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Estatua griega de Peplos


Imagen 3D

Peplophore, réplica romana de un original de la primera mitad del siglo IV a. C., Roma (?), Mármol. Hecho con ReMake y ReCap Pro de AutoDesk.

La joven lleva los peplos grapados en los hombros y plisados ​​a la altura del vientre. Esta estatua está inspirada en la figura de la Paz (Eirènè) de Cephisodote el Viejo, padre de Praxiteles.

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Kore / Korai

Se han desenterrado una gran cantidad de estatuas de Kore en la acrópolis, la mayoría data de principios del siglo VI. AEC. De hecho, la colección Acrópolis tiende a monopolizar el discurso de Kore debido a la gran cantidad y amplitud de variedad estilística que se ha desenterrado en este sitio.

Por definición, Kore (doncella) se refiere a las estatuas que representan figuras femeninas, siempre de una edad temprana, que se crearon durante el período Arcaico (600 y 480 a. C.) como estatuas votivas o conmemorativas. Los mecenas adinerados los comisionaron para servir a las deidades en lugar del patrón, o como menos a menudo era el caso, para convertirse en lápidas conmemorativas para los miembros de una familia. Muchas veces su base (ya veces en su vestimenta) estaba inscrita con un breve párrafo que documentaba la función de la estatua y los rsquos, el mecenas y el artista. Según las interpretaciones más aceptadas de la evidencia arqueológica, las estatuas de Kore nunca representaron deidades.

Las estatuas de Korai son el equivalente femenino de Kouros. Hay varias diferencias claras entre los dos, siendo la más significativa el hecho de que las estatuas de Kouros casi siempre se representaban desnudas, mientras que Kore siempre estaba vestida. En consecuencia, al estudiar las estatuas, tendemos a centrarnos en el desarrollo de la anatomía en Kouros y en el desarrollo del vestido para los Kore junto con la expresión facial.

La mayoría de las estatuas de Kore son de tamaño natural o un poco más pequeñas, y se desarrollaron con las mismas técnicas y convenciones proporcionales que los equivalentes de Kouros de la misma época. Con las estatuas de Kore, la anatomía humana se reconoce debajo de la ropa pero no se enfatiza. En cambio, las líneas de las cortinas forman formas suaves que fluyen con facilidad creando un aura serena, casi hipnótica, que se complementa debidamente con la habitual expresión facial pacífica y el cuerpo relativamente inmóvil.

Las estatuas de Kore casi siempre estaban de pie, en una pose hacia adelante con la pierna ligeramente extendida hacia adelante (rara vez con los pies juntos) y con una mano tirando de su vestido como si no fuera a pisarlo. La mano libre sostenía una ofrenda al dios o la diosa a la que servían. Las estatuas de Kore se representan usando un quitón jónico o un peplos más pesado como es el caso de la mayoría de las estatuas de Ática, mientras que algunas estatuas se muestran usando un peplos sobre un quitón. Los escultores disfrutaron mucho creando motivos rítmicos con el vestido que cubría el cuerpo humano oscuramente desarrollado debajo, y el tallado en mármol revela la calidad ornamentada de la prenda y los bordes rsquos, que fue pintado en las estatuas o tallado con el cincel.

Las estatuas de Kore fueron pintadas a fondo en la antigüedad con el fin de enfatizar la similitud con la vida del objeto mediante la aplicación de pigmento para distinguir entre las superficies (cabello, carne, ojos, tela) y por motivos ornamentales, como era el caso de las decoraciones. pintado en las prendas. El color se aplicó a la superficie de la piedra mediante la técnica encáustica. En este proceso, el pigmento coloreado se mezcló con cera que se usó como agente adhesivo y la mezcla se aplicó a la escultura después de calentarla. Una vez fría, la superficie encerada sellaría los poros de la piedra impidiendo así su erosión. Los antiguos griegos usaban esta técnica para aplicar color para crear pinturas murales y para proteger paneles de madera y otros elementos arquitectónicos. Es el mismo proceso que empleamos hoy para preservar la superficie de los automóviles al & ldquowaxing & rsquo it, excepto que en esta aplicación la cera no se mezcla con pigmento.

En consecuencia, el material utilizado para tallar las estatuas se eligió más por sus cualidades de mano de obra y su durabilidad, y menos por su color o translúcido. En los primeros días, la mayoría de las estatuas de Kore y Kouros estaban hechas de piedra caliza, que es relativamente blanda y porosa. Como tal, la piedra caliza es fácil de tallar y retiene bien los pigmentos en su superficie, pero se deteriora relativamente rápido cuando se presenta al aire libre. Cuando se expone a los elementos, los detalles de una estatua de piedra caliza podrían perderse incluso durante la vida de los clientes que la encargaron. Por lo tanto, no es de extrañar que se prefiera el mármol, ya que su dureza puede resistir la erosión por más tiempo, incluso si es más difícil de tallar. La mayoría de las esculturas de Kore fueron talladas en múltiples piedras, con el cuerpo generalmente tallado en una piedra con cavidades donde los brazos podían colocarse en su lugar.

los Peplos Kore (c. 530 a. C.) es un buen ejemplo del estilo ática, de pie en una pose rígida, obediente e inmóvil por así decirlo, pero rebosante de fuerza y ​​feminidad a través de sus brazos suaves, los rasgos amables de su rostro y la sugerencia sutil de la curvatura de su cuerpo bajo los pesados ​​peplos. El cabello adornado que cae naturalmente sobre sus hombros, su "quosmile" medida y el iris pigmentado otorgan una sensación de vivacidad abundante y energía potencial a la estatua.

En contraste, el Quíos Kore (c. 520 a. C.) se presenta adornado con una deslumbrante variedad de pliegues, texturas y colores en su quitón. La naturaleza decorativa, los rasgos elegantes y la vestimenta indican que se trataba de una estatua hecha en Jonia (quizás Quíos), ya que contrasta con las características robustas y las escasas líneas verticales de Peplos Kore.

Los rasgos faciales se desarrollaron a lo largo del tiempo desde el na & iumlve y la expresión despreocupada de principios del siglo VII a. C., hasta la mirada más austera del Arcaico Tardío / Clásico Temprano (compare las imágenes de Korai a continuación).

Sin embargo, sin importar la expresión o el estilo de vestir, uno de los aspectos más importantes de las estatuas de Kore (y Kouros) de esta época es la individualidad independiente que emana cada estatua. A la luz de desarrollos posteriores en la cultura y el arte griegos, esta representación del individualismo no puede atribuirse a un mero manierismo en la técnica y el proceso. Más bien, es indicativo de una cultura que comienza a valorar al ser humano solitario como una entidad distinta cuyos atributos de pensamiento, inquisición y expresión son dignos de la máxima atención y respeto.

Kore y Kouros de la época arcaica proporcionan pistas sobre una cultura que estaba madura para comenzar a examinar y explicar el mundo físico con curiosidad inquisitiva, un paso que condujo a las innovaciones filosóficas, políticas y culturales de la Grecia clásica, innovaciones que a su vez se convirtieron en el base de la civilización occidental.


Peplos Kore, Atenas, Grecia, 530 a. C.

Los antiguos griegos también esculpirían estatuas de mármol de mujeres jóvenes, conocidas como korai (Corea para singular). A diferencia de los hombres, las mujeres siempre iban vestidas con estatuas arcaicas. Un ejemplo es el Peplos Kore.

El arte de Gardner a través de los tiempos llama a Peplos Kore “una hermana estilística de Anavysos kouros (para ver la imagen de Anavysos kouros, haga clic aquí). Es muy probable que esta estatua se erigiera como votiva en el santuario de la diosa Atenea. La estatua es nombre Peplos Kore porque los eruditos originalmente pensaron que ella estaba usando un peplos, que es una prenda simple, larga, de lana y con cinturón. Sin embargo, tras una inspección más cercana, los eruditos se dieron cuenta de que en realidad está usando cuatro prendas diferentes, una de las cuales solo la usan las diosas, lo que la identifica como una diosa. El objeto o animal que habría sostenido en su mano izquierda seguramente habría identificado qué tipo de diosa era. (Le falta el brazo izquierdo porque esta estatua, junto con otras estatuas como la del becerro, fueron derribadas por los persas cuando saquearon la Acrópolis en 480 a. C.)

El Peplos Kore está completamente cubierto, con solo la cabeza, los brazos y los pies a la vista. En la estatuaria arcaica, las mujeres generalmente iban vestidas, a diferencia de los hombres. La artista representó su cuerpo en una forma más suave y naturalista, en comparación con las representaciones geométricas más antiguas del cuerpo femenino. Los rastros de pintura en la estatua indican que alguna vez fue pintada.


Estatua griega de Peplos - Historia

La parte inferior del cuerpo fue encontrada en 1886 en el llamado "Korai Pit" al noroeste del Erecteion, la cabeza fue encontrada cerca unos días después, y la parte superior del cuerpo se ubicó un poco al sur. en la zona del Templo Viejo. La Kore ha sido nombrada "Peplos Kore" debido a la prenda que usa: los peplos. El peplos se abrochó en el medio con un cinturón y en los hombros con alfileres de bronce que se aseguraron en los pequeños agujeros que aún se conservan. Debajo de sus peplos, la Kore lleva un quitón más largo, cuyos delgados pliegues envuelven sus piernas. El análisis espectrográfico de los colores ha demostrado que el cinturón alguna vez fue azul y verde y el azul quitón, con una banda verde en el cuello. El peplo era blanco, su sección central decorada con hileras verticales de pequeños animales, pájaros y jinetes mostrados en cuadrados rojos enmarcados por bandas de rosetas de colores sobre un fondo verde. Los cenefas de peplos estaban decorados con una doble banda con espirales, elementos florales y una cadena de volutas y palmetas alternadas con flores de loto.

El cabello de Kore cae sobre sus hombros en largos rizos, mientras que detrás, está sujeto con una cinta. La pintura roja que cubre el cabello hoy es una capa interna sobre la que se aplicó el color marrón final. El mismo tono rojo cubre el iris de sus ojos y sus labios, mientras que sus pupilas, párpados y cejas probablemente estaban resaltadas con pintura negra. Los rastros de varillas de metal se conservan en los 35 orificios ubicados en su cabeza que sostenían un stephane de rayos de luz o flores de loto. Pequeños agujeros en las orejas indican que alguna vez usó aretes de bronce y un tallo que se proyecta desde la parte superior de su cabeza es un menisco.

La mano izquierda del Kore estaba hecha de una pieza de mármol separada y encajada en la muesca que aún se conserva en la actualidad. Su mano derecha se extiende hacia abajo y entrelaza los dedos como si estuviera sosteniendo algo. Esto, en combinación con la ropa conservadora para su época, lleva a muchos a asumir que no se trata de una simple Kore, sino de una diosa, tal vez Artemisa, que habría estado agarrando flechas en su mano derecha y un arco en la izquierda. Esta estatua es obra de un importante artista ateniense, quizás el mismo que elaboró ​​el "jinete de Rampin" (Ακρ. 590) y la estatua de un perro de caza (Ακρ. 143).


Muchos historiadores del arte prefirieron imaginar, incorrectamente, que todo el mármol antiguo era de un blanco reluciente.

Alma-Tadema estaba haciendo una declaración audaz con esta pintura: el color se había perdido de las esculturas cuando se exhibieron en el Museo Británico. Más de dos milenios de tiempo y guerra habían blanqueado el mármol de blanco. Y desde el siglo XVIII en adelante, muchos historiadores del arte influyentes prefirieron las cosas de esa manera: a hombres como Johann Joachim Winckelmann, cuya historia del arte antiguo en dos volúmenes se publicó en 1764, les gustaba pensar en la escultura antigua como una masa de hermoso y reluciente blanco.

Lawrence Alma-Tadema pintó Fidias mostrando el friso del Partenón a sus amigos, que mostraba la estructura ateniense pintada con colores brillantes (Crédito: Alamy)

Winckelmann era un fanático particular de las copias romanas en mármol de las estatuas de bronce griegas: los romanos a menudo copiaban los originales griegos en mármol. Se puede decir que es una copia de mármol de un bronce si una figura está apoyada en algo: el tronco de un árbol o un bastón, por ejemplo. O quizás hay un pequeño trozo de mármol que une las dos patas. El mármol carece de la resistencia a la tracción del bronce, por lo que requiere un soporte adicional para mantener estables las figuras.

Entonces, cuando Alma-Tadema pintó el Friso del Partenón e incluyó su versión imaginada del color perdido, estaba eligiendo un bando en una batalla de la historia del arte que aún hoy continúa. Hay mucha gente ahora que encuentra la noción de mármol pintado o bronce una afrenta a su impresión del pasado como un lugar austero y sin adornos.

Fidias también esculpió una gran estatua de Atenea en el Partenón, estaba cubierta de oro y marfil (Crédito: Getty Images)

Sin embargo, el arte antiguo habría sido un derroche de color y decoración deslumbrante. Fidias, el escultor más célebre de su época, también creó una enorme estatua de Atenea Partenos dentro del Partenón (toma su nombre de la descripción de la diosa: partenos significa "doncella"). Aunque la estatua fue destruida hace mucho tiempo, tenemos una descripción de ella en los escritos del historiador antiguo Pausanias. Nos dice que la estatua era criselefantina: cubierta de oro y marfil. Hay una réplica moderna de la estatua en Nashville, del escultor Alan LeQuire, que seguramente captura algo del reluciente original.

Embotado por el tiempo

Incluso las estatuas de bronce habrían sido mucho más brillantes de lo que sugiere hoy su apariencia marrón oscuro: el bronce adquiere una pátina con el tiempo. Lo que vemos como una cabeza uniforme de color marrón verdoso alguna vez habría sido brillante, casi dorado. El cabello habría sido pintado de oscuro y la carne también podría haber sido pintada. Las cuencas de los ojos de las estatuas antiguas a menudo están vacías, porque los ojos se hicieron por separado y se han perdido con el tiempo. Hay un magnífico par de ojos griegos en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, hechos de bronce, mármol, cuarzo y obsidiana. Las pestañas de bronce son particularmente deliciosas, aunque un poco desconcertantes.


Estatua griega de Peplos - Historia

De hecho, tenemos algunos conocimientos sobre cómo vestían los antiguos griegos. Lo vemos en estatuas griegas antiguas, arte mural y otros objetos de arte similares. Pero no es suficiente para apreciar completamente sus atuendos. Conocemos el diseño, la forma, la silueta, pero hay varios aspectos que podemos destacar. Por un lado, los colores y patrones de las telas. Es difícil aprender mucho sobre algo que sucedió hace 3.000 años. Especialmente cuando hablamos de cosas tan frágiles como las telas. Pero podemos compartir contigo la información que tenemos.

El artículo está basado en un video de Amanda Hallay, historiadora de la moda.

La antigua Grecia es una civilización que existió entre los siglos XII y IX a.C. Es famoso por su rica cultura (arte, música, artesanías, etc.) y su enorme progreso en muchos campos de la ciencia, como las matemáticas, la filosofía, etc.

Echemos un vistazo al traje clásico de la Antigua Grecia.

El tipo de ropa que se usaba en la Antigua Grecia era suelta y fluida y casi nunca se cosían las prendas juntas. Los tejidos eran principalmente lino y lana.

Las mujeres también usaban un velo con su ropa cada vez que salían de la casa. Y, por cierto, no se animó a las mujeres a salir al aire libre.

De hecho, la perspectiva de la moda griega antigua era bastante moderna en lo que respecta a los hombres, en la medida en que la desnudez masculina no era gran cosa en la antigua Grecia. Los chicos podían salir con ropa mínima, mientras que una mujer tenía que estar completamente vestida.

Principales prendas de la antigua Grecia

Hay 3 prendas de vestir que componen el guardarropa griego.

Fue usado en la sociedad griega antigua tanto por hombres como por mujeres. Era un artículo unisex.

Esta era una forma de ropa que era muy popular. El quitón se usaría con un himation o sin un himation y hablaremos de esta prenda a continuación.

También se usaba a menudo un cinturón con el quitón. A esto se le llamó & ldquozoster & rdquo.

El quitón dórico consistía en dos piezas de tela, que eran de forma rectangular, y se usaban durante mucho tiempo y luego se aseguraban en el hombro a cada lado con clips.

El quitón jónico se diferenciaba del quitón dórico en términos de pliegue. El pliegue se usó más tiempo en el quitón dórico.

Veamos un quitón dórico en detalle. Generalmente, hay dos piezas de tela y la delantera tiene un pliegue superior, por lo que es más larga y la doblas para hacer una especie de solapa. A veces, el quitón está hecho de un rectángulo largo que debes doblar y luego envolver a tu alrededor. Lo envolverías alrededor y luego tirarías de la parte delantera y la parte trasera hacia arriba y lo sujetarías sobre tus hombros. Luego, fue ceñido. A pesar de que estaba abierto en el lateral, había tanta tela que no se veía la abertura.

Como sabemos, estos quitones serían muy coloridos. El tiempo roba la historia de color y vemos estatuas griegas antiguas blancas, sin ningún color, pero en la vida real, las mujeres vestían ropas brillantes.

Aquí está el quitón iónico. Tiene mangas más largas con clips que recorren los lados.

El quitón es una prenda que no se construye cosiendo sino recortando, envolviendo y doblando. En Grecia hace calor, no necesitaban hacer muchas cosas.

Los hombres también llevaban quitones. El quitón no es una túnica porque las túnicas consisten en dos piezas de tela, que se reflejan entre sí, que se cosieron juntas con espacios para la cabeza y los brazos. El quitón es completamente diferente.

El segundo pilar de la ropa griega antigua eran los peplos. Esta prenda fue cosida. Era una pieza de forma tubular.

Las mujeres a menudo usaban peplos. Se remonta al período anterior al 500 a. C.

Peplos estaba hecho de lana. Era conveniente porque la usuaria podía ajustar la prenda a su altura. La longitud tradicional de un peplos era hasta los tobillos.

La capa superior de la tela, que cubría la cintura, a menudo daba la apariencia de un atuendo de dos piezas. Los brazos de las mujeres y rsquos quedaron desnudos.

Hay ciertos tipos de patrones que se usaron para los peplos. Algunos de los patrones comunes incluyen cuadros, flores, ondas o incluso rayas.

¿Cómo se usó? Haces un tubo, lo doblas (en relación con tu altura) en la parte superior, y luego te subes, subes el tubo y recoges la tela en cada hombro.

Era ropa al aire libre. Básicamente, el himation era una pieza larga de tela rectangular (generalmente, lana o algodón) que se usaba como una capa. No es una toga, pero es como una toga.

Los hombres usarían himations sin nada debajo. De vez en cuando, podía haber una túnica, si hacía frío, pero, en general, no.

Cuando el himation se usaba solo, se conocía como & ldquoochiton & rdquo.

Las mujeres llevarían un himation como una capa. Ya sea que llevara su quitón o sus peplos, si salía de la casa llevaría un himation encima y se lo quitaría por la cabeza para hacer un velo.

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  • Prendas de vestir clásicas de la Antigua Grecia: chiton, peplos y himation

Grecia arcaica

El período de la Grecia Arcaica duró desde el siglo VIII a. C. hasta la segunda invasión persa de Grecia en 480 a. C. A este período le siguió el período Clásico.

En las artes visuales, el período arcaico se caracteriza por un cambio hacia estilos representacionales y naturalistas.

Fue el período en el que se introdujo la escultura monumental en Grecia. La primera parte del período arcaico vio influencias orientalizantes distintivas en la escultura.

La escultura humana de tamaño natural en piedra comenzó en el período arcaico. Esto se inspiró en parte en la escultura de piedra del antiguo Egipto.

Las primeras esculturas de Kouros corresponden a las reglas egipcias de la proporción de figuras humanas. En Grecia, estas esculturas sobreviven mejor como dedicatorias religiosas y lápidas.

Los tipos de escultura arcaica más conocidos son los kouros y kore, estatuas que se desarrollaron por primera vez a mediados del siglo VII a. C.

Durante el siglo VI, estas figuras de Attica se vuelven más realistas y naturalistas. Este Peplos Kore en la cultura griega eventualmente conduciría a la Venus de Milo.


Su otra vida

Fig. 3 - Paul Poiret (francés, 1879-1944). Vestido de noche, 1922–23. Seda. Nueva York: Museo Metropolitano de Arte, C.I.43.85.2a, b. Donación de la Sra. Muriel Draper, 1943. Fuente: The Met

Fig.4 - Donna Karan (Estadounidense, 1948-). Leer para usar el vestido, Primavera de 2010. Nueva York: Vogue, modelo: Kasia Struss. Fotografiado por Marcio Madeira. Fuente: Vogue

Referencias:
  • Cumming, Valerie, C. W. Cunnington y P. E. Cunnington. & # 8220Peplos. & # 8221 En El diccionario de la historia de la moda, 154. Oxford: Berg Publishers, 2010. Consultado el 26 de abril de 2019. https://www.bloomsburyfashioncentral.com/products/berg-fashion-library/dictionary/the-dictionary-of-fashion-history/peplos.
  • & # 8220Peplos. & # 8221 En El mundo antiguo, editado por Sara Pendergast y Tom Pendergast, 134-135. Vol. 1 de moda, vestuario y cultura: ropa, sombreros, adornos corporales y calzado a través de las edades. Detroit, MI: UXL, 2004. Gale Virtual Reference Library (consultado el 26 de abril de 2019). http://libproxy.fitsuny.edu:2540/apps/doc/CX3425500081/GVRL?u=fitsuny&sid=GVRL&xid=0b471d7a.
  • Sobel, Sharon. Trajes de época drapeados: del griego clásico al victoriano. Serie de temas de vestuario de Focal Press. Nueva York Londres: Focal Press, 2013. http://www.worldcat.org/oclc/940720233.

Sobre el Autor

Rebecca Kreamer

Rebecca Kreamer, estudiante de diseño de moda en FIT (clase de 2021), investigó y escribió esto mientras tomaba HA 344: The History of Western Costume (otoño de 2018), impartido por el profesor De Young.


¿Estatuas griegas pintadas?

He escuchado en Internet que las estatuas griegas e incluso los edificios solían estar pintados con colores brillantes, pero no he podido encontrar ninguna información más específica que un puñado de colores bastante feos. ¿Alguien sabe de alguna información más detallada sobre cómo se pintaron estas cosas? Es muy difícil imaginarlos como algo que no sea blanco.

El artículo La luz ultravioleta revela cómo se veían realmente las estatuas griegas antiguas menciona algunas de las técnicas, como la exposición a la luz ultravioleta e infrarroja o la espectroscopia de rayos X, utilizadas para determinar los colores originales pintados en las esculturas.

Además, si buscas en Google el & # x27Alexander sarcófago & # x27, queda parte de la pintura original.

Pregunta: Entonces, una técnica en la pintura (tanto tradicional como escultórica) es usar un tono medio, base o imprimación para rellenar un objeto y luego pintar reflejos, sombras y textura. ¿Cómo sabemos que lo que han encontrado estos estudios no es solo la primera capa base, y que no había & # x27t más en la parte superior?

Por lo que aprendí, no solo estaban pintadas, sino que las estatuas de diosas estaban vestidas / envueltas en tela real, y los sacerdotes / sacerdotisas también se maquillaban todos los días. Esto fue más popular en Egipto, sin embargo, creo que también lo hicieron para diosas de renombre.

También he leído que a veces también se ponía ropa en las estatuas. P.ej.:

Atenea era la diosa patrona de Atenas, una ciudad que lleva el nombre de la diosa. La gente de Atenas construyó un gran templo para Atenea en la acrópolis (o punto más alto) de su ciudad. El templo se conoce como el Partenón. En él había una colosal estatua de oro y marfil de la diosa Atenea Partenos, Atenea la Doncella. Durante el festival anual de Panathenaia, se hizo una procesión a la estatua con el propósito de proporcionar ropa nueva a la estatua de la diosa.

Los Juegos Panatenaicos, como los Juegos Olímpicos, eran competencias atléticas que se realizaban cada 4 años, pero eran organizadas por la ciudad-estado de Atenas y también incluían competencia poética y musical.

La procesión al Partenón fue más importante que los propios juegos. Durante la Gran Panathenaia, las mujeres de Atenas confeccionaron una túnica especial (los peplos) para la estatua de Atenea, que fue llevada al Partenón como parte de la procesión. También se hizo un gran sacrificio a Atenea, el hekatombe (`` sacrificio de cien bueyes '') y la carne de los animales sacrificados se utilizó en un enorme banquete en la última noche del festival, el pannychtis (`` toda la noche ''). Muchos estudiosos creen que esta procesión es el tema del Friso del Partenón.

La producción de peplos fue una empresa importante.

En el último día de la Pyanepsion, la sacerdotisa de Atenea Polias y las Arrephoroi, un grupo de muchachas elegidas para ayudar en la elaboración de los peplos sagrados, instalaron el telar en el que los Ergastinai debían tejer los enormes peplos. grupo de niñas elegidas para pasar unos nueve meses haciendo los sagrados peplos. Tuvieron que tejer un tema de la derrota de Athena & # x27s de Enkelados y la derrota de Olympian & # x27s de los Giants. Los peplos de la estatua se cambiaban cada año durante la Plynteria.

Los peplos desempeñaron un papel en el festival ateniense de las Grandes Panateneas. Nueve meses antes del festival, en el festival de artes y oficios titulado Chalkeia, las mujeres jóvenes comenzarían a tejer peplos especiales. Este peplos se colocó en la estatua de Atenea durante la procesión del festival. Los peplos tenían mitos e historias entretejidos en su material y generalmente consistían en tela de color púrpura y amarillo azafrán.


Pintura sobre estatuas griegas 2

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Segundo intento de que mi video funcione para mi profesor de historia del arte.

para obtener más información, visite el " La policromía de la escultura y la arquitectura griegas y romanas " Página web

(por favor, haga clic con el botón derecho del mouse y abra el enlace en la siguiente ventana privada)


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Ver el vídeo: Ancient Greek Art: Peplos Kore (Diciembre 2021).