sido la producción de la compañía de George Crichton Miln, que viajó a Yokohama en 1890. [128] A lo largo del siglo XIX, Romeo y Julieta había sido la obra más popular de Shakespeare, medida por el número de actuaciones profesionales. En el siglo XX se convertiría en el segundo más popular, detrás Aldea. [129]

    Teatro del siglo XX

    En 1933, la obra fue revivida por la actriz Katharine Cornell y su esposo director Guthrie McClintic y fue llevada a una gira nacional de siete meses por los Estados Unidos. Protagonizada por Orson Welles, Brian Aherne y Basil Rathbone. La producción fue un éxito modesto, por lo que, a su regreso a Nueva York, Cornell y McClintic la revisaron y, por primera vez, la obra se presentó con casi todas las escenas intactas, incluido el Prólogo. La nueva producción se estrenó en Broadway en diciembre de 1934. Los críticos escribieron que Cornell era "la Julieta más grande de su tiempo", "eternamente inquietante" y "la Julieta más hermosa y encantadora que nuestro teatro actual ha visto". [130]

    La producción New Theatre de John Gielgud en 1935 contó con Gielgud y Laurence Olivier como Romeo y Mercutio, intercambiando papeles seis semanas después de la carrera, con Peggy Ashcroft como Juliet. [131] Gielgud utilizó una combinación académica de textos Q1 y Q2 y organizó el decorado y el vestuario para que coincidieran lo más posible con el período isabelino. Sus esfuerzos fueron un gran éxito en la taquilla y prepararon el escenario para un mayor realismo histórico en producciones posteriores. [132] Olivier luego comparó su actuación con la de Gielgud: "John, todo espiritual, toda espiritualidad, toda belleza, todas las cosas abstractas y yo como toda la tierra, sangre, humanidad. Siempre sentí que John extrañaba la mitad inferior y eso hizo yo voy por el otro. Pero sea lo que sea, cuando estaba jugando a Romeo llevaba una antorcha, estaba tratando de vender el realismo en Shakespeare ". [133]

    La versión de Peter Brook de 1947 fue el comienzo de un estilo diferente de Romeo y Julieta actuaciones. Brook estaba menos preocupado por el realismo y más preocupado por traducir la obra a una forma que pudiera comunicarse con el mundo moderno. Argumentó: "Una producción solo es correcta en el momento de su corrección, y solo es buena en el momento de su éxito". [134] Brook excluyó la reconciliación final de las familias del texto de su interpretación. [135]

    A lo largo del siglo, el público, influenciado por el cine, se volvió menos dispuesto a aceptar actores claramente mayores que los personajes adolescentes que interpretaban. [136] Un ejemplo significativo de casting más juvenil fue la producción Old Vic de Franco Zeffirelli en 1960, con John Stride y Judi Dench, que serviría de base para su película de 1968. [135] Zeffirelli tomó prestadas las ideas de Brook, eliminando por completo alrededor de un tercio del texto de la obra para hacerla más accesible. En una entrevista con Los tiempos, afirmó que los "temas gemelos del amor y la ruptura total del entendimiento entre dos generaciones" de la obra tenían relevancia contemporánea. [135] [j]

    Las actuaciones recientes a menudo establecen la obra en el mundo contemporáneo. Por ejemplo, en 1986, la Royal Shakespeare Company puso la obra en la Verona moderna. Las navajas sustituyeron a las espadas, los banquetes y los bailes se convirtieron en fiestas de rock cargadas de drogas, y Romeo se suicidó con una aguja hipodérmica. La producción de Neil Bartlett de Romeo y Julieta le dio a la obra un tema muy contemporáneo con un aspecto cinematográfico que comenzó su vida en el Lyric Hammersmith, Londres y luego fue a West Yorkshire Playhouse para una presentación exclusiva en 1995. El elenco incluía a Emily Woof como Juliet, Stuart Bunce como Romeo, Sebastian Harcombe como Mercutio, Ashley Artus como Tybalt, Souad Faress como Lady Capulet y Silas Carson como Paris. [138] En 1997, el Teatro Folger Shakespeare produjo una versión ambientada en un típico mundo suburbano. Romeo se cuela en la barbacoa de los Capuleto para encontrarse con Julieta, y Julieta descubre la muerte de Tybalt mientras está en clase en la escuela. [139]

    A veces, a la obra se le da un escenario histórico, lo que permite al público reflexionar sobre los conflictos subyacentes. Por ejemplo, las adaptaciones se han establecido en medio del conflicto palestino-israelí, [140] en la era del apartheid en Sudáfrica, [141] y después de la revuelta de Pueblo. [142] De manera similar, la adaptación cómica de Peter Ustinov de 1956, Romanoff y Juliet, está ambientada en un país ficticio de Europa central en las profundidades de la Guerra Fría. [143] Una versión revisionista simulada victoriana de Romeo y Julieta La escena final (con final feliz, Romeo, Julieta, Mercucio y Paris revividos, y Benvolio revelando que él es el amor de Paris, Benvolia, disfrazado) forma parte de la obra de teatro de 1980. La vida y aventuras de Nicholas Nickleby. [144] R & ampJ de Shakespeare, de Joe Calarco, gira el clásico en una historia moderna sobre el despertar de la adolescencia gay. [145] Una adaptación musical cómica reciente fue El musical de Romeo y Julieta de la segunda ciudad: el pueblo contra Fray Lorenzo, el hombre que mató a Romeo y Julieta, ambientado en los tiempos modernos. [146]

    En los siglos XIX y XX, Romeo y Julieta Ha sido a menudo la elección de las obras de Shakespeare para abrir una compañía de teatro clásico, comenzando con la producción inaugural de Edwin Booth de esa obra en su teatro en 1869, la compañía recién reformada del Old Vic en 1929 con John Gielgud, Martita Hunt y Margaret Webster, [147] así como la Riverside Shakespeare Company en su producción fundadora en la ciudad de Nueva York en 1977, que utilizó como inspiración la película de 1968 de la producción de Franco Zeffirelli. [148]

    En 2013, Romeo y Julieta Estuvo en Broadway en el Richard Rodgers Theatre del 19 de septiembre al 8 de diciembre para 93 funciones regulares después de 27 presentaciones previas a partir del 24 de agosto con Orlando Bloom y Condola Rashad en los papeles protagónicos. [149]

    Ballet

    La versión de ballet más conocida es la de Prokofiev. Romeo y Julieta. [150] Originalmente encargado por el Kirov Ballet, fue rechazado por ellos cuando Prokofiev intentó un final feliz y fue rechazado nuevamente por la naturaleza experimental de su música. Posteriormente ha alcanzado una reputación "inmensa", y ha sido coreografiado por John Cranko (1962) y Kenneth MacMillan (1965) entre otros. [151]

    En 1977, la producción de Michael Smuin de una de las interpretaciones de danza más dramáticas y apasionadas de la obra fue estrenada en su totalidad por el Ballet de San Francisco. Esta producción fue el primer ballet de larga duración en ser transmitido por la serie de PBS "Great Performances: Dance in America" ​​que se emitió en 1978. [152]

    Dada Masilo, bailarina y coreógrafa sudafricana, reinterpretó a Romeo y Julieta bajo una nueva luz moderna. Ella introdujo cambios en la historia, en particular el de presentar a las dos familias como multirraciales. [153]

    Música

    "Romeo amaba a Julieta
    Julieta, ella sintió lo mismo
    Cuando la rodeó con sus brazos
    Dijo Julie, cariño, eres mi llama
    Das fiebre. "

    Al menos 24 óperas se han basado en Romeo y Julieta. [156] El más antiguo, Romeo und Julie en 1776, un Singspiel de Georg Benda, omite gran parte de la acción de la obra y la mayoría de sus personajes y tiene un final feliz. Ocasionalmente se revive. El más conocido es el de Gounod de 1867. Roméo et Juliette (libreto de Jules Barbier y Michel Carré), un triunfo de la crítica cuando se interpretó por primera vez y que se revive con frecuencia en la actualidad. [157] [158] Bellini I Capuleti e i Montecchi también es revivido de vez en cuando, pero a veces ha sido juzgado desfavorablemente debido a sus libertades percibidas con Shakespeare. Sin embargo, Bellini y su libretista, Felice Romani, trabajaron con fuentes italianas, principalmente el libreto de Romani para Giulietta e Romeo de Nicola Vaccai, en lugar de adaptar directamente la obra de Shakespeare. [159] Entre las óperas posteriores, está el trabajo de 1940 de Heinrich Sutermeister Romeo und Julia. [160]

    Roméo et Juliette de Berlioz es una "sinfonía dramática", una obra a gran escala en tres partes para voces mixtas, coro y orquesta, que se estrenó en 1839. [161] Tchaikovsky's Romeo y Julieta Fantasy-Overture (1869, revisado en 1870 y 1880) es un poema sinfónico de 15 minutos que contiene la famosa melodía conocida como "tema del amor". [162] El dispositivo de Tchaikovsky de repetir el mismo tema musical en el baile, en la escena del balcón, en el dormitorio de Julieta y en la tumba [163] ha sido utilizado por directores posteriores: por ejemplo, el tema del amor de Nino Rota se usa de manera similar en la película de 1968 de la obra, al igual que "Kissing You" de Des'ree en la película de 1996. [164] Otros compositores clásicos influenciados por la obra incluyen a Henry Hugh Pearson (Romeo y Julieta, obertura para orquesta, Op. 86), Svendsen (Romeo og Julie, 1876), Delius (Un pueblo de Romeo y Julieta, 1899-1901), Stenhammar (Romeo och Julia, 1922) y Kabalevsky (Música incidental a Romeo y Julieta, Op. 56, 1956). [165]

    La obra influyó en varias obras de jazz, incluida "Fever" de Peggy Lee. [155] Duke Ellington Tan dulce trueno contiene una pieza titulada "The Star-Crossed Lovers" [166] en la que la pareja está representada por saxofones tenor y alto: los críticos notaron que el saxo de Julieta domina la pieza, en lugar de ofrecer una imagen de igualdad. [167] La ​​obra ha influido con frecuencia en la música popular, incluidas obras de The Supremes, Bruce Springsteen, Tom Waits, Lou Reed, [168] y Taylor Swift. [169] La pista más famosa de este tipo es "Romeo y Julieta" de Dire Straits. [170]

    La adaptación de teatro musical más famosa es West Side Story con música de Leonard Bernstein y letra de Stephen Sondheim. Debutó en Broadway en 1957 y en el West End en 1958 y fue adaptada como película popular en 1961. Esta versión actualizó el escenario a la ciudad de Nueva York de mediados del siglo XX y las familias en guerra a pandillas étnicas. [171] Otras adaptaciones musicales incluyen el musical de rock de 1999 de Terrence Mann. Romeo y Julieta de William Shakespeare, coescrito con Jerome Korman [172] Gérard Presgurvic de 2001 Roméo et Juliette, de la Haine à l'Amour 2007 de Riccardo Cocciante Giulietta y amp Romeo [173] y la adaptación de 2013 de Johan Christher Schütz y Johan Petterssons Cuento de carnaval (Tivolisaga), que tiene lugar en un carnaval ambulante. [174]

    Literatura y arte

    Romeo y Julieta tuvo una profunda influencia en la literatura posterior. Hasta entonces, el romance ni siquiera se había considerado un tema digno de tragedia. [175] En palabras de Harold Bloom, Shakespeare "inventó la fórmula de que lo sexual se convierte en erótico cuando lo atraviesa la sombra de la muerte". [176] De las obras de Shakespeare, Romeo y Julieta ha generado las más —y las más variadas— adaptaciones, que incluyen narrativas en prosa y verso, teatro, ópera, música orquestal y coral, ballet, cine, televisión y pintura. [177] [k] La palabra "Romeo" incluso se ha convertido en sinónimo de "amante masculino" en inglés. [178]

    Romeo y Julieta fue parodiado en vida de Shakespeare: Henry Porter Dos mujeres enojadas de Abingdon (1598) y Thomas Dekker Blurt, jefe de policía (1607) ambos contienen escenas de balcones en las que una heroína virginal se involucra en juegos de palabras obscenos. [179] La obra influyó directamente en las obras literarias posteriores. Por ejemplo, los preparativos para una actuación forman una trama importante en la obra de Charles Dickens. Nicolás Nickleby. [180]

    Romeo y Julieta es una de las obras más ilustradas de Shakespeare. [181] La primera ilustración conocida fue un grabado en madera de la escena de la tumba, [182] que se cree que fue creado por Elisha Kirkall, que apareció en la edición de 1709 de las obras de Shakespeare de Nicholas Rowe. [183] ​​Se encargaron cinco pinturas de la obra para la Galería Boydell Shakespeare a finales del siglo XVIII, una de las cuales representa cada uno de los cinco actos de la obra. [184] A principios del siglo XIX, Henry Thomson pintó Julieta después de la mascarada, un grabado. de la cual se publicó en The Literary Souvenir, 1828, con un poema de Letitia Elizabeth Landon. La moda del siglo XIX para las representaciones "pictóricas" llevó a los directores a dibujar en pinturas para su inspiración, lo que, a su vez, influyó en los pintores para representar actores y escenas del teatro. [185] En el siglo XX, las imágenes visuales más icónicas de la obra se derivan de sus populares versiones cinematográficas. [186]

    La novela de 2007 de David Blixt El maestro de Verona imagina los orígenes de la famosa disputa Capuleto-Montague, combinando los personajes de las obras italianas de Shakespeare con las figuras históricas de la época de Dante. [187] Novelas posteriores de Blixt Voz del halconero (2010), Tonto afortunado (2012) y La perdición del príncipe (2014) continúan explorando el mundo, siguiendo la vida de Mercucio cuando llega a la mayoría de edad. Más historias de Blixt Star-Cross'd la serie aparece en Caras barnizadas: relatos cortos con estrellas cruzadas (2015) y la antología de la plaga, Todos caemos (2020). Blixt también fue autor Los secretos de Shakespeare: Romeo y Julieta (2018), una colección de ensayos sobre la historia de la obra de Shakespeare en la interpretación, en la que Blixt afirma que la obra no es estructuralmente una tragedia, sino una comedia que salió mal. En 2014 Blixt y su esposa, la directora de escena Janice L Blixt, fueron invitados de la ciudad de Verona, Italia para el lanzamiento de la edición en italiano de El maestro de Verona, quedándose con los descendientes de Dante y la cineasta Anna Lerario, con quien Blixt colaboró ​​en una película sobre la vida del príncipe veronés Cangrande della Scala. [188] [189]

    La novela de Lois Leveen de 2014 Enfermera de Julieta imaginaba los catorce años previos a los acontecimientos de la obra desde el punto de vista de la enfermera. La enfermera tiene el tercer mayor número de líneas en la obra original, solo que los personajes epónimos tienen más líneas. [190]

    La obra fue objeto de una pregunta del Certificado General de Educación Secundaria (GCSE) de 2017 por parte de la junta de exámenes de Oxford, Cambridge y RSA que se administró a c. 14000 estudiantes. La junta atrajo críticas y burlas generalizadas de los medios después de que la pregunta pareció confundir a los Capuleto y los Montesco, [191] [192] [193] con el regulador de exámenes Ofqual describiendo el error como inaceptable. [194]

    Romeo y Julieta fue adaptado al formato manga por el sello Manga Classics del editor UDON Entertainment y fue lanzado en mayo de 2018. [195]

    Pantalla

    Romeo y Julieta puede ser la obra de teatro más filmada de todos los tiempos. [196] Los estrenos teatrales más notables fueron la producción de George Cukor, nominada al Oscar en 1936, la versión de 1968 de Franco Zeffirelli y la versión de 1996 de Baz Luhrmann inspirada en MTV. Romeo + Julieta. Los dos últimos fueron, en su época, la película de Shakespeare más taquillera de la historia. [197] Romeo y Julieta Fue filmado por primera vez en la época del cine mudo, por Georges Méliès, aunque su película ahora está perdida. [196] La obra se escuchó por primera vez en una película en La revista de Hollywood de 1929, en el que John Gilbert recitó la escena del balcón frente a Norma Shearer. [198]

    Shearer y Leslie Howard, con una edad combinada de más de 75 años, interpretaron a los amantes adolescentes en la versión cinematográfica de MGM 1936 de George Cukor. Ni los críticos ni el público respondieron con entusiasmo. Los cinéfilos consideraron que la película era demasiado "artística", y se mantuvieron alejados de la película de Warner. Un sueño de una noche de verano un año antes: lo que llevó a Hollywood a abandonar al Bardo durante más de una década. [199] Renato Castellani ganó el Gran Premio en el Festival de Cine de Venecia por su película de 1954 de Romeo y Julieta. [200] Su Romeo, Laurence Harvey, ya era un actor de pantalla experimentado. [201] Por el contrario, Susan Shentall, como Juliet, era una estudiante de secretaría que fue descubierta por el director en un pub de Londres y fue elegida por su "piel pálida y dulce y cabello rubio miel". [202] [l]

    Stephen Orgel describe el 1968 de Franco Zeffirelli Romeo y Julieta como estar "lleno de gente joven hermosa, y la cámara y el exuberante tecnicolor aprovechan al máximo su energía sexual y su buen aspecto". [186] Los protagonistas adolescentes de Zeffirelli, Leonard Whiting y Olivia Hussey, prácticamente no tenían experiencia en la actuación previa, pero actuaron de manera competente y con gran madurez. [203] [204] Zeffirelli ha sido particularmente elogiado, [m] por su presentación de la escena del duelo como una bravuconería fuera de control. [206] La película generó controversia al incluir una escena de una noche de bodas desnuda [207] mientras Olivia Hussey tenía solo quince años. [208]

    1996 de Baz Luhrmann Romeo + Julieta y la banda sonora que lo acompaña se dirigió con éxito a la "Generación MTV": una audiencia joven de edad similar a los personajes de la historia. [209] Mucho más oscura que la versión de Zeffirelli, la película se desarrolla en la "sociedad grosera, violenta y superficial" de Verona Beach y Sycamore Grove. [210] Leonardo DiCaprio era Romeo y Claire Danes era Julieta.

    La obra ha sido ampliamente adaptada para televisión y cine. En 1960, la parodia escénica de la guerra fría de Peter Ustinov, Romanoff y Julieta fue rodada. [143] La película de 1961 West Side Story—Conjunto entre las bandas de Nueva York— presentaba a los Jets como jóvenes blancos, equivalentes a los Montesco de Shakespeare, mientras que los Tiburones, equivalentes a los Capuleto, son puertorriqueños. [211] En 2006, Disney's Musical de secundaria hizo uso de Romeo y Julieta la trama, ubicando a los dos jóvenes amantes en diferentes camarillas de la escuela secundaria en lugar de familias enemistadas. [212] Los cineastas han presentado con frecuencia personajes que interpretan escenas de Romeo y Julieta. [213] [n] La presunción de dramatizar la escritura de Shakespeare Romeo y Julieta se ha utilizado varias veces, [214] [215] incluida la de 1998 de John Madden Shakespeare enamorado, en la que Shakespeare escribe la obra con el telón de fondo de su propia y condenada historia de amor. [216] [217] Una serie de anime producida por Gonzo y SKY Perfect Well Think, llamada Romeo x Julieta, se hizo en 2007 y la versión de 2013 es la última película en inglés basada en la obra. En 2013, Sanjay Leela Bhansali dirigió la película de Bollywood Goliyon Ki Raasleela Ram-Leela, una versión contemporánea de la obra protagonizada por Ranveer Singh y Deepika Padukone en los papeles principales. La película fue un éxito comercial y de crítica. [218] [219] En febrero de 2014, BroadwayHD lanzó una versión filmada del Broadway Revival de 2013 Romeo y Julieta. La producción fue protagonizada por Orlando Bloom y Condola Rashad. [220]

    Medios sociales modernos y producciones del mundo virtual

    En abril y mayo de 2010, la Royal Shakespeare Company y la Mudlark Production Company presentaron una versión de la obra, titulada Tal pena tweet, como una serie improvisada de tweets en tiempo real en Twitter. La producción utilizó actores de RSC que se relacionaron con la audiencia y entre sí, actuando no a partir de un guión tradicional, sino de un "Grid" desarrollado por el equipo de producción de Mudlark y los escritores Tim Wright y Bethan Marlow. Los artistas intérpretes o ejecutantes también utilizan otros sitios de medios como YouTube para fotografías y videos. [221]


    Nuestra historia

    El 1 de junio de 1996, más de 300,000 personas se reunieron en el Lincoln Memorial para el primer Día de Stand for Children, la manifestación más grande para niños en la historia de los Estados Unidos. A partir de este día, los padres y miembros de la comunidad utilizaron la tremenda energía para regresar a casa y luchar para mejorar las vidas de los niños a través de una mejor educación.

    Todos los días, el personal, los miembros y los partidarios de Stand for Children escuchan el llamado del ícono de los derechos civiles, Rosa Parks, quien desafió a la multitud de la manifestación diciendo: “Si puedo sentarme por justicia, ustedes pueden defender a los niños”.

    Desde 1999, Stand ha logrado más de 209 victorias estatales y locales y ha movilizado más de $ 6.7 mil millones en inversiones en educación. Las políticas e inversiones que hemos asegurado están mejorando la vida de más de 5,6 millones de niños.

    Trabajamos en nueve estados para cerrar la brecha de rendimiento y enfocarnos en aprobar políticas a nivel estatal y local que garanticen que todos los niños, especialmente aquellos cuyo potencial ilimitado se pasa por alto y no se aprovecha, tengan acceso a una educación pública de calidad.


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    047: septiembre de 1996

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    044: septiembre de 1995

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    043: abril de 1995

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    042: enero de 1995

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    041: verano de 1994

    Notes by the Way (Avisos del editor) ¡Stand anterior! Editor Tony Farquharson 80th Anniv & hellip

    040: primavera de 1994

    Editor de Notes by the Way (Avisos del editor). Tony Farquharson Roll of Honor - Three Veter & hellip

    039: invierno de 1993

    Notes by the Way (Avisos del editor) Reseñas de libros Cuadro de honor - Ocho miembros veteranos r & hellip

    038: verano de 1993

    Notes by the Way (Avisos del editor) Bob Butcher se retira como editor de Stand To! Rollo de ho & hellip

    037: primavera de 1993

    Notes by the Way (Avisos del editor) The Camera Returns (19) The D42 Arras to Fampoux Road por & hellip

    036: invierno de 1992

    Notes by the Way (Avisos del editor) Cuadro de honor - Cinco miembros veteranos recordaron Th & hellip

    035: verano de 1992

    Notes by the Way (Avisos del editor) Felicitaciones a Aleks A M Deseyne, ganador de 199 & hellip

    034: primavera de 1992

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    033: invierno de 1991

    Notes by the Way (Avisos del editor) Los miembros del Comité de la WFA desde hace mucho tiempo se retiran: James Bra & hellip

    032: verano de 1991

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    030: invierno de 1990

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    029: verano de 1990

    Notas por cierto (Avisos del editor) ¿Qué unidad? Postal de Nicholas Parker The Camera & hellip

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    Notes by the Way (Avisos del editor) El frente occidental no era un Affai & hellip exclusivamente británico

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    Notes by the Way (Avisos del editor) David Cohen, se retira como presidente de la WFA - a tribut & hellip

    026: verano de 1989

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    025: primavera de 1989

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    024: invierno de 1988

    Notas por el camino (Avisos del editor) Mensaje de Navidad del presidente: David Cohen ¡El fin! To & hellip

    023: verano de 1988

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    021: invierno de 1987

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    020: verano de 1987

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    019: primavera de 1987

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    018: invierno de 1986

    Notas por el camino (Avisos del editor) El presidente de la WFA, Charles E Thompson, ¡Stand To! Editor Pete y Hellip

    017: verano de 1986

    Notes by the Way (Avisos del editor) Algunos homenajes: Teniente general Sir John Glubb KCB, CM & hellip

    016: primavera de 1986

    Vicepresidente: David Cohen Notes by the Way (Avisos del editor) Emil & amp Franz: Leutnant & hellip

    015: invierno de 1985

    Notes by the Way (Avisos del editor) Home Front (9): Londres: una vista de pájaro del Ministerio y el infierno

    014: verano de 1985

    Notes by the Way (Avisos del editor) Home Front (8) Land Army: The Woman's Land Army / Women ’& hellip

    013: primavera de 1985

    Notas editoriales Home Front (7) Los nuevos ejércitos volviendo a aprender las lecciones. La quinta Ann & hellip de John Terraine de 1984

    012: invierno de 1984

    Mensajes navideños de nuestro fundador De nuestro patrocinador De nuestro presidente De nuestro presidente honorario y Hellip

    011: verano de 1984

    Introducción especial a 1984 John Terraine: 1984 Aniversario John Giles: Preludio a 1984 Terry & hellip

    010: primavera de 1984

    Carta del presidente George Ashurst escribió sobre tocar en una internacional: Inglaterra contra Alemania, Christm y hellip

    009: invierno de 1983

    Notas editoriales Veteranos del sesgo británico: Mensajes navideños de 1914-1984 que prometí por Margaret & amp & hellip

    008: verano de 1983

    Notas editoriales Ediciones de aniversario detrás de las líneas (5) 51 Siege Battery Mis experiencias en th & hellip

    007: primavera de 1983

    Notas editoriales Mejoras en el diseño, en gran parte internas, aumento del presupuesto, aumento de páginas de un lado a otro

    006: Invierno de 1982:

    Notas editoriales Contribuciones fotográficas: recorte de imágenes y solicitud de imágenes de Me & hellip

    005: verano de 1982

    Notas editoriales Sobre las contribuciones, "escribe lo que quieras", resultados de la encuesta de 1981 de member & hellip

    004: primavera de 1982

    Notas editoriales Esta edición del primer aniversario incluye 4 páginas adicionales para artículos y vete & hellip

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    La Asociación del Frente Occidental (WFA) se formó con el propósito de promover el interés en la Primera Guerra Mundial de 1914-1918. También apuntamos a perpetuar la memoria, el coraje y la camaradería de todos aquellos que sirvieron a sus países en todos los lados, en todos los teatros y frentes, en tierra, en el mar, en el aire y en casa, durante la Gran Guerra.

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    Para este desafío, debemos emplear la táctica de "Solo los hechos, señora". Muchos desafíos al cristianismo se basan en mala información. No entienden bien los hechos. Podemos superar estas objeciones con una simple apelación a los hechos.

    Entonces, ¿cuáles son los hechos en este caso?

    Eichenwald y aquellos que continúan defendiendo estas tonterías están equivocados acerca de cómo funciona la traducción de la Biblia moderna. En realidad, las traducciones inglesas modernas se remontan al original Idiomas. De hecho, aquellos que pueden leer los idiomas originales (griego, hebreo y arameo) están en condiciones de saber lo que los autores realmente escribieron en los idiomas originales. Como resultado, solo hay uno paso en el proceso de traducción: del idioma original al idioma moderno. Así es, todas las traducciones modernas solo se han traducido una vez. No es "una traducción de traducciones de traducciones", es solo a traducción. Por lo tanto, los traductores modernos están en la mejor posición posible para brindar una traducción precisa.

    Nuestra Biblia moderna no es una mala traducción: una traducción de traducciones de traducciones. Por supuesto, esto todavía deja la cuestión de la transmisión del texto. Pero ese es un tema aparte que hemos abordado. En el desafío que tenemos ante nosotros, basta con señalar que la cantidad de traducciones no afecta la confiabilidad del texto.


    Lunes, 24 de abril de 2006

    24 de abril de 2006 -
    Nosotros, en el Red de alivio del dolor tenemos una acción largamente esperada lista para ser tomada contra el Departamento de Justicia de los Estados Unidos. Queremos prohibirles que procesen a los médicos bajo la Ley de Sustancias Controladas (CSA).

    La sabiduría predominante es que la única forma de desafiar a la CSA es darle pequeños bocados. En el caso de los analgésicos, tenemos la oportunidad de cuestionar todo el marco legal. Raich, por ejemplo, está argumentando que la marihuana medicinal es una excepción a la CSA, en ciertas situaciones raras en las que la enfermedad extrema de los demandantes supera cualquier interés que el gobierno federal pueda reclamar en proteger al público de la marihuana. Si bien deseamos a los demandantes la mejor de las suertes con su reclamo, en comparación con el nuestro, es periférico.

    ¿QUÉ HAY DIFERENTE EN NUESTRAS DROGAS?

    En nuestro caso, tenemos la oportunidad única de proteger la práctica legal de la medicina de un USDOJ que no reconoce ningún límite a su autoridad.

    La oportunidad, también, es abrir una discusión real que debe comenzar en este país sobre cómo esta ley ha interferido con la práctica ética de la medicina y, por supuesto, cómo también ha destruido las protecciones legales de los acusados.

    Debido a que el DOJ persigue a los médicos simplemente por hacer medicina de una manera con la que los abogados del DOJ no están de acuerdo (un modus operandi que admiten por escrito, por cierto) los expertos del gobierno están elaborando la ley caso por caso. Esto es arbitrario y, por definición, viola los derechos de los médicos a a) ejercer en un clima de legalidad y 2) saber de antemano qué tipo de conducta es delictiva para asegurarse de que no lo hacen.


    CÓMO NUESTRO PROBLEMA PODRÍA DESPERTAR A AMÉRICA

    Ahora bien, dado que un delito es lo que el testigo del gobierno diga que es, la única forma en que un médico puede protegerse de la responsabilidad penal es no recetar. Dado que esto está sucediendo en los EE. UU., Incluso en la medida en que los médicos dejan caer a los pacientes con bombas de morfina en la espalda, el USDOJ ha creado un clima de escasez (por terror) que, a primera vista, viola el derecho del paciente a debido proceso porque las personas con dolor no tratado están perdiendo trabajos, negocios, sus vidas, la custodia de sus hijos, sus matrimonios y la lista continúa. Además, ellos y sus familias viven con miedo constante.

    La escasez también ha creado una situación de pesadilla en la que las personas con dolor son obligadas a ceder su privacidad médica a la DEA y a aceptar visitar solo una farmacia, un médico, y también a no visitar las salas de emergencia para aliviar el dolor, incluso a no preguntar nunca. por un aumento en su dosis de medicación nunca más, etc. Los médicos aterrorizados se han convertido en agentes de la ley, y los pacientes tienen la tolerancia cero de La Guerra contra las Drogas impuesta a ellos y solo a ellos. ¡Ninguna otra clase de personas, excepto los prisioneros, son tratados de esta manera y por sus médicos!

    Se han promulgado pautas de la junta médica que requieren que los médicos prueben todas las demás modalidades de tratamiento posibles antes de probar los opioides, cuando los opioides son los únicos medicamentos verdaderamente seguros y efectivos que existen. Así que aquí tenemos la promulgación de una medicina policial especial que obtiene de sus médicos si tiene la mala suerte de sufrir un dolor continuo, y la ley penal exige este enfoque especial para su atención, cualquier persona para la medicina judía o los negros. ¿medicamento? ¿Qué tal la medicina gay?

    Además, las personas con dolor pueden dejar de tomar sus medicamentos en cualquier momento porque un cónyuge o un conocido enojado solo necesita llamar al médico y alegar criminalidad, y el médico dejará al paciente para protegerse. ¿Qué pasa si tiene dolor y desarrolla un problema de adicción? Dile a tu doctor? Mejor no. Porque ahora, tiene evidencia de su? Ilegitimidad? como paciente.

    Por lo tanto, la CSA ha creado una clase sospechosa basada en una discapacidad (se dice que de 50 a 70 millones de personas padecen dolor incapacitante, un tercio de ellas con dolor fuera de control) y debido a la manera absolutamente arbitraria en que se aplica. , de hecho, la ley exige que los médicos traten a sus pacientes como presuntos delincuentes. El testimonio de los juicios de brujería revela que los médicos están siendo condenados por no sospechar lo suficiente de sus pacientes, un requisito que no se encuentra en ninguna parte del estatuto o las reglas que pretenden hacer cumplir la CSA. Este imperativo contraviene los Convenios de Ginebra que insisten en que no se obligue a los médicos a realizar tareas que no sean compatibles con su misión humanitaria. ni estar obligado a abstenerse de los actos exigidos por la ética médica ". *

    Resulta que la "legalidad" de la Lista 2 se considera más propiamente como pseudo-legalidad. Estas drogas solo son legales cuando un agente de la ley no cuestiona su legalidad. No es de extrañar que Richard Nixon estuviera tan metido en la guerra contra las drogas como una forma de obtener y mantener una ventaja política. Los Schedule 2, cuando se ven desde un punto de vista político, son en realidad pequeñas bombas "gottcha". Si un agente de la DEA alega que un médico ha estado prescribiendo de manera criminal, HIPPA es irrelevante y los agentes pueden hurgar en los registros hasta el contenido de su corazón. Cada vez que un agente de la ley lo encuentre con drogas programadas, le incumbe demostrar que las posee legalmente. En otras palabras, su presunción de inocencia ha sido eliminada y reemplazada por una ficción legal: que usted está en posesión legal siempre que haya obtenido los medicamentos en una transacción autorizada por el Fiscal General de los Estados Unidos, ¿su? Posesión legal? de su propia medicina está en realidad con el consentimiento del Departamento de Justicia.

    Afortunadamente, hay una manera de llegar a esto.

    Los estados regulan la medicina y los fiscales generales de los estados, en dos letras (Primera carta NAAG pdf), han denunciado a la DEA por su comportamiento indignante y han declarado que creen que la DEA está interfiriendo con la práctica de la medicina.


    La ACLU de Mass.
    ha mostrado un gran interés y se uniría a nosotros para asumir esta posición. Harvey Silverglate en Boston es nuestro aliado allí.

    Estamos trabajando con un abogado altamente calificado en Virginia, John P. Flannery, ex fiscal federal y asesor especial de ambas cámaras de los Comités Judiciales. Ha estado trabajando en varios de nuestros llamamientos y se ha enterado de las vulnerabilidades del gobierno.

    También estamos trabajando con varios expertos médicos de alto nivel que pueden aportar a la sesión informativa y al tribunal la evidencia médica que fue la base sobre la cual la medicina originalmente avanzó y comenzó a tratar el dolor como si fuera una enfermedad como cualquier otra.

    Resulta que los opioides no son tan adictivos como creíamos anteriormente. De hecho, entre la población de personas con dolor que lo toman todos los días, la incidencia de adicción es insignificante. Además, la ciencia puede dictar que un médico dé a los pacientes cantidades de opioides para el dolor intenso, que el gobierno denomina "obsceno". Imagínese lo que eso significa para usted si es tan paciente.

    Estas verdades científicas volaron en contra de la máquina de propaganda del gobierno, que utilizan para justificar toda la Guerra contra las Drogas. Nosotros, en la comunidad del dolor, hemos soportado la peor parte de un enorme aparato policial que lucha desesperadamente para justificar su existencia ante la evidencia que demuestra que la "más dura" de todas las drogas, el temido y temido opio, resulta no serlo. peligroso en absoluto.

    Por razones territoriales, PRN ha sido socavado por otras organizaciones de reforma de las drogas. En este punto, nos gustaría representar este problema en la corte y buscar apoyo financiero y táctico sobre esta base limitada y no como parte de la política de drogas, es decir, reducción de daños o movimiento de marihuana. Nuestro movimiento tiene su propia historia y sus propios aliados políticos.

    Luchamos por la medicina ética y por los derechos civiles de las personas que sufren, algo que la CSA ha ilegalizado de manera efectiva. Pero esta es también una lucha por la supervisión judicial del poder ejecutivo, cuando el Congreso ha demostrado que no protegerá a la minoría vulnerable de personas que sufren dolor para que no parezca "blanda" con las drogas.

    Hay mucho más que decir, pero los dejo con esto:

    La gente que sufre son los canarios de la mina de carbón. Ellos son los estadounidenses quienes son el "daño colateral" cuando nosotros, como nación, caímos en la tentación de relajar las protecciones constitucionales otorgadas a los acusados ​​porque los malos, es decir. traficantes de drogas eran tan malos que los buenos tenían que tener una ventaja de procedimiento. Ahora, los nuevos malos son los pocos médicos en las comunidades que anteponen los mejores intereses del paciente a los suyos y que trataron el dolor de estas personas más desesperadamente marginadas. Esto es lo que sucede cuando cedemos al impulso de relajar nuestras protecciones a los acusados. Este problema hace que la tiranía resultante sea terrible, terriblemente real.

    Buscamos una participación reflexiva y apoyo financiero. No dude en llamar o enviar un correo electrónico con cualquier pregunta. Somos un 501 c3.


    Nuestro número de identificación fiscal es 54-2105672.

    Mi nombre se pronuncia She-vaughn. Corto e.

    Aquí hay un artículo importante sobre el tema de Maia Szalavitz.

    Miembro de la familia de un paciente con dolor crónico

    Red de alivio del dolor

    'Defender a los pacientes con dolor y a los médicos que los tratan'


    Historia de la comedia stand-up

    Comedia en vivo tuvo su inicio en la década de 1840 a partir del formato de espectáculos de variedades de tres actos de los espectáculos de juglares (a través de actuaciones de cara negra del personaje de Jim Crow) Frederick Douglass criticó estos programas por sacar provecho del racismo y perpetuarlo. [1] [2] Los monólogos de juglares realizaron monólogos de segundo acto y discursos de muñones desde dentro de espectáculos de juglares hasta 1896, aunque los rastros de estas interpretaciones racistas continuaron utilizándose hasta mediados del siglo XX. [3] [4] La comedia en vivo también tiene sus raíces en varias tradiciones de entretenimiento popular de finales del siglo XIX, incluido el vodevil (a través de espectáculos de juglares, museos de diez centavos, salones de conciertos, espectáculos de fenómenos, espectáculos de variedades, Ringling Bros. y Barnum & amp Bailey Circus), el burlesque estadounidense (a través de la feminización de Lydia Thompson del espectáculo de juglares, los salones de conciertos, las salas de música inglesas y las payasadas de circo), y monólogos humorísticos como los de Mark Twain en su primer espectáculo en gira (1866). Nuestros compañeros salvajes de las islas Sandwich. [5] [6] [7] [8] Sin adulterar, vodevil monologuista los tiempos de ejecución fueron de 10 a 15 minutos. [9] [10]

    Los jardines de placer tenían "habitaciones" al aire libre con temas. [11] Mientras que los jardines de recreo acogieron espectáculos de juglar y burlesque, la era de Vodevil americano se remonta a 1836, en un jardín de placer llamado Niblo's Garden, pero el término vodevil no se usó verbalmente hasta la década de 1840 y no aparecía comúnmente por escrito hasta la década de 1890. [12] [13] Con el cambio de siglo XX y la expansión de la vida urbana e industrial, la estructura, el ritmo, la sincronización y el material del humor estadounidense comenzaron a cambiar. [14] [15] Los comediantes de esta época a menudo dependían de bromas trepidantes, payasadas, insinuaciones escandalosas o lascivas, y adoptaban una personalidad étnica (africana, escocesa, alemana, judía) y construían una rutina basada en estereotipos populares. [16] Durante las épocas del juglar, el vodevil y el burlesque, los chistes generalmente se consideraban de dominio público y el material humorístico se compartía, se apropiaba y se robaba ampliamente. [17] El público estadounidense industrializado buscaba el entretenimiento como una forma de escapar y enfrentarse a la vida en la ciudad. Un precursor del stand-up, la era de Burlesque americano comenzó en la década de 1860 y se desarrolló sin censura hasta 1937, cuando el término burlesque ya no podía usarse legalmente en Nueva York burlesque historietas utilizó estereotipos y un humor dialógico sexualmente sugerente para atraer a los hombres heterosexuales. [8] [18] [19] La rutina burlesca ¿Quién está en primer lugar? se hizo famoso por Abbott y Costello.

    Los fundadores de la comedia stand-up estadounidense moderna incluyen a Moms Mabley, Jack Benny, Bob Hope, George Burns, Fred Allen, Milton Berle y Frank Fay, todos ellos provenientes del vodevil o del Chitlin 'Circuit. [20] [21] Hablaron directamente a la audiencia como ellos mismos, frente al telón, conocido como actuar "en uno". Frank Fay fue aclamado como "maestro de ceremonias" en el Palace Theatre de Nueva York. Vaudevillian Charlie Case (también deletreado Charley Case) a menudo se le atribuye la primera forma de comedia stand-up, realizando monólogos humorísticos sin accesorios ni vestuario. Esto no se había hecho antes durante un espectáculo de vodevil.

    Las décadas de 1940 y 1950 elevaron las carreras de comediantes como Milton Berle y Sid Caesar a través de la radio y la televisión. [22] Desde las décadas de 1930 a 1950, el circuito de clubes nocturnos fue propiedad de la mafia estadounidense y lo gestionó. [23] [24] Los clubes nocturnos y centros turísticos se convirtieron en el caldo de cultivo para un nuevo tipo de comediante: un Levantarse, específicamente Lenny Bruce. [25] [26] Actos como Alan King, Danny Thomas, Martin y Lewis, Don Rickles, Joan Rivers y Jack E. Leonard florecieron en estos lugares.

    En la década de 1950 y en la de 1960, stand-ups de la "nueva ola" [27] como Mort Sahl y Lord Buckley comenzaron a desarrollar sus actos en pequeños clubes de folk como San Francisco's hungry i (propiedad del empresario Enrico Banducci y origen de lo ubicuo " pared de ladrillos "detrás de los comediantes) [28] o Bitter End de Nueva York. [29] [30] [31] Estos comediantes agregaron un elemento de sátira social y expandieron tanto el lenguaje como los límites del stand-up, incursionando en la política, las relaciones raciales y el humor sexual. Lenny Bruce se hizo conocido como 'el' cómic obsceno cuando usó un lenguaje que usualmente conducía a su arresto. [32] Después de Lenny Bruce, los arrestos por lenguaje obsceno en el escenario casi desaparecieron hasta que George Carlin fue arrestado el 21 de julio de 1972 en el Summerfest de Milwaukee después de realizar la rutina "Siete palabras que nunca puedes decir en la televisión" [33] El acto de Carlin fue declarado indecente pero no obsceno, y la Corte Suprema otorgó a la FCC permiso para censurar en un fallo de 5-4 de FCC v. Pacifica Foundation.

    Otros cómics notables de esta época incluyen a Woody Allen, Shelley Berman, Phyllis Diller y Bob Newhart. Algunos comediantes afroamericanos como George Kirby, Bill Cosby, Flip Wilson, Godfrey Cambridge y Dick Gregory comenzaron a explorar la crítica de la "historia y el mito" en las décadas de 1950 y 1960, con Redd Foxx probando los límites del "humor racial sin censura". [34]

    En la década de 1970, varios artistas se convirtieron en estrellas importantes gracias a las actuaciones de comedia de pie. Richard Pryor y George Carlin siguieron el estilo mordaz de Lenny Bruce para convertirse en iconos. El stand-up se expandió de clubes, complejos turísticos y cafés a grandes conciertos en estadios deportivos y anfiteatros. Steve Martin y Andy Kaufman fueron los practicantes más populares de la anticomedia desde la década de 1970 hasta la de 1980. [35] Rodney Dangerfield y Buddy Hackett mantuvieron vivo el estilo más antiguo de la comedia stand-up (sin sátira social), quienes disfrutaron de revividas carreras en la edad avanzada. Don Rickles, cuyo estilo legendario de implacables y despiadados ataques tanto a sus compañeros intérpretes como a los miembros de la audiencia lo mantuvo como un elemento fijo en la televisión y en Las Vegas desde la década de 1960 hasta la década de 2000, cuando apareció en el popular Pixar. Historia del juguete películas como Mr Potato Head, a quien Rickles puso de mal humor en el escenario. Programas de televisión como Sábado noche en directo y El show de esta noche ayudó a publicitar las carreras de otros comediantes, incluidos Janeane Garofalo, Bill Maher y Jay Leno.

    En la década de 1980, Eddie Murphy dio forma a la comedia afroamericana cuando creó la Paquete negro: similar al Rat Pack, era un grupo de comediantes, sus miembros incluían a Paul Mooney, quien escribió para Richard Pryor y luego protagonizó Chappelle's Show. [36] [37] [38] [39]

    Desde la década de 1970 hasta la de 1990, comenzaron a surgir diferentes estilos de comedia, desde los extravagantes estilos de Robin Williams, hasta las extrañas observaciones de Jerry Seinfeld y Ellen DeGeneres, las irónicas reflexiones de Steven Wright, la imitación de Whoopi Goldberg y Eddie Murphy. Estos comediantes servirían para influir en la próxima generación de comediantes.

    Después del apogeo del boom de la comedia stand-up de los 80, hubo un colapso de la comedia de los 90. [40]

    The Aristocrats es una película de 2005 basada en el chiste original de vodevil The Aristocrats, donde los comediantes cuentan su versión del chiste sucio. [41]

    El reconocimiento oficial de los comediantes actuales proviene del premio Mark Twain de humor americano, los asados ​​del New York Friars Club y el premio Andy Kaufman. [42]

    A principios del siglo XX cómics de tela frontal comenzó en los salones de música, allanando el camino para la comedia en vivo en Gran Bretaña. [43] [44] [45] Los cómics de primera fila que se destacaron en el circuito del teatro de variedades fueron Morecambe y Wise, Arthur Askey, Ken Dodd y Max Miller. [46] [43] Hasta 1968, el fuerte régimen de censura de la Oficina de Lord Chamberlain requería que todos los comediantes sometieran sus actos a censura. El acto sería devuelto con secciones inaceptables subrayadas con lápiz azul (posiblemente dando lugar al término "azul" para un comediante cuyo acto se considera obsceno o obsceno). El comediante se vio obligado a no desviarse del acto en su forma editada. [47]

    El auge de los comediantes de la posguerra coincidió con el auge de la televisión y la radio, y el circuito tradicional de music hall sufrió mucho como resultado. [ cita necesaria ] En la década de 1970, el entretenimiento en los teatros de música estaba prácticamente muerto. Se habían desarrollado circuitos alternativos, como los clubes de trabajadores masculinos. [47] Algunos de los comediantes más exitosos en el circuito de clubes de hombres trabajadores, incluidos Bernard Manning, Bobby Thompson, Frank Carson y Stan Boardman, finalmente llegaron a la televisión a través de programas como El Club Social Wheeltappers y Shunters. La escena de la comedia "alternativa" también comenzó a evolucionar. Algunos de los primeros éxitos provinieron de clubes de folk, donde artistas como Billy Connolly, Mike Harding y Jasper Carrott comenzaron como actos musicales relativamente directos cuyas bromas entre canciones se convirtieron en rutinas de comedia completas. La década de 1960 también vio el auge de la sátira, incluida la creación del club, el Establishment, que, entre otras cosas, le dio al público británico su primera muestra de la comedia de pie estadounidense extrema de Lenny Bruce. [48] ​​Victoria Wood lanzó su carrera de stand-up a principios de la década de 1980, que incluyó conversaciones de observación mezcladas con canciones de comedia. Wood se convertiría en uno de los comediantes más exitosos del país, en 2001 vendió las entradas del Royal Albert Hall durante 15 noches seguidas. [ cita necesaria ]

    En 1979, Peter Rosengard abrió el primer club de comedia stand-up de estilo estadounidense, Comedy Store en Londres, donde muchas estrellas de la comedia alternativa de la década de 1980, como Dawn French y Jennifer Saunders, Alexei Sayle, Craig Ferguson, Rik Mayall y Ade Edmondson comenzaron sus carreras.[49] El circuito de la comedia stand-up se expandió rápidamente desde Londres a todo el Reino Unido. El actual circuito británico de comedia stand-up surgió de la revolución de la comedia "alternativa" de la década de 1980, siendo el humor político y de observación los estilos prominentes que florecieron. En 1983, la joven profesora de teatro Maria Kempinska creó Jongleurs Comedy Clubs antes de que cerraran en 2017. Se cree que la comedia en vivo se realizó originalmente como un espectáculo individual. Últimamente, este tipo de espectáculos comenzó a involucrar a un grupo de jóvenes cómicos, especialmente en Europa. [ cita necesaria ]

    En cuanto a la comedia en vivo en México, los antecesores de este estilo de cómic son:

      son un dúo de cómicos antecesores de un estilo compuesto por parodias y doble sentido con creatividad (1957-2008) Originario de Juan Aldama, Zacatecas. Abandonó la carrera de arquitectura en la Universidad del Valle de México para tomar clases de teatro en el "Estudio de Actores Dimitrio Sarrás" durante tres años.
    • Mara Escalante, es actriz, comediante y cantante mexicana. Es conocida por la serie de televisión María de Todos los Ángeles, en la que tiene dos personajes, incluido el protagonista. Comenzó su carrera a mediados de la década de 1990. (1944-), cuyas rutinas se caracterizan por un alto contenido de referencias sexuales, con un toque de misoginia, retransmitidas como anécdota personal. (1961-) fue uno de los primeros en transportar el género a México desde su programa nocturno, utilizando el monólogo cómico. (Evelio Arias Ramos, 1966-2008).

    La nueva generación de cómicos decidió usar su propia vida como tema de su comedia, imitando el estilo americano:

      , hijo del comediante mexicano Héctor Suárez, actualmente es el presentador de la versión latinoamericana del programa de comedia Stand Up Comedy Central Presents, transmitido por Comedy Central desde 2011 hasta 2014. desde 2013 lidera el programa llamado STANDparados transmitido por Comedy District antes de Classic TV .
    • Kikis, (1980) comediante desde finales de 2011, abiertamente lesbiana, ha participado en Comedy Central Latin America así como con Adal Ramones en STANDparados Comedy District.
    • Luiki Wiki (1985-) comenzó a hacer comedia en enero de 2013 en la Ciudad de México y luego se mudó a Monterrey NL para iniciar el primer Open Mic en Monterrey (un evento en el que los comediantes pueden participar para probar material nuevo con una audiencia real) junto con otros. comediantes del género. Posteriormente crearon el primer colectivo de comedia en Monterrey llamado For Laughter Standup Comedy. Luiki Wiki ha participado en programas como Es de Noche y yo ya llegué con René Franco y como con Adal Ramones en la 3ª temporada del programa STANDparados que transmite Comedy District. (1981-) Comediante, músico, locutor de radio y fundador de "La Diablo Squad". Es conocido principalmente por sus espectáculos de comedia, ha actuado por toda la República Mexicana y Latinoamérica, incluso iniciando su propio "World Tour", llegando a tener actuaciones confirmadas en Europa y Estados Unidos, incluyendo viajes a Japón y Australia. Actualmente conocido como el mayor representante del stand-up comedy en este país.
    • Hugo "El Cojo Felíz" (1988-), es un comediante, locutor de radio, parte de la Escuadra del Diablo, tiene el programa de radio "La Hora Felíz" con el "Tío Rober" y es considerado el mejor bolígrafo de México.
    • Roberto Andrade Cerón el "Tío Rober" (1979-) es comediante, escritor, locutor de radio y tiene "La Cojo Feliz" el programa de radio "La Hora Felíz".
    • Daniel Sosa
    • Alex Fernandez
    • Sofía Niño de Rivera
    • Mauricio nieto

    El género del espectáculo unipersonal, que es similar, pero permite otros enfoques (la representación de personajes, canciones y escenas), fue introducido en Brasil por José Vasconcellos en los años 60. Dando un paso más hacia el formato norteamericano, Chico Anysio y Jô Soares mantuvieron el formato -especialmente en sus programas de charlas en vivo a nivel nacional, y en general, en los monólogos de apertura- trayendo a Brasil un género más parecido a lo que actualmente se conoce como Levantarse. [50]

    El stand-up empezó a ser una noticia interesante en 2005 en Sao Paulo, cuando se creó el primer club, llamado Stand-Up del Clube de Comédia: integrado por Marcelo Mansfield, Rafinha Bastos, Oscar Filho, Marcela Leal y Márcio Ribeiro. En São Paulo, el club de la comedia se presentaría en Beverly Hills, el tradicional local de comedia en Moema. Poco después migró a Mr. Blues y Bleeker Street, en Vila Madalena. En Rio de Janeiro, Comédia em Pé, (Comedy Standing Up): compuesta por Cláudio Torres Gonzaga, Fábio Porchat, Fernando Caruso y Paulo Carvalho, tuvo su debut en el recinto Rio Design Leblon. Estas fueron las primeras actuaciones de stand-up en el país.

    En 2006, el cómic Jô Soares vio Clube de Comédia en São Paulo e invitó al cómico Diogo Portugal a una entrevista en su programa de entrevistas. Ese fue un momento definitivo para llamar la atención hacia el género. Mencionó muchos programas diferentes de los que formó parte y atrajo la atención del público y la cobertura de los medios a los bares que realizaban estas presentaciones. En Curitiba, con este impulso, comenzaron a abrirse muchas otras noches de stand-up. En São Paulo, Danilo Gentili, que acababa de formar parte de Clube da Comédia, invitó a Mário Ribeiro y reunió a otros jóvenes cómicos que eran frecuentes espectadores en el club, para crear Comédia Ao Vivo (Comedia en vivo): compuesta por Dani Calabresa, Luiz França, Fábio Rabin. [51] [52]

    Con el espectáculo CQC - Custe o Que Custar, en TV Bandeirantes, un medio de televisión nacional, en 2008, el género ganó su lugar permanente en el escenario nacional. Con grandes nombres como Danilo Gentili, Rafinha Bastos y Oscar Filho, la curiosidad creció exponencialmente. [53]

    Siguiendo el ejemplo de CQC, muchos canales y programas de televisión de la televisión nacional de Brasil invirtieron en stand-up comedy. Después de esto, muchos otros grupos ganaron reconocimiento en los clubes y presentaciones en vivo alrededor de las dos ciudades más grandes de Brasil.

    Aunque los antecedentes de este género se remontan a los monólogos de Miguel Gila en la década de 1950, el auge de la comedia en directo en España llevó mucho tiempo en comparación con el continente americano. La primera relación generalizada con este género cómico se produjo en 1999 con la creación del canal Paramount Comedy, que incluía la Nuevos cómics programa como uno de sus programas insignia, donde se destacaron monologuistas como Ángel Martín, José Juan Vaquero, David Broncano y Joaquín Reyes.

    Asimismo, en 1999 inició la andadura del programa El club de la comedia, una adaptación abierta del popular formato de cómic. En su primera etapa (1999-2005) sufrió varios cambios de cadena y estrenó cómicos como Luis Piedrahita, Alexis Valdés o Goyo Jiménez. En su nueva etapa, iniciada en 2011 en La Sexta y presentada por Eva Hache, intenta iniciarse en el género del cómic monólogo mediático de personajes de diferentes campos artísticos como: Imanol Arias, José Luis Gil, Isabel Ordaz y Santiago Segura.

    Mención especial merece el programa Buenafuente, iniciado en 2005. El presentador, Andreu Buenafuente, realizó un monólogo inicial de unos 9 a 11 minutos donde vincula temas de actualidad con situaciones cómicas cotidianas. Esta se convirtió en la parte más famosa del programa y lo convirtió en uno de los cómicos más reconocidos de España, por su conexión con el público y su capacidad para improvisar.

    Por otro lado, el comediante Ignatius Farray se convirtió en uno de los íconos más representativos de este género en la actualidad.

    La comedia stand-up moderna en India es una forma de arte joven, sin embargo, Chakyar koothu fue prominente en Trivandrum y el sur de Kerala durante los siglos XVI y XVII. Tenía todos los atributos de la comedia stand-up moderna y es ampliamente considerado como el acto de comedia escénica más antiguo conocido en todo el mundo. [ cita necesaria ]

    A pesar de que la historia de las actuaciones de comedia en directo en la India se remonta a la década de 1980, durante mucho tiempo los comediantes en vivo solo recibieron actos de apoyo / relleno en varias actuaciones (danza o música). [ cita necesaria ]

    En 1986, Johnny Lever de India actuó en un espectáculo benéfico llamado "Hope 86", frente a toda la industria cinematográfica hindi como relleno y fue amado por la audiencia. Su talento fue reconocido y luego sería descrito como "el comediante icónico de su generación". [54] [55]

    No fue hasta 2005, cuando el programa de televisión El gran desafío de la risa india obtuvo una gran popularidad y la comedia stand-up en sí misma comenzó a ser reconocida. Por lo tanto, muchos más comediantes se hicieron populares y comenzaron a realizar varios programas de televisión y en vivo. La demanda de contenido de comedia sigue aumentando. Algunos comediantes populares alrededor de 2005-2008 incluyen a Raju Srivastav, Kapil Sharma y Sunil Pal. La mayoría de ellos realizaron sus actos en hindi.

    Raju Srivastav apareció por primera vez en el programa de talentos de comedia El gran desafío de la risa india. Terminó como segundo finalista y luego participó en el spin-off, The Great Indian Laughter Challenge - Champions, en el que ganó el título de "El Rey de la Comedia". [56] Srivastava participó en la temporada 3 de gran jefe. Ha participado en el programa de comedia Comedia Ka Maha Muqabla. [57]

    Kapil Sharma ocupa el puesto no. 3 en la lista de personalidades indias más admiradas por The Economic Times en 2015. [58] Actualmente presenta el programa de comedia indio más popular "The Kapil Sharma Show" después de "Comedy Nights with Kapil". [59] Sharma había estado trabajando en el programa de comedia. Hasde Hasande Raho en MH One, hasta que consiguió su primera oportunidad en The Great Indian Laughter Challenge, uno de los nueve reality shows de televisión que ha ganado. Se convirtió en el ganador del programa en 2007 por el que ganó 10 mil rupias como premio en metálico. [59]

    Sharma participó en Sony Entertainment Television's Circo de comedia. [60] Se convirtió en el ganador de las seis temporadas de "Comedy Circus" en el que participó. [61] Ha presentado un reality show de baile. Jhalak Dikhhla Jaa Temporada 6 [62] y también presentó un programa de comedia. Chhote Miyan. [63] [64] Sharma también participó en el programa. Ustaadon Ka Ustaad.

    Alrededor de 2008-2009, otros dos comediantes populares, Papa CJ y Vir Das, regresaron a la India y comenzaron a dejar su huella en la escena de la comedia india. Ambos estuvieron expuestos a las rutinas de comedia del Reino Unido y Estados Unidos y actuaron principalmente en inglés. Al mismo tiempo, algunos jóvenes más se inspiraron y comenzaron a sumergirse en la comedia stand-up.

    Desde 2011, la comedia stand-up ha recibido una apreciación sustancial. [ cita necesaria ] The Comedy Store de Londres abrió una tienda en el Palladium Mall de Mumbai, donde la gente disfrutaba regularmente de los comediantes del Reino Unido. The Comedy Story también apoyó a los comediantes locales y los ayudó a crecer. Esta salida eventualmente se convirtió en Canvas Laugh Club en Mumbai.

    Alrededor de 2011, la gente comenzó a organizar diferentes eventos de micrófono abierto de comedia en Mumbai, Delhi (y Gurgaon), Bangalore. Todo esto sucedió en asociación con el crecimiento de una contracultura en las ciudades indias que satisfizo el apetito de las generaciones más jóvenes por eventos en vivo de comedia, poesía, narración de historias y música. Varios eventos de stand-up fueron cubiertos por canales de noticias populares como NDTV / Aajtak, etc. y fueron apreciados por millones de espectadores.

    Como resultado de estos desarrollos, además de la creciente penetración de YouTube (junto con Internet / World Wide Web), la comedia india en vivo comenzó a llegar a más masas. Mientras que los comediantes establecidos como Vir Das, Papa CJ crecían de forma independiente a través de varias actuaciones corporativas / internacionales, otros comediantes como Vipul Goyal, Biswa Kalyan Rath, Kenny Sebastian, Kanan Gill, Kunal Kamra se hicieron populares a través de los videos de YouTube.

    La industria, aún en sus primeras etapas, ahora ve mucha más afluencia de aspirantes a comediantes a medida que transforma el ecosistema que la rodea.


    ¡La evolución de Stand Up Comedy-Time para una lección de historia!

    La comedia en vivo se remonta a la 1800. (En programas de American Minstrel).

    Aunque no se popularizó hasta mediados de la década de 1970.

    Los espectáculos de juglar consistían principalmente en representaciones de teatro musical, aunque algunas incluían cómics.

    El actor (cómico) se ubicaría en el centro del escenario, mientras que el interlocutor contaba chistes / hacía preguntas humorísticas mientras que los hombres finales decían el chiste.

    Estos espectáculos fueron populares antes, durante y mucho después de la Guerra Civil durante la abolición de la esclavitud.

    Sin embargo, como vodevil pateado en el 19º siglo, la popularidad del stand-up comenzó a desvanecerse.

    Will Rogers fue uno de los cómics más populares durante la época del vodevil.

    Durante tiempos de guerra (especialmente segunda Guerra Mundial) los artistas cómicos representaban su arte a través de la radio, ya que “unía a los estadounidenses” durante tiempos tan duros.

    En el 1950 & # 8220El show de Ed Sullivan & # 8221 y & # 8220 El show de esta noche & # 8221 allanó el camino para más programas de comedia y cómics en las próximas décadas.

    Desde el 1970 Durante las siguientes cuatro décadas, el auge y la caída de la comedia cambiaría drásticamente debido al atractivo público y los acontecimientos históricos.

    Los años 70 fueron realmente cuando tuvo lugar el nacimiento real del stand-up, considerando que nació una nueva generación de comediantes, incluida la "invención" de la Club de comedia.

    En el Decenio de 1980, el stand-up se puede encontrar en casi cualquier lugar, desde programas de televisión hasta clubes y cómics de stand-up.

    Durante el Años 90sin embargo, el stand-up tuvo una ligera caída. Pero solo para volver a la escena en la década de 2000.
    A través de 2000 para En la actualidad stand-up siguió floreciendo.

    No solo se realizó en televisión y en clubes de comedia, sino que se convirtió en un pasatiempo para los aficionados, convirtiéndose en una actividad real en las universidades, centros comunitarios y similares.

    Estos días fueron rodeado por la comedia stand-up y los cómics stand-up.

    Y aunque cada vez más comediantes de stand-up dejan el stand para profesiones con guiones como programas de televisión y películas, el arte todavía está en auge con la popularidad.

    Actores como Mindy Kaling de La oficina(que ahora tiene su propio programa, "El proyecto Mindy") comenzó haciendo stand-up.

    Y practicando stand-up en preparación para papel escrito realmente puede ayuda su rendimiento general.

    & # 8211Dado que está hablando directamente con la audiencia, puede generar confianza y descubrir cómo reacciona la audiencia a ciertos aspectos de su actuación. Lo que eventualmente te ayudará cuando estés actuando con otros actores.

    En general, siendo un cómic stand-up es ¡Nunca es mala idea!


    Ver el vídeo: Mira el video si crees soportar el MIEDO NIÑO fantasma se manifiesta en su tumba (Diciembre 2021).