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Historia del Art Nouveau y del Art Déco


Art Nouveau fue un movimiento de arte y diseño que surgió del movimiento Arts and Crafts de finales del siglo XIX. Art Nouveau resaltó líneas curvas, a menudo inspiradas en plantas y flores, así como patrones geométricos. Art Deco fue una sensibilidad de diseño en expansión que se abrió camino a través de numerosas formas de arte y diseño de principios del siglo XX, desde bellas artes y arquitectura hasta moda y muebles, así como electrodomésticos e incluso medios de transporte.

MOVIMIENTO DE ARTES Y ARTESANÍAS

El movimiento Arts and Crafts, un precursor del Art Nouveau, se centró en la artesanía en las artes decorativas y fue personificado por el influyente diseñador textil William Morris.

En Art Nouveau, el estilo de un objeto no está predeterminado e impuesto, sino que se desarrolla orgánicamente a través del proceso de creación, una idea derivada del arquitecto escocés Charles Rennie Mackintosh.

Mackintosh creía que el estilo provenía de la función y que las estructuras debían construirse de adentro hacia afuera. Uno de sus edificios más conocidos es la Escuela de Arte de Glasgow, terminada en 1910.

Los arquitectos adoptaron el Art Nouveau mediante el uso de curvas, hierro y vidrio en los diseños. El resultado fueron edificios como la sinuosa y orgánica Casa Battló de Antoni Gaudí en Barcelona, ​​España, terminada en 1906.

ART NOUVEAU EN LAS ARTES VISUALES

Las ideas de Mackintosh tuvieron un efecto significativo en las artes visuales. El pintor austriaco Gustav Klimt adoptó sus patrones abstractos, indicativos de plantas sinuosas, como fondo para pinturas figurativas. El ilustrador Aubrey Beardsley llevó el Art Nouveau al diseño de libros, ilustrando la obra de Sir Thomas Mallory La Mort d’Arthur y sirviendo como editor de arte de la popular Libro Amarillo revista en Inglaterra.

Los carteles fueron el medio principal a través del cual se difundió el Art Nouveau. Las imágenes de mujeres sensuales y glamorosas del artista checo Alphonse Mucha capturaron la imaginación del público. Su cartel de 1894 Gismonda, creado para la artista Sarah Bernhardt, le trajo su primer gran éxito.

ART NOUVEAU EN DISEÑO

Art Nouveau contó con diseñadores de objetos en lugar de escultores. El más conocido es Louis Comfort Tiffany, un ex pintor que creó artículos decorativos para sus clientes adinerados.

Las principales innovaciones de Tiffany fueron las vidrieras, que fueron cruciales para el diseño de su oferta más famosa, la lámpara Tiffany. Tiffany también es conocida por sus diseños de joyas, cajas, relojes y cerámica. Clara Driscoll, que trabajó para Tiffany de 1888 a 1909, diseñó la mayoría de las lámparas más famosas de Tiffany, así como muchos otros artículos para la empresa.

El fabricante de jarrones francés Emelie Galle formó la influyente “Ecole de Nancy” en su ciudad natal de Nancy, Francia, con el escultor de bronce Louis Majorelle, para reunir a los maestros del Art Nouveau de diversas disciplinas como el diseño de muebles y la fabricación de joyas.

Al final de la Primera Guerra Mundial, el Art Nouveau se había disipado como una fuerza en el mundo del arte. Los movimientos modernistas tomaron su lugar, sobre todo el Art Deco.

PRESENTANDO ART DECO

Art Deco se anunció al mundo en la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes de París de 1925, no como un movimiento nuevo, sino como uno que había estado en desarrollo durante más de una década.

La exposición fue un espectáculo al estilo de la Feria Mundial que duró seis meses y cubrió 57 acres en París. Un espectáculo popular basado en la exposición recorrió los Estados Unidos el año siguiente.

En 1927, los grandes almacenes Macy's llevaron a cabo una influyente exposición Art Deco destacando a ocho arquitectos, entre ellos Raymond M. Hood, diseñador jefe del Rockefeller Center, y Joseph Urban, escenógrafo y arquitecto de Mar-A-Lago en Palm Beach, Florida.

DISTRIBUCIONES ART DECO

El auge del Art Deco coincidió con la lucha por erigir rascacielos, y su influencia se siente en todo Estados Unidos.

Diseñado en 1928, el edificio Chrysler se considera uno de los ejemplos más emblemáticos y omnipresentes. Obra del arquitecto William Van Alen, su aguja de acero inoxidable con base festoneada la hace reconocible al instante.

Art Deco fue la elección de diseño para los cines de la época, como el Teatro Egipcio de Grauman en Los Ángeles y el Radio City Music Hall en la ciudad de Nueva York.

Art Deco también fue el principio rector para el transporte elegante, como los automóviles Bugatti Type 57SC Atlantic, los trenes como el 20th Century Limited de Henry Dreyfuss y los transatlánticos de lujo como el Queen Mary.

El Art Deco impregnaba la vida personal de las personas en su efecto sobre el mobiliario y los elementos decorativos. Los trabajos de diseño de Emile-Jacques Ruhlmann en muebles, Jean Besnard en cerámica, Rene Lalique en vidrio, Albert-Armand Rateau en metal, Georges Fouquet en joyería y Serge Gladky en textiles fueron solo algunos de los que tuvieron un impacto importante y duradero.

IMÁGENES DE ART DECO

En las artes visuales, Art Deco promovió una sensibilidad sofisticada. El pintor francés Jean Dupas es conocido por sus murales y publicidad impresa. Sus famosas Les Perruches se exhibieron en la exposición de 1925. La pintora polaca Tamara de Lempicka era famosa por sus retratos de ricos y famosos.

Al igual que el Art Nouveau, las artes gráficas fueron cruciales para incorporar el Art Deco en la imaginación del público y definir la cultura vinculada a él. Charles Gesmar es mejor conocido por sus carteles del artista francés Mistinguett, que dieron identidad a la Era del Jazz. Los carteles de Josephine Baker del artista francés Paul Colin fueron factores primordiales en el lanzamiento de la carrera de Baker. Jean Carlu se inspiró en el cubismo y ganó fama con su póster de la película de Charlie Chaplin de 1921. El niño.

Art Deco también dio forma a la visión pública de los viajes. El artista ucraniano Cassandre se especializó en carteles de transporte, sobre todo en su cartel de 1935 del crucero francés. Normandie, y también es conocido por su trabajo publicitario distintivo.

Los animales eran un tema popular entre los artistas Art Deco. Las pinturas y esculturas de Paul Jouve se centraron en animales africanos. La famosa estatua de bronce del oso polar del escultor Francois Pompon debutó en la exposición de 1925.

ART DECO EN ESCULTURA

La escultura Art Deco encontró con frecuencia hogares a la vista del público. La obra más famosa de Paul Manship, de 1933. Prometeo, descansa en la fuente del Rockefeller Center. El escultor italo-brasileño Victor Brecheret se hizo famoso con su Monumento a las Banderas en el Parque Ibirapuera en São Paulo, Brasil, que se inició en 1921 y se completó en 1954.

El imponente, 98 pies de alto, 700 toneladas Cristo el Redentor La escultura en el pico de 700 metros de la montaña Corcovado en Río de Janeiro, Brasil, fue diseñada por el escultor francés Paul Landowski, con el rostro del escultor rumano Gheorghe Leonida. La estatua se completó en 1931 y se puede ver desde casi cualquier lugar de la ciudad.

El escultor estadounidense Lee Lawrie es uno de los artistas Art Deco más vistos y menos conocidos. Su trabajo adorna edificios en los Estados Unidos: la Academia Nacional de Ciencias en Washington, D.C., la Biblioteca Pública de Los Ángeles, la Casa del Estado de Nebraska, el Rockefeller Center en la ciudad de Nueva York y muchos otros lugares.

El Proyecto de Arte Federal de la Works Progress Administration (WPA) también se le atribuye la difusión de la forma Art Deco en los Estados Unidos con artistas como Rockwell Kent, Diego Rivera y Reginald Marsh.

EL ART DECO QUIERE

Art Deco a menudo se alineaba con los gustos de los ricos. La caída del mercado de valores de 1929 redirigió el movimiento hacia la producción en masa.

A principios de la década de 1930, un Art Deco actualizado llamado Streamline Moderne (o Art Moderne) se impuso en Estados Unidos, simplificando los diseños y, en arquitectura, centrándose en estructuras de un piso para atender mejor las necesidades de edificios más comunes como estaciones de servicio y comedores. Para la Segunda Guerra Mundial, Art Deco y Art Nouveau habían caído en desgracia y fueron reemplazados en gran parte por el Modernismo.

FUENTES

Arte moderno: del impresionismo al posmodernismo. Editado por David Britt.
Art Nouveau. Por Jean Lahor.
El espíritu y el esplendor del Art Deco. Por Alain Lesieutre.
Arte deco. Por Victor Arwas.
Art Deco francés. Museo Metropolitano de Arte.


Una breve historia del movimiento de diseño Art Deco

Estamos oficialmente en los años 20 nuevamente, y lo volveremos a los locos años 20 toda la semana.. Ya sea que le guste la decoración de Jazz Age, las casas históricas o simplemente aprender cómo vivía la gente hace 100 años, lo tenemos cubierto. ¡Salud, viejo amigo!

Es probable que haya escuchado la frase "Art Deco" usada aquí y allá, y tal vez piense en el edificio Chrysler en la ciudad de Nueva York o en las coloridas fachadas en Ocean Drive de Miami, ambos sellos principales de la arquitectura Art Deco. Pero, ¿cómo se originó exactamente el estilo y el nombre? Según Helaine Fendelman, tasadora de bellas artes y antigüedades, el término "Art Deco" realmente tuvo un amplio uso a mediados del siglo XX, años después de que el estilo decorativo popular ya estuviera de moda.

Pero la primera vez que se acuñó la frase, hasta donde sabemos, fue en la Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes de París de 1925; en realidad, es una abreviatura del nombre de esta legendaria exposición de arte, donde piezas de lo que hemos llegado conocido como el estilo "Art Deco" se introdujeron por primera vez. ¿Qué le parece eso para algunas trivialidades poco conocidas? Como nos encanta aprender más sobre la historia de algunos de nuestros movimientos de diseño favoritos, pensamos en profundizar en los orígenes del Art Deco, las formas en que vive hoy y cómo puedes hacer que el estilo funcione. en tu casa.

Cuando el diseño Art Deco comenzó a hacer olas hace aproximadamente un siglo, entró en juego como una reacción contra el movimiento Art Nouveau altamente estilizado. “Estábamos pasando de una era en la que muchas cosas eran ornamentadas, con curvas y repletas de detalles”, dice Mercedes Austin de Mercury Mosaics. Entonces, es natural que el estilo Art Deco agilice un poco las cosas. Pero Deco ciertamente no era lo mismo que la escuela Bauhaus, que surgió aproximadamente al mismo tiempo y defendió el matrimonio de la belleza y la utilidad, y la reconciliación de la producción en masa y el arte.

En contraste con ese purismo, el estilo único de Art Deco era un poco contradictorio a veces: formas elegantes pero a menudo hechas a mano, acabados ricos pero no ornamentados, formas llamativas pero no demasiado ornamentales. Comenzaron a surgir nuevos materiales de diseño, desde cromo y vidrio plano hasta acabados lujosos como maderas exóticas, superficies lacadas y shagreen. En general, "los muebles y la decoración comenzaron a volverse esculturales, imitando los pilares arquitectónicos e interiores de la época de superficies lisas y aerodinámicas y líneas verticales", dice Alessandra Wood, experta en tendencias de Modsy. "Muchos motivos y patrones geométricos nuevos también se volvieron más comunes, incluidos zigzags, chevrones, estallidos de estrellas, abanicos y diseños circulares".

Los edificios, los interiores e incluso los productos diseñados en estilo Art Deco tenían cierta exuberancia y energía. A medida que el estilo ganó popularidad, la apariencia se asoció con la tecnología, el optimismo y la prosperidad, dice Wood. Y eso no es una coincidencia. "Cuando el Art Deco se hizo popular por primera vez a principios de la década de 1920, el mundo se encontraba en un período de enorme riqueza global", explica el diseñador de interiores y muebles John Linden. "Tanto Estados Unidos como Europa tenían economías saludables, lo que se refleja en el estilo". Si mirase una casa Art Deco o el vestíbulo de un banco, por ejemplo, vería muchos materiales metálicos y patrones ocupados. "Se trata de exceso", dice Linden. "Por eso, cuando pensamos en Art Deco, solemos asociarlo con figuras como 'El gran Gatsby'".

A pesar de sus orígenes europeos y presencia en ciudades estadounidenses, Art Deco todavía reflejaba una influencia global, ya que muchos de los principales diseñadores y arquitectos del movimiento habían viajado a Japón y a otros lugares mientras servían en la Primera Guerra Mundial. elementos de esas culturas en su trabajo ”, dice Linden. “El trabajo Art Deco anterior se parece mucho al diseño asiático y sudamericano, pero con un toque europeo brillante. Más tarde, se vuelve más minimalista y comenzamos a ver las semillas del modernismo de mediados de siglo ”.

En general, la popularidad del estilo ciertamente ha resistido la prueba del tiempo, tal vez porque se veía fundamentalmente diferente a lo que vino antes. Dicho esto, cuando la economía sufrió una fuerte caída debido a la Gran Depresión, el estilo se atenuó un poco. Pero una pequeña innovación mantuvo vivo el espíritu del Art Deco durante unos años más. “En la década de 1930, los diseñadores cambiaron la decoración artesanal por materiales producidos en masa”, dice Linden. "Las cosas seguían pareciendo iguales, pero los artículos se fabricaban con materiales mucho más baratos". Es por eso que los anticuarios siempre están a la caza de piezas Art Deco hechas durante los años 20; valen más, dice Linden, simplemente porque están hechas de materiales más preciosos.

Si bien la Segunda Guerra Mundial marcó el final oficial del movimiento Art Deco, el estilo, como lo hacen muchos estilos, regresó más tarde en el siglo XX. "Hemos visto renacimientos Art Deco en el pasado, más recientemente en la década de 1980", dice Wood. "Mirando las tendencias pasadas cronológicamente, el renacimiento de Deco de los 80 siguió el estilo de mediados de siglo de los 60 y 70". Entonces, si cree que las tendencias son cíclicas, Wood dice que tiene sentido que estemos viendo otro renacimiento de Deco en nuestra cultura actual ahora, después de más de una década de obsesión moderna de mediados de siglo.

Entonces, ¿cómo se puede recrear el aspecto de los Roaring '20 en 2020? En realidad, es bastante simple, especialmente si el interior anterior es una indicación. Este estilo ciertamente combina bien con las paredes blancas, los pisos de madera y la combinación de acentos dorados que se ha vuelto tan popular en los últimos tiempos. "Hoy vemos un resurgimiento de los patrones geométricos Art Deco y un aumento en las inversiones de materiales como el mármol y la madera de nudo", explica Wood. "Busque piezas que tengan un poco de glamour de esta manera".

Tampoco es necesario ir a una tienda de antigüedades para comprar artículos de época auténticos. CB2, por ejemplo, está lleno de impresionantes accesorios inspirados en Art Deco, como esta bandeja de madera de nudo y un carrito de barra curvo. Dicho esto, probablemente sea mejor enfocar este tipo de accesorios decorativos y muebles auxiliares en lugar de cosas más permanentes como acabados y accesorios, aunque esas cosas también se pueden hacer de forma decorativa.

Independientemente, no es necesario cambiar todas sus pertenencias y empezar de cero. Como señala Greg Freeman de Comfort and Flair, "los elementos Art Deco se pueden introducir en prácticamente cualquier interior mediante la compra de artículos como lámparas de tocador, estatuillas, sujetalibros, marcos de cuadros pintados con vidrio invertido, biombos / divisores y esculturas en bajorrelieve". Bueno, ahí está su lista de compras, si desea agregar un toque Art Deco moderno a su espacio.


La historia detrás ... Art Deco

Lo último de la serie The History Behind de National Jeweler explora uno de los períodos más populares e influyentes en el diseño de joyas, la era Art Deco.

Nueva York: es un período que es tan popular y ha disfrutado de tantos avivamientos, que el término Art Deco se usa de manera vaga para referirse a la joyería, la arquitectura y el mobiliario de muchas décadas diferentes.

Este anillo Oscar Heyman de estilo Art Deco está hecho en platino y engastado con un zafiro naranja de talla cojín de 13,93 quilates rodeado por 2,44 quilates de baguettes de diamantes. Sin embargo, para ser verdaderamente Art Deco, una pieza debe haber sido fabricada en el período entre las dos guerras mundiales. De lo contrario, es solo estilo Art Deco.

Para esta entrega de La historia detrás, Joyero Nacional recurrió a dos expertos en antigüedades, Janet Levy, de la compañía de joyería antigua The DeYoung Collection, y Patricia Faber de la Aaron Faber Gallery, para conocer más sobre los orígenes de la estética limpia de la época.

¿Cuándo apareció por primera vez en el mercado la joyería Art Deco? Tanto Levy como Faber están de acuerdo en que no hay fechas firmes para ningún período de diseño de joyas, un movimiento simplemente se mezcla con el siguiente.

"No existe este tipo de muro que divida nada", dijo Levy. "Es muy fluido".

Mientras que una exposición itinerante organizada por el Victoria & amp Albert Museum de Londres define el período como 1910 a 1939Levy dijo en su mente que las primeras piezas Art Deco datan de aproximadamente 1918 o 1919, y el interés en el movimiento menguó en la década de 1940.

¿Por qué se llama Art Deco y qué influyó en el diseño de la época? Art Deco tomó su nombre del Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas). Tuvo lugar en París en 1925 y se dice que hizo más para promover la popularidad mundial del diseño Art Deco que cualquier otra exposición de su tiempo.

Como la mayoría de los movimientos en el diseño, Art Deco fue un rechazo de las formas suaves y curvas del período que lo precedió, Art Nouveau.

Fue después de la Primera Guerra Mundial, y "la gente necesitaba una expresión feliz y escapista que saliera de esa guerra horrible", dijo Levy.

Las mujeres disfrutaron de un período de liberación en términos de peinados, estilos de vida y vestimenta (piense en lo poco que vestían las chicas flapper de la época) y querían joyas nuevas y de aspecto fresco para acompañarlas.

Pudieron tenerlo, gracias al creciente uso de máquinas, que podían producir joyas con líneas limpias y producirlas en mayores cantidades de lo que era posible en el pasado.


Desarrollos posteriores: después del Art Nouveau

Si el Art Nouveau rápidamente tomó Europa por asalto en los últimos cinco años del siglo XIX, los artistas, diseñadores y arquitectos lo abandonaron con la misma rapidez en la primera década del siglo XX. Aunque muchos de sus practicantes habían hecho de la doctrina de que "la forma debe seguir a la función" central en su espíritu, algunos diseñadores tendían a ser generosos en el uso de la decoración, y el estilo comenzó a ser criticado por ser demasiado elaborado. En cierto sentido, a medida que el estilo maduró, comenzó a volver a los mismos hábitos que había despreciado, y un número creciente de oponentes comenzó a acusar a los demás de que, en lugar de renovar el diseño, simplemente había cambiado lo viejo por lo superficialmente nuevo. Incluso utilizando nuevos métodos de producción en masa, la artesanía intensiva involucrada en gran parte del diseño Art Nouveau impidió que se volviera realmente accesible para una audiencia masiva, como sus exponentes inicialmente habían esperado que fuera. En algunos casos, como en Darmstadt, las laxas leyes internacionales de derechos de autor también impidieron que los artistas se beneficiaran monetariamente de sus diseños.

La asociación del Art Nouveau con las exposiciones también contribuyó pronto a su ruina.Para empezar, la mayoría de los edificios de la feria eran estructuras temporales que fueron demolidas inmediatamente después del cierre del evento. Pero lo que es más importante, las exposiciones en sí mismas, aunque se llevaron a cabo con el pretexto de promover la educación, el entendimiento internacional y la paz, en cambio tendieron a alimentar la rivalidad y la competencia entre las naciones debido a la naturaleza inherentemente comparativa de la exhibición. Muchos países, incluidos Francia y Bélgica, consideraron al Art Nouveau como posibles contendientes para el título de "estilo nacional", antes de las acusaciones de los orígenes extranjeros del Art Nouveau o de matices políticos subversivos (en Francia, se asoció de diversas formas con diseñadores belgas y comerciantes alemanes, y era a veces el estilo utilizado en los edificios socialistas) hizo que la opinión pública se volviera en su contra. Con algunas excepciones notables en las que disfrutó de un círculo comprometido de mecenas locales dedicados, en 1910 el Art Nouveau se había desvanecido del panorama del diseño europeo.

De la Wiener Werkstätte al Art Deco

La muerte del Art Nouveau comenzó en Alemania y Austria, donde diseñadores como Peter Behrens, Josef Hoffmann y Koloman Moser comenzaron a inclinarse hacia una estética geométrica más austera y más severa ya en 1903. Ese año, muchos diseñadores anteriormente asociados con la Secesión de Viena fundaron el colectivo conocido como Wiener Werkstätte, cuya preferencia por las formas marcadamente angulares y rectilíneas recordaba una estética más precisa, de inspiración industrial, que omitía cualquier referencia abierta a la naturaleza. Esta cosificación de las cualidades del diseño hechas a máquina fue subrayada en 1907 por dos eventos clave: la instalación de Behrens como jefe de todo el diseño corporativo de AEG, desde los edificios hasta los productos y la publicidad, lo que lo convirtió en el primer diseñador industrial del mundo y la fundación de la German Werkbund, la alianza formal entre industriales y diseñadores que intentaba cada vez más definir un sistema de tipos de productos basado en la estandarización. Combinado con un nuevo respeto por el clasicismo, inspirado en parte por la Exposición Mundial de Columbia en Chicago en 1893 y otorgado una bendición oficial por el movimiento City Beautiful en los Estados Unidos, esta estética inspirada en la máquina eventualmente se desarrollaría, después de la Guerra Mundial. Yo, en el estilo que ahora llamamos tardíamente Art Deco. Su carácter claramente comercial se expresó de manera más sucinta en la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes en París en 1925, el evento que, en la década de 1960, daría su nombre al Art Deco.

Influencias posmodernas

A pesar de su breve vida, el Art Nouveau resultaría influyente en las décadas de 1960 y 1970 para los diseñadores que deseaban liberarse de la estética restrictiva, austera, impersonal y cada vez más mínima que prevalecía en las artes gráficas. Las cualidades lineales fluidas e incontroladas del Art Nouveau se convirtieron en una inspiración para artistas como Peter Max, cuya evocación de una experiencia alternativa psicodélica y de ensueño recuerda el mundo estético imaginativo, efímero y fluido del cambio de siglo.

Siempre reconocido desde el principio como un paso importante en el desarrollo del modernismo tanto en el arte como en la arquitectura, hoy el Art Nouveau se entiende menos como un puente de transición entre los períodos del arte, ya que es una expresión del estilo, el espíritu y el pensamiento intelectual de un cierto marco de tiempo, centrado alrededor de 1900. En su búsqueda por establecer una estética verdaderamente moderna, se convirtió en el lenguaje visual definitorio para un momento fugaz de la época.


Historia del diseño Art Deco

Los primeros días (desde principios hasta mediados de la década de 1920): New Moderne (el término para Art Deco hasta que obtuvo el apodo más pegadizo en la década de 1960) se hizo popular en la exposición francesa de 1920 como una reacción violenta contra los diseños más tradicionales que eran tan populares en ese momento. El movimiento, que surgió del Art Nouveau más decorativo, combinó muchos estilos de la época, incluido el cubismo y la sucesión vienesa. Art Deco comenzó a despegar dentro de las industrias de la moda y la joyería, que luego comenzaron a influir en el diseño de muebles, que luego también informó el movimiento arquitectónico. La arquitectura Deco estaba intrínsecamente ligada al arte y los movimientos sociales de la época: el Biltmore en Los Ángeles y el Waldorf Astoria en la ciudad de Nueva York, ambos edificios emblemáticos de Deco, fueron los centros sociales de sus ciudades a principios de la década de 1920 y atrajeron a artistas e intelectuales.

En su apogeo (mediados de la década de 1920): Si bien los edificios con estilo a principios de la década de 1920 a menudo presentaban techos artesonados con techos planos horizontales, cada vez más ciudades crecían verticalmente para adaptarse a los negocios en crecimiento y los entornos urbanos concentrados. Oportunamente, muchos dicen que el lema del diseño Art Deco era "Domina el cielo". Art Deco se trataba de alejarse del pasado y allanar un nuevo camino para el futuro, cultural y estéticamente, lo que significaba mantener algunos elementos decorativos pero también darles un toque más elegante y cosmopolita. Como tal, muchos edificios Art Deco usan una "tiara", el apodo de los pisos que no son espacios alquilables (hablando del valor decorativo del diseño que este movimiento realmente fue pionero). Las tiaras hacen que los edificios sean más altos y distintivos, invitándote a mirar hacia arriba.

Al igual que los marcadores por excelencia de la década de 1920 y la Era del Jazz, el Art Deco fue moldeado por el relajamiento gradual de la cultura en general, con énfasis en la diversión, la expresión y el exceso. Esta actitud desmentía una parte oscura (la depresión y el inicio de una Segunda Guerra Mundial).

Decó tardío (década de 1930): El colapso del mercado de valores en 1929 dio como resultado un alejamiento de los estilos elaborados y decorativos del diseño Art Deco anterior, que reflejaba la fe en el crecimiento tecnológico y económico. Para la mayoría de los edificios, la financiación se ralentizó o se detuvo por completo, y fue entonces cuando despegó Streamlined Moderne, una interpretación mucho más simple del diseño Art Deco. Visualmente, estos estilos eran conocidos por volver a las orientaciones más horizontales y eran mucho más simples, ya que cualquier tipo de exhibición ostentosa se consideraba de mala forma.

Es por eso que verá una tonelada de edificios que se ven más aerodinámicos en todas partes, excepto en los niveles inferiores a medida que la financiación se desacelera, los arquitectos enfatizan los toldos y las marquesinas. Y si estuvieran rehaciendo edificios más antiguos, se concentrarían en el nivel inferior que da a la calle.

El legado de Deco hoy: En la mayoría de las ciudades durante la década de 1920, el centro de la ciudad seguía siendo el epicentro de la vida, por lo que la mayoría de las artes se encontraban en esos vecindarios, lo que significaba que también obtuvieron más fondos. A medida que la riqueza comenzó a trasladarse a los suburbios después de la Segunda Guerra Mundial, la gente dependía menos de las tiendas y los recursos del centro, por lo que obtuvieron menos fondos. Como resultado, muchas de esas joyas coronadas de la arquitectura Art Deco cayeron en mal estado.

Hoy en día, muchos edificios Art Deco ejemplifican la reutilización adaptativa, un enfoque de desarrollo que reinventa los espacios existentes con nuevas funciones y mdashsay, convirtiendo una tienda departamental de una sola vez en un condominio.


Contenido

El término Art Nouveau se utilizó por primera vez en la década de 1880 en la revista belga L'Art Moderne para describir el trabajo de Les Vingt, veinte pintores y escultores que buscan reformas a través del arte. El nombre fue popularizado por el Maison de l'Art Nouveau ("Casa del Arte Nuevo"), una galería de arte inaugurada en París en 1895 por el marchante de arte franco-alemán Siegfried Bing. En Gran Bretaña, el término francés Art Nouveau era de uso común, mientras que en Francia, a menudo se llamaba con el término Estilo moderno (similar al término británico Estilo moderno), o Estilo 1900. [9] En Francia, a veces también se llamaba Estilo Jules Verne (según el novelista Jules Verne), Estilo Métro (después de las entradas de hierro y vidrio del metro de Héctor Guimard), Arte Belle Époque, o Arte fin de siècle. [10]

El Art Nouveau está relacionado, pero no es idéntico, a los estilos que surgieron en muchos países de Europa aproximadamente al mismo tiempo. Sus nombres locales se usaban a menudo en sus respectivos países para describir todo el movimiento.

  • En Bélgica, a veces se denomina Estilo coup de fouet ("Estilo de latigazo cervical"), Paling Stijl ("Estilo anguila"), o Estilo nouille ("Estilo Noodle") por sus detractores. [10]
  • En Gran Bretaña, además del Art Nouveau, era conocido como el Estilo moderno, o, debido a obras de la Escuela de Glasgow, como el Estilo de Glasgow. El término Moderno también se utiliza en Azerbaiyán, Kazajstán, Rusia y Ucrania, y Modernas en Lituania.
  • En Alemania y Escandinavia, se llamó Reformstil ("Estilo de reforma"), o Jugendstil ("Estilo juvenil"), después de la popular revista de arte alemana de ese nombre, [10] así como Wellenstil ("Estilo de onda"), o Lilienstil ("Estilo Lily"). [9] Ahora se llama Jugend en Finlandia, Suecia y Noruega, Juugend en Estonia, y Jūgendstils en Letonia.
  • En Dinamarca, se conoce como Skønvirke ("Obra de belleza").
  • En Austria y los países vecinos que entonces formaban parte del Imperio Austro-Húngaro, Wiener Jugendstil, o Secesionesstil ("Estilo de la Secesión"), según los artistas de la Secesión de Viena (en húngaro: szecesszió, Checo: secese, Eslovaco: secesia, Polaco: secesja).
  • En Italia, a menudo se llamaba estilo Liberty, en honor a Arthur Lasenby Liberty, el fundador de Liberty & amp Co de Londres, cuyos diseños textiles eran populares. A veces también se le llamaba Stile floreale ("Estilo floral"), o Arte nuova ("Arte nuevo"). [10]
  • En los Estados Unidos, debido a su asociación con Louis Comfort Tiffany, a veces se le llamaba "estilo Tiffany". [3] [11] [9] [12]
  • En los Países Bajos, se llamó Nieuwe Kunst ("Arte Nuevo"), o Nieuwe Stijl ("Nuevo estilo"). [11] [9]
  • En portugal, Arte nova.
  • En España, Modernismo, Modernismo (en catalán) y Arte joven ("Arte joven").
  • En Suiza, Style Sapin ("estilo pino"). [9]
  • En Finlandia, Estilo Kalevala.
  • En Rusia, Модерн ("Moderno") o, para pintar, Мир Искусства (Mir Iskusstva, "Mundo del Arte").
  • En Japón, Shiro-Uma. [13]
  • En Rumania, Arta Nouă ("Arte Nuevo") o Noul Stil ("Nuevo estilo"). [14]

Orígenes Editar

Grabado en madera japonés de Utagawa Kunisada (década de 1850)

Diseño textil impreso de William Morris (1883)

Diseño de papel tapiz Swan, Rush e Iris de Walter Crane (1883)

Silla diseñada por Arthur Mackmurdo (1882-1883)

El nuevo movimiento artístico tuvo sus raíces en Gran Bretaña, en los diseños florales de William Morris y en el movimiento Arts and Crafts fundado por los alumnos de Morris. Los primeros prototipos del estilo incluyen la Casa Roja con interiores de Morris y arquitectura de Philip Webb (1859), y el lujoso Peacock Room de James Abbott McNeill Whistler. El nuevo movimiento también estuvo fuertemente influenciado por los pintores prerrafaelitas, incluidos Dante Gabriel Rossetti y Edward Burne-Jones, y especialmente por artistas gráficos británicos de la década de 1880, incluidos Selwyn Image, Heywood Sumner, Walter Crane, Alfred Gilbert y especialmente Aubrey. Beardsley. [15] La silla diseñada por Arthur Mackmurdo ha sido reconocida como precursora del diseño Art Nouveau. [dieciséis]

En Francia, recibió la influencia del historiador y teórico de la arquitectura Eugène Viollet-le-Duc, enemigo declarado del estilo arquitectónico histórico Beaux-Arts. En su libro de 1872 Entretiens sur l'architecture, escribió, "Utilice los medios y conocimientos que nos da nuestro tiempo, sin las tradiciones que intervienen y que hoy ya no son viables, y de esa manera podemos inaugurar una nueva arquitectura. Para cada función su material para cada material su forma y su adorno ". [17] Este libro influyó en una generación de arquitectos, incluidos Louis Sullivan, Victor Horta, Hector Guimard y Antoni Gaudí. [18]

Los pintores franceses Maurice Denis, Pierre Bonnard y Édouard Vuillard desempeñaron un papel importante en la integración de la pintura de bellas artes con la decoración. "Creo que ante todo debe decorar un cuadro", escribió Denis en 1891. "La elección de temas o escenas no es nada. Es por el valor de los tonos, la superficie coloreada y la armonía de las líneas que puedo llegar al espíritu y despierta las emociones ". [19] Todos estos pintores hicieron pintura tradicional y pintura decorativa en pantallas, en vidrio y en otros medios. [20]

Otra influencia importante en el nuevo estilo fue el japonismo. Esta fue una ola de entusiasmo por la impresión japonesa en madera, en particular las obras de Hiroshige, Hokusai y Utagawa Kunisada, que se importaron a Europa a partir de la década de 1870. El emprendedor Siegfried Bing fundó una revista mensual, Le Japon artistique en 1888, y publicó treinta y seis números antes de que terminara en 1891. Influyó tanto en coleccionistas como en artistas, incluido Gustav Klimt. Los rasgos estilizados de los grabados japoneses aparecieron en los gráficos, la porcelana, las joyas y los muebles de estilo Art Nouveau. Desde principios de 1860, se manifestó repentinamente una influencia del Lejano Oriente. En 1862, los amantes del arte de Londres o París, pudieron comprar obras de arte japonesas, porque en ese año, Japón apareció por primera vez como expositor en la Exposición Internacional de Londres. También en 1862, en París, La Porte Chinoise La tienda, en la Rue de Rivoli, estaba abierta, donde se vendían ukiyo-e japoneses y otros objetos del Lejano Oriente. En 1867, Ejemplos de adornos chinos de Owen Jones apareció, y en 1870 Arte e industrias en Japón por R. Alcock, y dos años más tarde, O. H. Moser y T. W. Cutler publicaron libros sobre arte japonés. Algunos artistas de Art Nouveau, como Victor Horta, poseían una colección de arte del Lejano Oriente, especialmente japonés. [13]

Las nuevas tecnologías en impresión y publicación permitieron que Art Nouveau llegara rápidamente a una audiencia global. Las revistas de arte, ilustradas con fotografías y litografías en color, jugaron un papel fundamental en la popularización del nuevo estilo. El estudio en Inglaterra, Arts et idèes y Arte y decoración en Francia, y Jugend en Alemania permitió que el estilo se extendiera rápidamente a todos los rincones de Europa. Aubrey Beardsley en Inglaterra y Eugène Grasset, Henri de Toulouse-Lautrec y Félix Vallotton lograron el reconocimiento internacional como ilustradores. [21] Con los carteles de Jules Chéret para la bailarina Loie Fuller en 1893, y de Alphonse Mucha para la actriz Sarah Bernhardt en 1895, el cartel se convirtió no solo en publicidad, sino en una forma de arte. Sarah Bernhardt puso a un lado una gran cantidad de sus carteles para venderlos a los coleccionistas. [22]

Desarrollo - Bruselas (1893–1898) Editar

Fachada del Hôtel Tassel de Victor Horta (1892-1893)

Escalera del Hôtel Tassel

Silla Bloemenwerf realizada por Van de Velde para su residencia (1895)

Las primeras casas de estilo Art Nouveau, Hankar House de Paul Hankar (1893) y el Hôtel Tassel de Victor Horta (1892-1893), [4] [5] se construyeron casi simultáneamente en Bruselas. Hankar se inspiró particularmente en las teorías del arquitecto francés Eugène Viollet-le-Duc. Con el objetivo de crear una síntesis de bellas artes y artes decorativas, trajo a Adolphe Crespin [fr] y Albert Ciamberlani [fr] para decorar el interior y el exterior con esgrafiadoo murales. Hankar decoró tiendas, restaurantes y galerías en lo que un crítico local llamó "un verdadero delirio de originalidad". Murió en 1901, justo cuando el movimiento comenzaba a recibir reconocimiento. [23]

Victor Horta fue uno de los arquitectos más influyentes del Art Nouveau temprano, y su Hôtel Tassel (1892-1893) es uno de los hitos del estilo. [24] [25] La formación arquitectónica de Horta fue como asistente de Alphonse Balat, arquitecto de Leopoldo II de Bélgica, en la construcción de los monumentales Invernaderos de hierro y vidrio de Laeken. [26] En 1892-1893, le dio a esta experiencia un uso muy diferente. Diseñó la residencia de un destacado químico belga, Émile Tassel, en un sitio muy estrecho y profundo. El elemento central de la casa era la escalera, no cerrada por paredes, sino abierta, decorada con una barandilla de hierro forjado ondulado y colocada debajo de una claraboya alta. Los pisos estaban sostenidos por esbeltas columnas de hierro como los troncos de los árboles. Los pisos y paredes de mosaicos fueron decorados con delicados arabescos en formas florales y vegetales, que se convirtieron en la firma más popular del estilo. [27] [28] En poco tiempo, Horta construyó tres casas adosadas más, todas con interiores abiertos y todas con tragaluces para obtener la máxima luz interior: el Hôtel Solvay, el Hôtel van Eetvelde y la Maison & amp Atelier Horta. Los cuatro son ahora parte de un sitio del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

Henry van de Velde, nacido en Amberes, fue otra figura fundadora en el nacimiento del Art Nouveau. Los diseños de Van de Velde incluyeron el interior de su residencia, el Bloemenwerf (1895). [29] [30] El exterior de la casa se inspiró en la Casa Roja, la residencia del escritor y teórico William Morris, el fundador del movimiento Arts and Crafts. Con formación como pintor, Van de Velde se dedicó a la ilustración, luego al diseño de muebles y finalmente a la arquitectura. Para Bloemenwerf, creó los textiles, el papel tapiz, los cubiertos, las joyas e incluso la ropa, que combinaban con el estilo de la residencia. [31] Van de Velde fue a París, donde diseñó muebles y decoración para Samuel Bing, cuya galería de París dio nombre al estilo. También fue uno de los primeros teóricos del Art Nouveau, que exigió el uso de líneas dinámicas, a menudo opuestas. Van de Velde escribió: "Una línea es una fuerza como todas las demás fuerzas elementales. Varias líneas juntas pero opuestas tienen una presencia tan fuerte como varias fuerzas". En 1906 partió de Bélgica hacia Weimar (Alemania), donde fundó la Escuela Gran Ducal de Artes y Oficios, donde se prohibió la enseñanza de estilos históricos. Jugó un papel importante en el Werkbund alemán, antes de regresar a Bélgica. [32]

El debut de la arquitectura Art Nouveau en Bruselas fue acompañado por una ola de Arte Decorativo en el nuevo estilo. Artistas importantes fueron Gustave Strauven, que usó hierro forjado para lograr efectos barrocos en las fachadas de Bruselas, el diseñador de muebles Gustave Serrurier-Bovy, conocido por sus sillas muy originales y muebles de metal articulado y el diseñador de joyas Philippe Wolfers, que hizo joyas en forma de libélulas. , mariposas, cisnes y serpientes. [33]

La Exposición Internacional de Bruselas celebrada en 1897 atrajo la atención internacional al estilo Horta, Hankar, Van de Velde y Serrurier-Bovy, entre otros, participaron en el diseño de la feria, y Henri Privat-Livemont creó el cartel de la exposición.

París - Maison de l'Art Nouveau (1895) y Castel Beranger (1895–1898) Editar

Siegfried Bing invitó a artistas a mostrar obras modernas en su nueva Maison de l'Art Nouveau (1895).

La galería Maison de l'Art Nouveau de Siegfried Bing (1895)

Póster de Félix Vallotton para la nueva Maison de l'Art Nouveau (1896)

El marchante y editor de arte franco-alemán Siegfried Bing jugó un papel clave en la publicidad del estilo. En 1891, fundó una revista dedicada al arte de Japón, que ayudó a dar a conocer el japonismo en Europa. En 1892 organizó una exposición de siete artistas, entre ellos Pierre Bonnard, Félix Vallotton, Édouard Vuillard, Toulouse-Lautrec y Eugène Grasset, que incluyó tanto pintura moderna como obra decorativa. Esta exposición se mostró en la Société nationale des beaux-arts en 1895. En el mismo año, Bing abrió una nueva galería en el 22 de la rue de Provence de París, la Maison de l'Art Nouveau, dedicada a nuevas obras tanto de bellas artes como de Artes Decorativas. El interior y el mobiliario de la galería fueron diseñados por el arquitecto belga Henry van de Velde, uno de los pioneros de la arquitectura Art Nouveau. los Maison de l'Art Nouveau mostró pinturas de Georges Seurat, Paul Signac y Toulouse-Lautrec, vidrios de Louis Comfort Tiffany y Émile Gallé, joyas de René Lalique y carteles de Aubrey Beardsley. Las obras que se muestran allí no eran en absoluto uniformes en estilo. Bing escribió en 1902, "Art Nouveau, en el momento de su creación, no aspiraba en modo alguno a tener el honor de convertirse en un término genérico. Era simplemente el nombre de una casa abierta como punto de encuentro para todos los jóvenes y artistas ardientes impacientes por mostrar la modernidad de sus tendencias ". [34]

El estilo se notó rápidamente en la vecina Francia. Después de visitar el Hôtel Tassel de Horta, Héctor Guimard construyó el Castel Béranger, uno de los primeros edificios de París en el nuevo estilo, entre 1895 y 1898. [nb 1] Los parisinos se habían estado quejando de la monotonía de la arquitectura de los bulevares construidos bajo Napoleón III por Georges-Eugène Haussmann. El Castel Beranger era una curiosa mezcla de neogótico y Art Nouveau, con líneas curvas y formas naturales. Guimard, un hábil publicista de su trabajo, declaró: "Lo que debe evitarse a toda costa es. El paralelo y la simetría. La naturaleza es el mayor constructor de todos, y la naturaleza no hace nada que sea paralelo y nada que sea simétrico". [36]

Los parisinos dieron la bienvenida al estilo original y pintoresco de Guimard, el Castel Béranger fue elegido como una de las mejores fachadas nuevas de París, iniciando la carrera de Guimard. Guimard recibió el encargo de diseñar las entradas para el nuevo sistema de metro de París, que llamó la atención de millones de visitantes sobre el estilo de la ciudad. Exposición Universal. [10]

París Exposición Universal (1900) Editar

The Bigot Pavilion, que muestra el trabajo del artista de cerámica Alexandre Bigot

Entrada al pabellón de Austria, con exposiciones diseñadas por Josef Hoffmann

Entrada de la estación de metro de París en Abbesses diseñado por Hector Guimard para el 1900 Exposición universelle

Armas Lindgren y Eliel Saarinen ganaron el reconocimiento internacional por su diseño del pabellón de Finlandia

Menú diseñado por Alfons Mucha para el restaurante del Pabellón de Bosnia

Pórtico del Pabellón de Porcelana de Sevres (1900), ahora en la plaza Félix-Desruelles de París

El París 1900 Exposición universelle marcó el punto culminante del Art Nouveau. Entre abril y noviembre de 1900, atrajo a casi cincuenta millones de visitantes de todo el mundo y mostró la arquitectura, el diseño, la cristalería, el mobiliario y los objetos decorativos del estilo. La arquitectura de la Exposición era a menudo una mezcla de arquitectura Art Nouveau y Beaux-Arts: la sala principal de exposiciones, el Grand Palais, tenía una fachada Beaux-Arts completamente ajena a la espectacular escalera Art Nouveau y sala de exposiciones en el interior.

Todos los diseñadores franceses realizaron trabajos especiales para la Exposición: Lalique cristal y joyería joyas de Henri Vever y Georges Fouquet Daum vidrio la Manufacture nationale de Sèvres en cerámica de porcelana de Alexandre Bigot lámparas de vidrio esculpido y jarrones de Émile Gallé muebles de Édouard Colonna y Louis Majorelle y muchas otras destacadas empresas de artes y oficios. En la Exposición de París de 1900, Siegfried Bing presentó un pabellón llamado Art Nouveau Bing, que contó con seis interiores diferentes completamente decorados en el estilo. [37] [38]

La Exposición fue el primer escaparate internacional para diseñadores y artistas Art Nouveau de toda Europa y más allá. Los premiados y participantes incluyeron a Alphonse Mucha, quien realizó murales para el pabellón de Bosnia-Herzegovina y diseñó el menú para el restaurante del pabellón los decoradores y diseñadores Bruno Paul y Bruno Möhring de Berlín Carlo Bugatti de Turín Bernhardt Pankok de Baviera El arquitecto ruso -diseñador Fyodor Schechtel y Louis Comfort Tiffany and Company de los Estados Unidos. [39] El arquitecto vienés Otto Wagner fue miembro del jurado y presentó un modelo del baño Art Nouveau de su propio apartamento en Viena, con una bañera de vidrio. [40] Josef Hoffmann diseñó la exposición vienesa en la exposición de París, destacando los diseños de la Secesión de Viena. [41] Eliel Saarinen ganó el reconocimiento internacional por primera vez por su diseño imaginativo del pabellón de Finlandia. [42]

Si bien la Exposición de París fue, con mucho, la más grande, otras exposiciones hicieron mucho para popularizar el estilo. La Exposición Universal de Barcelona de 1888 marcó el inicio del modernismo en España, con algunos edificios de Lluís Domènech i Montaner. los Esposizione internazionale d'arte decorativa moderna de 1902 en Turín, Italia, mostró diseñadores de toda Europa, incluidos Victor Horta de Bélgica y Joseph Maria Olbrich de Viena, junto con artistas locales como Carlo Bugatti, Galileo Chini y Eugenio Quarti. [43]

Art Nouveau en Francia Editar

Póster para la bailarina Loie Fuller de Jules Chéret (1893)

Póster de Alfons Mucha para Gismonda protagonizada por Sarah Bernhardt (1894)

Escalera del Petit Palais, París (1900)

Portada del edificio Lavirotte de Jules Lavirotte, 29, avenida rapp, París (1901)

La joyería de Georges Fouquet a las 6, rue Royale, París, diseñado por Alphonse Mucha, ahora en el Museo Carnavalet (1901)

Peine de cuerno, oro y diamantes de René Lalique (c. 1902) (Musée d'Orsay)

La Villa Majorelle en Nancy para el diseñador de muebles Louis Majorelle por el arquitecto Henri Sauvage (1901–02)

Muebles de dormitorio de la Villa Majorelle (1901–02), ahora en el Museo de Bellas Artes de Nancy

Reja de vidrio y hierro forjado de la puerta de entrada de la Villa Majorelle (1901)

Después de la Exposición de 1900, la capital del Art Nouveau fue París. Las residencias más extravagantes del estilo fueron construidas por Jules Lavirotte, quien cubrió por completo las fachadas con una decoración escultórica de cerámica. El ejemplo más llamativo es el Edificio Lavirotte, en 29, avenida rapp (1901). Los edificios de oficinas y los grandes almacenes presentaban patios altos cubiertos con cúpulas de vidrieras y decoración de cerámica. El estilo fue particularmente popular en restaurantes y cafés, incluyendo Maxim's a las 3, rue Royale, y Le Train azul en la Gare de Lyon (1900). [44]

El estatus de París atrajo a artistas extranjeros a la ciudad. El artista de origen suizo Eugène Grasset fue uno de los primeros creadores de carteles franceses Art Nouveau. Ayudó a decorar el famoso cabaret Le Chat Noir en 1885, hizo sus primeros carteles para el Fêtes de Paris y un célebre cartel de Sarah Bernhardt en 1890. En París, enseñó en la escuela de arte de Guérin (École normale d'enseignement du dessin), donde sus alumnos incluyeron a Augusto Giacometti y Paul Berthon. [45] [46] Théophile-Alexandre Steinlen, nacido en Suiza, creó el famoso cartel del cabaret de París Le Chat noir en 1896. El artista checo Alphonse Mucha (1860-1939) llegó a París en 1888 y, en 1895, hizo un cartel para la actriz Sarah Bernhardt en la obra Gismonda de Victorien Sardou en el Théâtre de la Renaissance. El éxito de este cartel dio lugar a un contrato para producir carteles para seis obras más de Bernhardt.

La ciudad de Nancy en Lorena se convirtió en la otra capital francesa del nuevo estilo. En 1901, el Alliance provinciale des industries d'art, también conocido como el École de Nancy, fue fundada, dedicada a trastocar la jerarquía que anteponía la pintura y la escultura a las artes decorativas. Los principales artistas que trabajaron allí fueron los creadores de jarrones y lámparas de vidrio Émile Gallé, los hermanos Daum en diseño de vidrio y el diseñador Louis Majorelle, que creó muebles con elegantes formas florales y vegetales. El arquitecto Henri Sauvage trajo el nuevo estilo arquitectónico a Nancy con su Villa Majorelle en 1902.

El estilo francés fue ampliamente propagado por nuevas revistas, incluyendo El estudio, Arts et Idées y Arte y decoración, cuyas fotografías y litografías en color dieron a conocer el estilo a diseñadores y clientes adinerados de todo el mundo.

En Francia, el estilo alcanzó su cumbre en 1900 y, a partir de entonces, pasó rápidamente de moda, prácticamente desapareciendo de Francia en 1905. El Art Nouveau era un estilo de lujo, que requería artesanos expertos y muy bien pagados, y no podía ser fácil o barato en masa. -producido. Uno de los pocos productos Art Nouveau que podría producirse en masa fue el frasco de perfume, y todavía se fabrican con el estilo actual.

Art Nouveau en Bélgica Editar

Detalle del jardín de invierno del Hôtel van Eetvelde

Antiguos grandes almacenes Old England de Paul Saintenoy, Bruselas (1898-1899)

Casa Saint-Cyr de Gustave Strauven, Bruselas (1901-1903)

Casa del arquitecto Paul Cauchie con esgrafiados, Bruselas (1905)

Cama y espejo de Gustave Serrurier-Bovy (1898-1899), ahora en el Musée d'Orsay, París

Philippe Wolfers, Plume de Paon, (Colección Fundación Rey Balduino, depósito: KMKG-MRAH)

Bélgica fue uno de los primeros centros del Art Nouveau, gracias en gran parte a la arquitectura de Victor Horta, quien diseñó una de las primeras casas Art Nouveau, el Hôtel Tassel en 1893, y otras tres casas adosadas en variaciones del mismo estilo. Ahora son sitios del Patrimonio Mundial de la UNESCO. Horta tuvo una fuerte influencia en la obra del joven Héctor Guimard, que vino a ver el Hôtel Tassel en construcción y luego declaró que Horta era el "inventor" del Art Nouveau. [47] La ​​innovación de Horta no fue la fachada, sino el interior, utilizando una abundancia de hierro y vidrio para abrir el espacio e inundar de luz las habitaciones, y decorarlas con columnas de hierro forjado y barandillas de formas vegetales curvas, que se repitieron en los pisos y paredes, así como los muebles y alfombras que diseñó Horta. [48]

Paul Hankar fue otro pionero del Art Nouveau de Bruselas. Su casa se completó en 1903, el mismo año que Horta's Hôtel Tassel, y contó con murales esgrafiados en la fachada. Hankar fue influenciado tanto por Viollet-le-Duc como por las ideas del movimiento de artes y oficios inglés. Su idea de concepción fue unir las artes decorativas y las bellas artes en un todo coherente. Encargó al escultor Alfred Crick y al pintor Adolphe Crespin [fr] la decoración de las fachadas de las casas con su obra. El ejemplo más llamativo fue la casa y el estudio construido para el artista Albert Ciamberlani a los 48 años, rue Defacqz/Defacqzstraat en Bruselas, para lo que creó una exuberante fachada cubierta de murales esgrafiados con figuras pintadas y ornamentos, recreando la arquitectura decorativa del Quattrocento o Italia del siglo XV. [26] Hankar murió en 1901, cuando su trabajo apenas estaba recibiendo reconocimiento. [49]

Gustave Strauven fue el asistente de Horta, antes de comenzar su propia práctica a los 21 años. Su obra más famosa es la Maison Saint Cyr en la plaza Ambiorix de Bruselas. De tan solo cuatro metros de ancho, está decorado de arriba a abajo con adornos curvos, en un estilo virtualmente Art Nouveau-Barroco.

Otros artistas importantes de Art Nouveau de Bélgica incluyeron al arquitecto y diseñador Henry van de Velde, aunque la parte más importante de su carrera la pasó en Alemania, influyó fuertemente en la decoración del Jugendstil. Otros incluyeron al decorador Gustave Serrurier-Bovy y al artista gráfico Fernand Khnopff. [5] [50] [51] Los diseñadores belgas aprovecharon una abundante oferta de marfil importado del Congo Belga. Las esculturas mixtas, que combinaban piedra, metal y marfil, de artistas como Philippe Wolfers, eran populares. [52]

Nieuwe Kunst en los Países Bajos Editar

The Amsterdam Commodities Exchange, por Hendrik Petrus Berlage (1896-1903)

Armario / escritorio de Berlage (1898)

Póster de aceite de ensalada de Delft de Jan Toorop (1893)

Jarrón con diseño floral abstracto de Theo Colenbrander (1898)

Jarrón de porcelana diseñado por J. Jurriaaan Kok y decorado por W.R. Sterken (1901)

En los Países Bajos, el estilo se conocía como el Nieuwe Stijl ("Nuevo estilo"), o Nieuwe Kunst ("New Art"), y tomó una dirección diferente del estilo más floral y curvo en Bélgica. Fue influenciado por las formas más geométricas y estilizadas del Jugendstil alemán y la Secesión de Viena de Austria. [52] También fue influenciado por el arte y las maderas importadas de Indonesia, luego de las Indias Orientales Holandesas, particularmente los diseños de los textiles y batik de Java.

El arquitecto y diseñador de muebles más importante del estilo fue Hendrik Petrus Berlage, quien denunció los estilos históricos y abogó por una arquitectura puramente funcional. Escribió: "Es necesario luchar contra el arte de la ilusión, y reconocer la mentira, para encontrar la esencia y no la ilusión". [53] Como Víctor Horta y Gaudí, fue un admirador de las teorías arquitectónicas de Viollet-le-Duc. [53] Sus muebles fueron diseñados para ser estrictamente funcionales y respetar las formas naturales de la madera, en lugar de doblarla o torcerla como si fuera metal. Señaló el ejemplo de los muebles egipcios y prefirió las sillas con ángulos rectos. Su primera y más famosa obra arquitectónica fue la Beurs van Berlage (1896-1903), la Bolsa de Productos Básicos de Ámsterdam, que construyó siguiendo los principios del constructivismo. Todo era funcional, incluidas las líneas de remaches que decoraban las paredes de la sala principal. A menudo incluía torres muy altas en sus edificios para hacerlos más prominentes, una práctica utilizada por otros arquitectos Art Nouveau de la época, incluidos Joseph Maria Olbrich en Viena y Eliel Saarinen en Finlandia. [54]

Otros edificios de este estilo incluyen el American Hotel (1898-1900), también de Berlage y Astoria (1904-1905) de Herman Hendrik Baanders y Gerrit van Arkel en Ámsterdam, la estación de tren de Haarlem (1906-1908) y la antigua oficina edificio de Holland America Lines (1917) en Rotterdam, ahora Hotel New York.

Destacados artistas gráficos e ilustradores del estilo incluyeron a Jan Toorop, cuyo trabajo se inclinó hacia el misticismo y el simbolismo, incluso en sus carteles de aceite para ensaladas. En sus colores y diseños, también mostraron en ocasiones la influencia del arte de Java. [54]

Entre las figuras importantes de la cerámica y la porcelana holandesas se encuentran Jurriaan Kok y Theo Colenbrander. Utilizaron patrones florales coloridos y motivos Art Nouveau más tradicionales, combinados con formas inusuales de cerámica y colores oscuros y claros contrastantes, tomados de la decoración batik de Java. [55]

Estilo moderno y escuela de Glasgow en Gran Bretaña Editar

Edificio de pub (1899-1900) por James Hoey Craigie (1870-1930). 59 Dumbarton Road, Glasgow

Diseño de portada de Arthur Mackmurdo para un libro sobre Christopher Wren (1883)

Edificio "The Hatrack" de James Salmon, 142a, 144 St. Vincent Street, Glasgow (1899-1902)

La antigua imprenta de Everard, Broad Street, Bristol, de Henry Williams (1900)

El Art Nouveau tiene sus raíces en Gran Bretaña, en el movimiento Arts and Crafts que comenzó en la década de 1860 y alcanzó el reconocimiento internacional en la década de 1880. Pidió un mejor tratamiento de las artes decorativas y se inspiró en la artesanía y el diseño medievales y en la naturaleza. [56] Un ejemplo temprano notable del estilo moderno es el diseño de Arthur Mackmurdo para la portada de su ensayo sobre las iglesias de la ciudad de Sir Christopher Wren, publicado en 1883, al igual que su silla de caoba del mismo año. [57]

Otros innovadores importantes en Gran Bretaña incluyeron a los diseñadores gráficos Aubrey Beardsley, cuyos dibujos presentaban las líneas curvas que se convirtieron en la característica más reconocible del estilo. También se podría aducir hierro forjado de flujo libre de la década de 1880, o algunos diseños textiles florales planos, la mayoría de los cuales deben algún ímpetu a los patrones de diseño del siglo XIX. Otros artistas gráficos británicos que tuvieron un lugar importante en el estilo fueron Walter Crane y Charles Ashbee. [58]

Los grandes almacenes Liberty en Londres desempeñaron un papel importante, a través de sus coloridos diseños florales estilizados para textiles y los diseños de plata, peltre y joyas de Manxman (de ascendencia escocesa) Archibald Knox. Sus diseños de joyas en materiales y formas rompieron por completo con las tradiciones históricas del diseño de joyas.

Para la arquitectura Art Nouveau y el diseño de mobiliario, el centro más importante de Gran Bretaña fue Glasgow, con las creaciones de Charles Rennie Mackintosh y la Escuela de Glasgow, cuyo trabajo se inspiró en la arquitectura baronial escocesa y el diseño japonés. [59] A partir de 1895, Mackintosh exhibió sus diseños en exposiciones internacionales en Londres, Viena y Turín; sus diseños influyeron particularmente en el estilo de la Secesión en Viena. Sus creaciones arquitectónicas incluyeron el edificio Glasgow Herald (1894) y la biblioteca de la Escuela de Arte de Glasgow (1897). También se ganó una gran reputación como diseñador y decorador de muebles, trabajando en estrecha colaboración con su esposa, Margaret Macdonald Mackintosh, una destacada pintora y diseñadora. Juntos crearon diseños llamativos que combinaban líneas rectas geométricas con una decoración floral suavemente curvada, en particular un símbolo famoso del estilo, la rosa de Glasgow ". [60]

Léon-Victor Solon, hizo una importante contribución a la cerámica Art Nouveau como director de arte en Mintons. Se especializó en placas y jarrones revestidos de tubos comercializados como "artículos secesionistas" (generalmente descritos con el nombre del movimiento artístico vienés). [61] Además de la cerámica, diseñó textiles para la industria de la seda de puerro [62] y doble cebo para un encuadernador (G.T.Bagguley de Newcastle bajo Lyme), que patentó el Sutherland vinculante en 1895.

George Skipper fue quizás el arquitecto Art Nouveau más activo de Inglaterra. El edificio Edward Everard en Bristol, construido entre 1900 y 2001 para albergar la imprenta de Edward Everard, presenta una fachada Art Nouveau. Las figuras representadas son de Johannes Gutenberg y William Morris, ambos eminentes en el campo de la imprenta.Una figura alada simboliza el "Espíritu de luz", mientras que una figura sosteniendo una lámpara y un espejo simboliza la luz y la verdad.

Jugendstil en Alemania Editar

Cubierta de Sartén revista de Joseph Sattler (1895)

Cubierta de Jugend de Otto Eckmann (1896)

Tapiz Los cinco cisnes por Otto Eckmann (1896-1897)

Tirador de puerta Jugendstil en Berlín (circa 1900)

Vajilla y juego de comedor Jugendstil de Peter Behrens (1900-1901)

Plato de peltre Jugendstil de WMF Diseño n. ° 232. c.1906

El Art Nouveau alemán es comúnmente conocido por su nombre alemán, Jugendstil, o "estilo juvenil". El nombre está tomado de la revista artística, Die Jugend, o Juventud, que se publicó en Munich. La revista fue fundada en 1896 por Georg Hirth, quien permaneció como editor hasta su muerte en 1916. La revista sobrevivió hasta 1940. A principios del siglo XX, Jugendstil se aplicó solo a las artes gráficas. [63] Se refirió especialmente a las formas de tipografía y diseño gráfico que se encuentran en revistas alemanas como Jugend, Sartén, y Simplicissimus. Jugendstil Más tarde se aplicó a otras versiones del Art Nouveau en Alemania, Holanda. El término fue tomado del alemán por varios idiomas de los estados bálticos y los países nórdicos para describir el Art Nouveau (ver la sección Naming). [11] [64]

En 1892, Georg Hirth eligió el nombre de Secesión de Munich para la Asociación de Artistas Visuales de Munich. La Secesión de Viena, fundada en 1897, [65] y la Secesión de Berlín también tomaron sus nombres del grupo de Munich.

Las revistas Jugend y Simplicissimus, publicado en Munich, y Sartén, publicado en Berlín, fueron importantes defensores de la Jugendstil. Jugendstil El arte combinaba curvas sinuosas y líneas más geométricas, y se utilizaba para portadas de novelas, anuncios y carteles de exposiciones. Los diseñadores a menudo creaban estilos originales de tipografía que funcionaban armoniosamente con la imagen, p. Ej. Tipografía Arnold Böcklin en 1904.

Otto Eckmann fue uno de los artistas alemanes más destacados asociados con ambos Die Jugend y Sartén. Su animal favorito era el cisne, y su influencia fue tan grande que el cisne llegó a servir como símbolo de todo el movimiento. Otro diseñador destacado en el estilo fue Richard Riemerschmid, quien hizo muebles, cerámica y otros objetos decorativos en un estilo geométrico sobrio que apuntaba hacia el Art Deco. [66] El artista suizo Hermann Obrist, residente en Munich, ilustró la golpe de fouet o motivo de latigazo, una doble curva muy estilizada que sugiere un movimiento tomado del tallo de la flor de ciclamen.

La casa de Ernst Ludwig por Joseph Maria Olbrich (1900) ahora alberga el Museo de la Colonia de Darmstadt

Complejo de spa Sprudelhof en Bad Nauheim (1905-1911)

Puerta Art Nouveau con motivo decorativo de girasol (Rybnik Silesia)

La Colonia de Artistas de Darmstadt fue fundada en 1899 por Ernest Ludwig, Gran Duque de Hesse. El arquitecto que construyó la casa del Gran Duque, así como la estructura más grande de la colonia (Torre de la boda), fue Joseph Maria Olbrich, uno de los fundadores de la Secesión de Viena. Otros artistas notables de la colonia fueron Peter Behrens y Hans Christiansen. Ernest Ludwig también se encargó de reconstruir el complejo de spa en Bad Nauheim a principios de siglo. Un complejo Sprudelhof [de] completamente nuevo se construyó en 1905-1911 bajo la dirección de Wilhelm Jost [de] y logró uno de los principales objetivos del Jugendstil: una síntesis de todas las artes. [67] Otro miembro de la familia reinante que encargó una estructura Art Nouveau fue la princesa Isabel de Hesse y del Rin. Fundó el Convento Marfo-Mariinsky en Moscú en 1908 y su katholikon es reconocida como una obra maestra del Art Nouveau. [68]

Otra unión notable en el Imperio alemán fue la Deutscher Werkbund, fundada en 1907 en Munich por instigación de Hermann Muthesius por artistas de la colonia de Darmstadt Joseph Maria Olbrich, Peter Behrens por otro fundador de la Secesión de Viena, Josef Hoffmann, así como por Wiener Werkstätte (fundada por Hoffmann), por Richard Riemerschmid, Bruno Paul y otros artistas y compañías. [69] Posteriormente, el belga Henry van de Velde se unió al movimiento [nb 2]. La Escuela Gran Ducal de Artes y Oficios [de], fundada por él en Weimar, fue antecesora de la Bauhaus, una de las corrientes más influyentes de la arquitectura modernista. [71]

En Berlín, Jugendstil fue elegido para la construcción de varias estaciones de tren. La más notable [72] es Bülowstraße de Bruno Möhring (1900-1902), otros ejemplos son Mexikoplatz (1902-1904), Botanischer Garten (1908-1909), Frohnau (1908-1910), Wittenbergplatz (1911-1913) y Pankow. (1912-1914) estaciones. Otra estructura notable de Berlín es Hackesche Höfe (1906) que utilizó ladrillo vidriado policromado para la fachada del patio.

Art Nouveau en Estrasburgo (entonces parte del Imperio Alemán como capital de la Reichsland Elsaß-Lothringen) era una marca específica, ya que combinaba influencias de Nancy y Bruselas, con influencias de Darmstadt y Viena, para operar una síntesis local que reflejaba la historia de la ciudad entre los reinos germánico y francés.

Secesión en Austria – Hungría Editar

Secesión de Viena Editar

Vampiro en Ver Sacrum # 12 (1899) p. 8 por Ernst Stöhr

Mujer con un vestido amarillo de Max Kurzweil (1907)

Viena se convirtió en el centro de una variante distinta del Art Nouveau, que se conoció como la Secesión de Viena. El movimiento tomó su nombre de la Secesión de Munich establecida en 1892. La Secesión de Viena fue fundada en abril de 1897 por un grupo de artistas que incluía a Gustav Klimt, Koloman Moser, Josef Hoffmann, Joseph Maria Olbrich, Max Kurzweil, Ernst Stöhr y otros. [65] El pintor Klimt se convirtió en el presidente del grupo. Se opusieron a la orientación conservadora hacia el historicismo expresada por Vienna Künstlerhaus, el sindicato oficial de artistas. La Secesión fundó una revista, Ver Sacrum, para promover sus trabajos en todos los medios. [73] El arquitecto Joseph Olbrich diseñó el edificio abovedado de la Secesión con el nuevo estilo, que se convirtió en un escaparate para las pinturas de Gustav Klimt y otros artistas de la Secesión.

Klimt se convirtió en el más conocido de los pintores de la Secesión, a menudo borrando la frontera entre la pintura de bellas artes y la pintura decorativa. Koloman Moser fue un artista extremadamente versátil en el estilo de su trabajo, incluidas ilustraciones de revistas, arquitectura, platería, cerámica, porcelana, textiles, vidrieras y muebles.

Diseño floral de Alois Ludwig en la fachada de Maiolica House de Otto Wagner (1898)

El arquitecto más destacado de la Secesión de Viena fue Otto Wagner, [74] se unió al movimiento poco después de sus inicios para seguir a sus estudiantes Hoffmann y Olbrich. Sus principales proyectos incluyeron varias estaciones de la red ferroviaria urbana (Stadtbahn), los edificios Linke Wienzeile (que consisten en Majolica House, House of Medallions y la casa en Köstlergasse). La estación de Karlsplatz es ahora una sala de exposiciones del Museo de Viena. El hospital psiquiátrico Kirche am Steinhof de Steinhof (1904-1907) es un ejemplo único y finamente elaborado de la arquitectura religiosa de la Secesión, con un exterior abovedado tradicional pero un interior elegante y moderno en oro y blanco iluminado por abundantes vidrieras modernas.

En 1899 Joseph Maria Olbrich se trasladó a la Colonia de Artistas de Darmstadt, en 1903 Koloman Moser y Josef Hoffmann fundaron la Wiener Werkstätte, una escuela de formación y taller para diseñadores y artesanos de muebles, alfombras, textiles y objetos decorativos. [75] En 1905 Koloman Moser y Gustav Klimt se separaron de la Secesión de Viena, más tarde en 1907 Koloman Moser también dejó Wiener Werkstätte, mientras que su otro fundador, Josef Hoffmann, se unió al Deutscher Werkbund. [69] Gustav Klimt y Josef Hoffmann continuaron colaborando, organizaron la Exposición Kunstschau [de] en 1908 en Viena y construyeron el Palacio Stoclet en Bruselas (1905-1911) que anunció la llegada de la arquitectura modernista. [76] [77] Fue designado como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en junio de 2009. [78]

Húngaro Szecesszió Editar

Palacio Gróf en Szeged de Ferenc Raichle (1913)

El pionero y profeta del Szecesszió (Secesión en húngaro), el arquitecto Ödön Lechner, creó edificios que marcaron una transición del historicismo al modernismo para la arquitectura húngara. [79] Su idea para un estilo arquitectónico húngaro fue el uso de cerámicas arquitectónicas y motivos orientales. En sus obras, utilizó pigorganita puesta en producción en 1886 por Zsolnay Porcelain Manufactory. [79] Este material se utilizó en la construcción de notables edificios húngaros de otros estilos, p. Ej. el edificio del parlamento húngaro y la iglesia de Matías.

Las obras de Ödön Lechner [80] incluyen el Museo de Artes Aplicadas (1893-1896), otros edificios con características distintivas similares son el Museo Geológico (1896-1899) y el edificio de la Caja de Ahorros Postal (1899-1902), todos en Budapest. Sin embargo, debido a la oposición del establecimiento arquitectónico húngaro al éxito de Lechner, pronto no pudo obtener nuevos encargos comparables a sus edificios anteriores. [79] Pero Lechner fue una inspiración y un maestro para la siguiente generación de arquitectos que desempeñaron el papel principal en la popularización del nuevo estilo. [79] Dentro del proceso de Magiarización, se encargaron numerosos edificios a sus discípulos en las afueras del reino: p. Ej. Marcell Komor [hu] y Dezső Jakab recibieron el encargo de construir la sinagoga (1901-1903) y el ayuntamiento (1908-1910) en Szabadka (ahora Subotica, Serbia), la prefectura del condado (1905-1907) y el palacio de la cultura (1911-1910) 1913) en Marosvásárhely (ahora Târgu Mureș, Rumania). Más tarde, el propio Lechner construyó la Iglesia Azul en Pozsony (actual Bratislava, Eslovaquia) en 1909-1913.

Otro arquitecto importante fue Károly Kós, seguidor de John Ruskin y William Morris. Kós tomó el movimiento del nacional romanticismo finlandés como modelo y la lengua vernácula de Transilvania como inspiración. [81] Sus edificios más notables incluyen la Iglesia Católica Romana en Zebegény (1908–09), los pabellones del Zoológico Municipal de Budapest (1909–1912) y el Museo Nacional Székely en Sepsiszentgyörgy (ahora Sfântu Gheorghe, Rumania, 1911–12).

Mosaico de Miksa Róth en el edificio Török Bank [fr] en Budapest (1906)

Relieve en la fachada del Palacio Gresham por Géza Maróti en Budapest (1906)

Mueble de Ödön Faragó, de Budapest (1901)

El movimiento que promovió Szecesszió en las artes fue Gödöllő Art Colony, fundada por Aladár Körösfői-Kriesch, también seguidor de John Ruskin y William Morris y profesor de la Royal School of Applied Arts de Budapest en 1901. [82] Sus artistas participaron en muchos proyectos, incluida la Academia de Música Franz Liszt en Budapest. [83]

Un asociado de Gödöllő Art Colony, [84] Miksa Róth también participó en varias docenas de proyectos de Szecesszió, incluidos edificios de Budapest como el Palacio Gresham (vidrieras, 1906) y el Banco Török [fr] (mosaicos, 1906) y también creó mosaicos y vidrio para el Palacio de la Cultura (1911-1913) en Marosvásárhely.

Un notable diseñador de muebles es Ödön Faragó [hu], que combinó la arquitectura popular tradicional, la arquitectura oriental y el Art Nouveau internacional en un estilo muy pintoresco. Pál Horti [hu], otro diseñador húngaro, tenía un estilo mucho más sobrio y funcional, realizado en roble con delicadas tracerías de ébano y latón.

Otras variaciones Editar

Vidriera de Alphonse Mucha en la Catedral de San Vito de Praga

Alivio de cerámica del Teatro Viola en Praga por Ladislav Šaloun

El nuevo ayuntamiento de Praga (1908-1911)

El mas prolífico esloveno El arquitecto Art Nouveau fue Ciril Metod Koch. [85] Estudió en las clases de Otto Wagner en Viena y trabajó en el Ayuntamiento de Laybach (ahora Ljubljana, Eslovenia) de 1894 a 1923. Después del terremoto de Laybach en 1895, diseñó muchos edificios seculares en estilo de la Secesión que adoptó a partir de 1900. a 1910: [85] Pogačnik House (1901), Čuden Building (1901), The Farmers Loan Bank (1906–07), renovado Hauptmann Building en estilo de la Secesión en 1904. Lo más destacado de su carrera fue el Loan Bank en Radmannsdorf (ahora Radovljica) en 1906. [85]

Los edificios de la Secesión más notables en Praga son ejemplos de arte total con arquitectura, escultura y pintura distintivas. [86] La estación principal de trenes (1901-1909) fue diseñada por Josef Fanta y presenta pinturas de Václav Jansa y esculturas de Ladislav Šaloun y Stanislav Sucharda junto con otros artistas. La Casa Municipal (1904-1912) fue diseñada por Osvald Polívka y Antonín Balšánek, pintada por el famoso pintor checo Alphonse Mucha y presenta esculturas de Josef Mařatka y Ladislav Šaloun. Polívka, Mařatka y Šaloun cooperaron simultáneamente en la construcción del Nuevo Ayuntamiento (1908-1911) junto con Stanislav Sucharda, y posteriormente Mucha pintó las vidrieras de la Catedral de San Vito con su estilo distintivo.

El estilo de combinar Szecesszió húngaro y elementos arquitectónicos nacionales era típico del arquitecto eslovaco Dušan Jurkovič. Sus obras más originales son la Casa Cultural en Szakolca (ahora Skalica en Eslovaquia, 1905), los edificios del balneario en Luhačovice (ahora República Checa) en 1901-1903 y 35 cementerios de guerra cerca de Nowy Żmigród en Galicia (ahora Polonia), la mayoría de ellos estaban fuertemente influenciados por el arte popular y la carpintería locales de Lemko (Rusyn) (1915-1917).

Art Nouveau en Rumania Editar

El Casino Constanța de Daniel Renard y Petre Antonescu (1905-1910)

El centro de una estufa de una casa de la ciudad en el área de Rosetti Square (Bucarest)

Puerta en la plaza Mihail Kogălniceanu, Bucarest

Relieve en la fachada de un pequeño bloque, cerca del Hospital Colțea, Bucarest

Mița la casa ciclista de Bucarest (1900), combinación de renacimiento barroco y Art Nouveau

Casa en la calle Dimitrie Racoviță, Bucarest

La casa Dianu de Craiova (1900-1905)

La casa Dinu Lipatti de Bucarest de Petre Antonescu (1902), [87] combinación de renacimiento barroco y Art Nouveau

La casa de Romulus Porescu de Bucarest de Dumitru Maimarolu (1905), [88] Art Nouveau con influencias del Renacimiento barroco

La parte superior de una estufa de azulejos del Museo George Severeanu, Bucarest

Detalle de una valla en Lascăr Catargiu Boulevard, Bucarest

Frescos en el techo del pórtico de la iglesia del monasterio de Antim, Bucarest

Puerta de arco trilobulado del Renacimiento rumano de Bucarest, que muestra elementos Art Nouveau

El Casino Constanța es probablemente el ejemplo más famoso de Art Nouveau en Rumania. los Casino, Kurhaus o Kursaal El tema es específico de la Belle Époque. El autor del casino, iniciado en 1905 y terminado en 1910, es el arquitecto Daniel Renard, que estudió en París entre 1894 y 1900. Firmó tanto los planos arquitectónicos como decorativos del casino. Específico del Art Nouveau es la ornamentación en relieve de las fachadas, ya sea con motivos florales naturalistas, como los de la Escuela de Nancy, o motivos inspirados en la fauna marina, como conchas y delfines. Una de las casas Art Nouveau de Bucarest es la Casa Dinu Lipatti (nº 12, Bulevar Lascăr Catargiu), de Petre Antonescu, cuyo motivo central es el arco de entrada, sobre el que hay un mascaron femenino en alto relieve. Entre los ejemplos de arquitectura Art Nouveau en Bucarest se encuentran las casas adosadas, que a veces solo tienen ventanas en forma de herradura u otras formas u ornamentos específicos del Art Nouveau. Un ejemplo es la Casa Romulus Porescu (nº 12, calle Doctor Paleologu), que también tiene vidrieras del Renacimiento egipcio en las ventanas de las esquinas. Algunos de los edificios del Renacimiento barroco en Bucarest tienen influencias del Art Nouveau o neorocaille, entre ellos el Observatorio de Bucarest (n. ° 21, Bulevar Lascăr Catargiu), casa n. 58 en la calle Sfinții Voievozi, la Casa del Ciclista Mița (no. 9, calle Biserica Amzei, o no. 11, calle Christian Tell) y el Palacio Cantacuzino (no. 141, Avenida Victoria). [89] El estilo renacentista rumano, presente en la arquitectura, el mobiliario y el diseño gráfico, incluye elementos Art Nouveau. [90]

Una portada del Literatură și Artă Română Revista ("Literatura y artes rumanas") (1899)

Panel decorativo de Ștefan Luchian (1900)

Primavera, panel decorativo de Ștefan Luchian (1901)

Mujer joven por Ștefan Luchian, dibujo para la portada de la Revista Ileana

Sello del Tejedor Sociedad de caridad (1906)

La portada de un pequeño libro de poesía de 1908.

La portada de un pequeño libro de poesía de 1908

La portada de una pequeña revista de poesía de la serie Biblioteca Societății (1912)

Uno de los pintores de Art Nouveau más notables de Rumanía fue Ștefan Luchian, quien rápidamente se hizo cargo de las direcciones innovadoras y decorativas del Art Nouveau durante un corto período de tiempo. El momento estuvo sincronizado con la fundación de la Sociedad Ileana en 1897, de la que fue miembro fundador, empresa que organizó una exposición (1898) en el Hotel Unión titulada La Exposición de Artistas Independientes y publicó una revista - la Revista Ileana. [91]

Transilvania tiene ejemplos de edificios Art Nouveau y del Renacimiento rumano, siendo el primero de la era austrohúngara. La mayoría de ellos se encuentran en Oradea, apodada la "capital del Art Nouveau de Rumanía", [92] pero también en Timișoara, Târgu Mureș y Sibiu. [93] [94] [95]

Stile Liberty en Italia Editar

Cartel de la Exposición de Turín de 1902

Villino Florio en Palermo de Ernesto Basile (1899-1902)

Entrada de la Casa Guazzoni (1904–05) en Milán por Giovanni Battista Bossi (1904–06)

El Art Nouveau en Italia se conocía como arte nuova, estilo floreale, estilo moderno y especialmente estilo Liberty. El estilo Liberty tomó su nombre de Arthur Lasenby Liberty y la tienda que fundó en 1874 en Londres, Liberty Department Store, que se especializaba en la importación de adornos, textiles y objetos de arte de Japón y el Lejano Oriente, y cuyos coloridos textiles eran particularmente populares en Italia. . Los diseñadores italianos notables en el estilo incluyeron a Galileo Chini, cuyas cerámicas a menudo se inspiraron tanto en patrones de mayólica. Más tarde fue conocido como pintor y diseñador de escenografía teatral; diseñó los decorados para dos célebres óperas de Puccini. Gianni Schicchi y Turandot. [96] [97] [11]

La arquitectura de estilo Liberty varió mucho y, a menudo, siguió estilos históricos, particularmente el barroco. Las fachadas a menudo estaban empapadas de decoración y escultura. Ejemplos del estilo Liberty incluyen el Villino Florio (1899-1902) de Ernesto Basile en Palermo, el Palazzo Castiglioni en Milán de Giuseppe Sommaruga (1901-1903) Milán, y la Casa Guazzoni (1904-05) en Milán de Giovanni Battista Bossi ( 1904-06). [98]

Los coloridos frescos, pintados o en cerámica, y la escultura, tanto en el interior como en el exterior, eran una característica popular del estilo Liberty. Se basaron en temas tanto clásicos como florales. como en los baños de Acque della Salute y en la Casa Guazzoni de Milán.

La figura más importante en el diseño de estilo Liberty fue Carlo Bugatti, hijo de un arquitecto y decorador, padre de Rembrandt Bugatti, escultor de Liberty, y de Ettore Bugatti, famoso diseñador de automóviles. Estudió en la Academia Milanesa de Brera y más tarde en la Académie des Beaux-Arts de París. Su trabajo se distinguió por su exotismo y excentricidad, incluidos cubiertos, textiles, cerámica e instrumentos musicales, pero es mejor recordado por sus innovadores diseños de muebles, que se mostraron por primera vez en la Feria de Bellas Artes de Milán de 1888. Sus muebles a menudo presentaban un diseño de ojo de cerradura y tenían revestimientos inusuales, que incluían pergamino y seda, e incrustaciones de hueso y marfil. También a veces tenía formas orgánicas sorprendentes, copiadas de caracoles y cobras. [99]

Modernismo en Cataluña y España Editar

Basílica de la Sagrada Familia en Barcelona de Antoni Gaudí (1883–)

Una variante muy original del estilo surgió en Barcelona, ​​Cataluña, casi al mismo tiempo que apareció el estilo Art Nouveau en Bélgica y Francia. Fue llamado Modernismo en catalán y Modernismo en español. Su creador más famoso fue Antoni Gaudí. Gaudí utilizó formas florales y orgánicas de una manera muy novedosa en Palau Güell (1886-1890). Según la UNESCO, "la arquitectura del parque combinó elementos del movimiento Arts and Crafts, el simbolismo, el expresionismo y el racionalismo, y presagió e influyó en muchas formas y técnicas del modernismo del siglo XX". [101] [102] [103] Integró artesanías como cerámica, vidrieras, forja de hierro forjado y carpintería en su arquitectura. En sus Pabellones Güell (1884-1887) y luego en el Parc Güell (1900-1914) también utilizó una nueva técnica llamada trencadís, que utiliza piezas cerámicas de desecho. Sus diseños de alrededor de 1903, el Casa Batlló (1904-1906) y Casa Milà (1906-1912), [100] están más estrechamente relacionados con los elementos estilísticos del Art Nouveau. [104] Estructuras posteriores como Sagrada Familia combinó elementos Art Nouveau con neogótico revivalista. [104] Casa Batlló, Casa Milà, Pabellones Güell y Parc Güell fueron fruto de su colaboración con Josep Maria Jujol, que creó él mismo casas en Sant Joan Despí (1913-1926), varias iglesias cercanas a Tarragona (1918 y 1926) y el sinuosa Casa Planells (1924) en Barcelona.

Además de la presencia dominante de Gaudí, Lluís Domènech i Montaner también utilizó el Art Nouveau en Barcelona en edificios como el Castell dels Tres Dragons (1888), la Casa Lleó Morera, el Palau de la Música Catalana (1905) y el Hospital de Sant Pau (1901– 1930). [104] Los dos últimos edificios han sido catalogados por la UNESCO como Patrimonio Cultural de la Humanidad. [105]

Otro gran modernista fue Josep Puig i Cadafalch, que diseñó la Casa Martí y su café Els Quatre Gats, la fábrica textil Casimir Casaramona (ahora museo de arte CaixaFòrum), Casa Macaya, Casa Amatller, el Palau del Baró de Quadras (que alberga Casa Àsia durante 10 años hasta 2013) y la Casa de les Punxes ("Casa de los Spikes").

También hubo un movimiento Art Nouveau distintivo en la Comunidad Valenciana. Algunos de los arquitectos destacados fueron Demetrio Ribes Marco, Vicente Pascual Pastor, Timoteo Briet Montaud y José María Manuel Cortina Pérez. Las características definitorias del modernismo valenciano son un notable uso de la cerámica en la decoración, tanto en la fachada como en la ornamentación, y también el uso de motivos regionales valencianos.

Otra variante destacable es el Art Nouveau madrileño o "Modernismo madrileño", con edificios tan notables como el Palacio Longoria, el Casino de Madrid o el Cementerio de la Almudena, entre otros. Modernistas madrileños de renombre fueron los arquitectos José López Sallaberry, Fernando Arbós y Tremanti y Francisco Andrés Octavio.

Escultura de terracota policromada de Lambert Escaler [ca]

Techo de vidriera del Palau de la Música Catalana de Antoni Rigalt (1905-1908)

los Modernismo El movimiento dejó un amplio patrimonio artístico que incluía dibujos, pinturas, esculturas, trabajos en vidrio y metal, mosaicos, cerámicas y muebles. Una parte se encuentra en el Museu Nacional d'Art de Catalunya.

Inspirado en un café de París llamado Le Chat Noir, donde había trabajado anteriormente, Pere Romeu i Borràs [ca] decidió abrir un café en Barcelona que se llamó Els Quatre Gats (Cuatro gatos en catalán). [106] El café se convirtió en un punto de encuentro central para las figuras más destacadas de Barcelona Modernismo, como Pablo Picasso y Ramon Casas i Carbó que ayudaron a promover el movimiento con sus carteles y postales. Para el café creó un cuadro llamado Ramon Casas y Pere Romeu en un Tándem que fue reemplazado por su otra composición titulada Ramon Casas y Pere Romeu en un automóvil en 1901, que simboliza el nuevo siglo.

Antoni Gaudí diseñó muebles para muchas de las casas que construyó, un ejemplo es un sillón llamado para la Casa de Batalla. Influyó en otro notable diseñador de muebles catalán, Gaspar Homar [ca] (1870-1953), que a menudo combinaba marquetería y mosaicos con su mobiliario. [107]

Arte Nova en Portugal Editar

Fachada de la residencia Major Pessoa en Aveiro (1907-1909) [108]

Atrio de la Residencia Major Pessoa

La librería Livraria Lello en Oporto, Portugal (1906)

Detalles de Almirante Reis, 2-2K edificio en Lisboa (1908)

Azulejo de cerámica de Cooperativa Agrícola en Aveiro (1913)

La variante Art Nouveau en Aveiro (Portugal) se llamó Arte Nova, y su principal rasgo característico fue la ostentación: el estilo fue utilizado por la burguesía que quería expresar su riqueza en las fachadas dejando los interiores conservadores. [109] Otro rasgo distintivo de Arte Nova fue el uso de azulejos de producción local con motivos Art Nouveau. [109]

El artista más influyente de Arte Nova fue Francisco Augusto da Silva Rocha. [109] Aunque no se formó como arquitecto, diseñó muchos edificios en Aveiro y en otras ciudades de Portugal. [110] [109] Uno de ellos, la residencia Major Pessoa, tiene una fachada e interior Art Nouveau, y ahora alberga el Museo de Arte Nova. [109]

Hay otros ejemplos de Arte Nova en otras ciudades de Portugal. [111] [112] Algunos de ellos son el Museo-Residencia Dr. Anastácio Gonçalves de Manuel Joaquim Norte Júnior [pt] (1904-1905) en Lisboa, Café Majestic de João Queiroz [pt] (1921) y la librería Livraria Lello de Xavier Esteves [pt] (1906), ambos en Oporto.

Jugendstil en los países nórdicos Editar

Finlandia Editar

Entrada principal del edificio Pohjola Insurance (1899-1901), esculturas de Hilda Flodin

Junto al río de Tuonela (1903) en el estilo romántico nacional finlandés por Akseli Gallen-Kallela

El Art Nouveau era popular en los países nórdicos, donde generalmente se lo conocía como Jugendstil, y a menudo se combinaba con el estilo romántico nacional de cada país. El país nórdico con el mayor número de edificios Jugendstil es el Gran Ducado de Finlandia, entonces parte del Imperio Ruso. [113] El período Jugendstil coincidió con la Edad de Oro del arte finlandés y el despertar nacional. Después de la Exposición de París de 1900, el principal artista finlandés fue Akseli Gallen-Kallela. [114] Es conocido por sus ilustraciones del Kalevala, la epopeya nacional finlandesa, así como por pintar numerosos edificios Judendstil en el Ducado.

Los arquitectos del pabellón finlandés en la Exposición fueron Herman Gesellius, Armas Lindgren y Eliel Saarinen. Trabajaron juntos desde 1896 hasta 1905 y crearon muchos edificios notables en Helsinki, incluido el edificio Pohjola Insurance (1899-1901) y el Museo Nacional de Finlandia (1905-1910) [115], así como su residencia conjunta Hvitträsk en Kirkkonummi (1902). Los arquitectos se inspiraron en las leyendas nórdicas y la naturaleza, por lo que la fachada de granito rugoso se convirtió en un símbolo de pertenencia a la nación finlandesa. [116] Después de la disolución de la empresa, Saarinen diseñó la estación de tren de Helsinki (1905-1914) con formas más claras, influenciadas por la arquitectura estadounidense. [116] El escultor que trabajó con Saarinen en la construcción del Museo Nacional de Finlandia y la estación de tren de Helsinki fue Emil Wikström.

Otro arquitecto que creó varias obras notables en Finlandia fue Lars Sonck. Sus principales obras de Jugendstil incluyen la Catedral de Tampere (1902-1907), Ainola, la casa de Jean Sibelius (1903), la sede de la Asociación Telefónica de Helsinki (1903-1907) y la Iglesia Kallio en Helsinki (1908-1912). Además, Magnus Schjerfbeck, hermano de Helene Schjerfbeck, hizo el sanatorio de tuberculosis conocido como Sanatorio de Nummela en 1903 usando el estilo Jugendstil. [117] [118] [119]

Noruega Editar

Silla vikinga Art Nouveau del diseñador noruego Lars Kinsarvik (1900)

Interior del Centro Art Nouveau en Ålesund

Adornos de una puerta en el centro Art Nouveau de Ålesund

Noruega también aspiraba a independizarse (de Suecia) y el Art Nouveau local estaba relacionado con un renacimiento inspirado en el arte y la artesanía populares vikingos. Los diseñadores notables incluyeron a Lars Kisarvik, que diseñó sillas con patrones tradicionales vikingos y celtas, y Gerhard Munthe, que diseñó una silla con un emblema estilizado de cabeza de dragón de los antiguos barcos vikingos, así como una amplia variedad de carteles, pinturas y gráficos. [120]

La ciudad noruega de Ålesund está considerada como el principal centro del Art Nouveau en Escandinavia porque fue completamente reconstruida después de un incendio del 23 de enero de 1904. [121] Se construyeron alrededor de 350 edificios entre 1904 y 1907 bajo un plan urbano diseñado por el ingeniero Frederik. Næsser. La fusión de unidad y variedad dio origen a un estilo conocido como Ål Stil. Los edificios del estilo tienen una decoración lineal y ecos tanto del Jugendstil como de los elementos vernáculos, p. Ej. torres de iglesias de madera o los tejados con crestas. [121] Uno de los edificios, Swan Pharmacy, ahora alberga el Centro Art Nouveau.

Suecia y Dinamarca Editar

Jarrón con mora, pintura de Per Algot Eriksson y plata de E. Lefebvre, en el Museo Bröhan (Berlín)

Taza y platillo del servicio 'iris' (1897), en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles

Tintero y caja de sellos, de Jens Dahl-Jensen (c. 1900), en el Hessisches Landesmuseum Darmstadt (Darmstadt, Alemania)

El Gran Salón de la Biblioteca de la Ciudad de Aarhus por Karl Hansen Reistrup

Las obras maestras del Jugendstil de otros países nórdicos incluyen Engelbrektskyrkan (1914) y el Royal Dramatic Theatre (1901-1908) en Estocolmo, Suecia [122] y la antigua biblioteca municipal (ahora Danish National Business Archives) en Aarhus, Dinamarca (1898-1901). [123] El arquitecto de este último es Hack Kampmann, entonces un defensor del estilo romántico nacional que también creó Custom House, Theatre y Villa Kampen en Aarhus. El diseñador Art Nouveau más notable de Dinamarca fue el platero Georg Jensen. La Exposición del Báltico en Malmö 1914 puede verse como la última gran manifestación del Jugendstil en Suecia. [124]

Moderno en Rusia Editar

Ilustración de la Pájaro de fuego de Ivan Bilibin (1899)

Set para el ballet de Nikolai Rimsky-Korsakov Scheherazade de Léon Bakst (1910)

Diseño de programa para "Tarde de un fauno" de Léon Bakst para Ballets Rusos, (1912)

Sillas de Sergey Malyutin, Talashkino Art Colony

Chimenea de cerámica sobre el tema del folclore ruso de Mikhail Vrubel (1908)

Модерн ("Moderno") fue una variación rusa muy colorida del Art Nouveau que apareció en Moscú y San Petersburgo en 1898 con la publicación de una nueva revista de arte, "Мир искусства" (transliteración: Mir Iskusstva) ("El mundo del arte"), de los artistas rusos Alexandre Benois y Léon Bakst, y el editor jefe Sergei Diaghilev. La revista organizó exposiciones de los principales artistas rusos, incluidos Mikhail Vrubel, Konstantin Somov, Isaac Levitan y el ilustrador de libros Ivan Bilibin. El estilo del Mundo del Arte hizo menos uso de las formas vegetales y florales del Art Nouveau francés y se basó en gran medida en los colores brillantes y los diseños exóticos del folclore y los cuentos de hadas rusos. La contribución más influyente del "Mundo del Arte" fue la creación de una nueva compañía de ballet, la Ballets Rusos, encabezada por Diaghilev, con vestuario y decorados diseñados por Bakst y Benois. La nueva compañía de ballet se estrenó en París en 1909 y actuó allí todos los años hasta 1913. Los exóticos y coloridos decorados diseñados por Benois y Bakst tuvieron un gran impacto en el arte y el diseño franceses. El vestuario y la escenografía se reprodujeron en las principales revistas de París, L'Ilustración, La Vie parisienne y Gazette du bon ton, y el estilo ruso se hizo conocido en París como à la Bakst. La compañía quedó varada en París primero por el estallido de la Primera Guerra Mundial, y luego por la Revolución Rusa en 1917, e irónicamente nunca actuó en Rusia. [125]

De los arquitectos rusos, el más destacado en el estilo Art Nouveau puro fue Fyodor Schechtel. El ejemplo más famoso es la Casa Ryabushinsky en Moscú. Fue construido por un empresario ruso y propietario de un periódico y luego, después de la Revolución Rusa, se convirtió en la residencia del escritor Maxim Gorky, y ahora es el Museo Gorky. Su escalera principal, hecha de un agregado pulido de hormigón, mármol y granito, tiene líneas fluidas y rizadas como las olas del mar, y está iluminada por una lámpara en forma de medusa flotante. El interior también cuenta con puertas, ventanas y techo decorados con coloridos frescos de mosaico. [126] Schechtel, quien también es considerado una figura importante en el simbolismo ruso, diseñó varios otros edificios emblemáticos en Moscú, incluida la reconstrucción de la estación de tren de Moscú Yaroslavsky, en un estilo renacentista más tradicional de Moscú. [126]

Escalera principal de la Casa Ryabushinsky Moscú de Fyodor Schechtel (1900)

Casa Teremok en Talashkino, una obra del Renacimiento ruso de Sergey Malyutin (1901-1902)

Cartouche con mascaron, en la fachada de la Singer House, de Pavel Suzor (1904)

Casa Pertsova de Sergey Malyutin en Moscú (1905-1907)

Fachada del Hotel Metropol de Moscú con mosaicos de Mikhail Vrubel (1899-1907)

La Iglesia del Espíritu Santo en Talashkino, por Sergey Malyutin

Otros arquitectos rusos de la época crearon la arquitectura del Renacimiento ruso, que se basó en la arquitectura histórica rusa. Estos edificios se crearon principalmente en madera y se refirieron a la Arquitectura de Kievan Rus '. Un ejemplo es la Casa Teremok en Talashkino (1901-1902) de Sergey Malyutin, y la Casa Pertsova (también conocida como Casa Pertsov) en Moscú (1905-1907). También fue miembro del movimiento Mir iskusstva. El arquitecto de San Petersburgo Nikolai Vasilyev construyó en una variedad de estilos antes de emigrar en 1923. Este edificio es más notable por las tallas de piedra hechas por Sergei Vashkov inspiradas en las tallas de la Catedral de San Demetrio en Vladimir y la Catedral de San Jorge en Yuryev-Polsky de la Siglos XII y XIII. El Convento Marfo-Mariinsky (1908-1912) de Alexey Shchusev es una versión actualizada de una clásica Iglesia Ortodoxa Rusa. Más tarde, Shchusev diseñó el Mausoleo de Lenin (1924) en Moscú.

Varias colonias de arte en Rusia en este período se construyeron en el estilo del Renacimiento ruso. Las dos colonias más conocidas estaban situadas en Abramtsevo, financiada por Savva Mamontov, y Talashkino, gobernación de Smolensk, financiada por la princesa Maria Tenisheva. Un ejemplo de esta arquitectura del Renacimiento ruso es el Convento Marfo-Mariinsky (1908-1912), una Iglesia Ortodoxa Rusa actualizada por Alexey Shchusev, quien más tarde, irónicamente, diseñó el Mausoleo de Lenin en Moscú.

Jūgendstils (Art Nouveau en Riga) Editar

Fachada de la casa de Elizabetes ielā, 10b, de Mikhail Eisenstein (1903)

Escalera en la casa Pēkšēns de Konstantīns Pēkšēns (1903) que ahora alberga el museo Riga Jūgendstils

Decoración romántica nacional en una casa construida por Konstantīns Pēkšēns (1908)

Ministerio de Educación, construido por Edgar Friesendorf (1911)

Riga, la actual capital de Letonia, era en ese momento una de las principales ciudades del Imperio Ruso. No obstante, la arquitectura Art Nouveau en Riga se desarrolló de acuerdo con su propia dinámica, y el estilo se volvió abrumadoramente popular en la ciudad. Poco después de la Exposición Etnográfica de Letonia en 1896 y la Exposición Industrial y Artesanal de 1901, el Art Nouveau se convirtió en el estilo dominante en la ciudad. [127] Así, la arquitectura Art Nouveau representa un tercio de todos los edificios en el centro de Riga, lo que la convierte en la ciudad con la mayor concentración de tales edificios en todo el mundo. La cantidad y calidad de la arquitectura Art Nouveau fue uno de los criterios para incluir a Riga en el Patrimonio Cultural Mundial de la UNESCO. [128]

Hubo diferentes variaciones de la arquitectura Art Nouveau en Riga:

  • en el Art Nouveau ecléctico, los elementos florales y otros elementos de decoración inspirados en la naturaleza fueron los más populares. Ejemplos de esa variación son las obras de Mikhail Eisenstein,
  • en el Art Nouveau perpendicular, los ornamentos geométricos se integraron en las composiciones verticales de las fachadas. Se construyeron varios grandes almacenes con este estilo y, a veces, también se lo conoce como "estilo de grandes almacenes" o Warenhausstil en alemán,
  • El Art Nouveau Romántico Nacional se inspiró en el arte popular local, los volúmenes monumentales y el uso de materiales de construcción naturales.

Algunos edificios neoclásicos posteriores también contenían detalles Art Nouveau.

Estilo Sapin en La Chaux-de-Fonds, Suiza Editar

Villa Fallet con decoración inspirada en el abeto (1906) de Eduard Jeanneret (Le Corbusier) (1905)

Crematorio (1908–10), interior, con un estilizado diseño de abeto en el techo. Posteriormente se añadieron los murales simbolistas de L'Epplattenier.

Crematorio (1908–10), con detalle estilizado de "sapin" o piña

Crematorio (1908–10), con detalle de piña.

Una variación llamada Estilo Sapin ("Pine Tree Style") surgió en La Chaux-de-Fonds en el cantón de Neuchâtel en Suiza. El estilo fue lanzado por el pintor y artista Charles l’Eplattenier y se inspiró especialmente en el sapin, o pino, y otras plantas y vida silvestre de las montañas del Jura. Una de sus principales obras fue el Crematorio de la ciudad, que presentaba formas triangulares de árboles, piñas y otros temas naturales de la región. El estilo también se mezcló con los elementos estilísticos más geométricos del Jugendstil y la Secesión de Viena. [129]

Otro edificio notable en el estilo es el Villa Fallet La Chaux-de-Fonds, un chalet diseñado y construido en 1905 por un estudiante de L'Epplattenier, Charles-Édouard Jeanneret (1887-1965), de dieciocho años, más tarde conocido como Le Corbusier, La forma de la La casa era un chalet suizo tradicional, pero la decoración de la fachada incluía árboles triangulares y otras características naturales.Jeanneret construyó dos chalés más en la zona, incluido el Villa Stotzer, en un estilo de chalé más tradicional. [130] [129] [131] [132]

Estilo Tiffany y Louis Sullivan en los Estados Unidos Editar

Capilla Tiffany de la Exposición Colombina de Word de 1893, ahora en el Museo de Arte Americano Charles Hosmer Morse en Winter Park, Florida

Póster Siglo de Louis John Rhead (1894)

Lámpara de glicina de Louis Comfort Tiffany (circa 1902), en el Museo de Bellas Artes de Virginia

Ventana de Tiffany en su casa en Oyster Bay, Nueva York

los Vuelo de almas Window de Louis Comfort Tiffany ganó una medalla de oro en la Exposición de París de 1900

Detalle del edificio Prudential (Guaranty), Nueva York Louis Sullivan (1896)

En los Estados Unidos, la firma de Louis Comfort Tiffany jugó un papel central en el Art Nouveau estadounidense. Nacido en 1848, estudió en la Academia Nacional de Diseño de Nueva York, comenzó a trabajar con el vidrio a los 24 años, ingresó al negocio familiar iniciado por su padre, y en 1885 montó su propia empresa dedicada al vidrio fino, y desarrolló nuevas técnicas para su coloración. En 1893, comenzó a hacer jarrones y cuencos de vidrio, nuevamente desarrollando nuevas técnicas que permitían formas y colores más originales, y comenzó a experimentar con vidrios decorativos para ventanas. Las capas de vidrio fueron impresas, veteadas y superpuestas, dando una excepcional riqueza y variedad de color en 1895 sus nuevas obras se presentaron en la galería Art Nouveau de Siegfried Bing, lo que le dio una nueva clientela europea. Después de la muerte de su padre en 1902, se hizo cargo de toda la empresa Tiffany, pero todavía dedicó gran parte de su tiempo al diseño y fabricación de objetos de arte en vidrio. A instancias de Thomas Edison, comenzó a fabricar lámparas eléctricas con pantallas de vidrio multicolor en estructuras de bronce y hierro, o decoradas con mosaicos, producidas en numerosas series y ediciones, cada una realizada con el cuidado de una joya. Un equipo de diseñadores y artesanos trabajó en cada producto. La lámpara Tiffany, en particular, se convirtió en uno de los íconos del Art Nouveau, pero los artesanos de Tiffany (y artesanas) diseñaron e hicieron extraordinarias ventanas, jarrones y otras obras de arte en vidrio. La copa de Tiffany también tuvo un gran éxito en el 1900 Exposición Universal en París, su vidriera llamada el Vuelo de almas ganó una medalla de oro. [133] La Exposición Colombina fue un lugar importante para Tiffany, una capilla que él diseñó se mostró en el Pabellón de Arte e Industria. La Capilla Tiffany, junto con una de las ventanas de la casa de Tiffany en Nueva York, ahora se exhiben en el Museo de Arte Americano Charles Hosmer Morse en Winter Park, Florida.

Otra figura importante del Art Nouveau estadounidense fue el arquitecto Louis Sullivan. Sullivan fue uno de los principales pioneros de la arquitectura moderna estadounidense. Fue el fundador de la Escuela de Chicago, el arquitecto de algunos de los primeros rascacielos y el maestro de Frank Lloyd Wright. Su dicho más famoso fue "La forma sigue a la función". Si bien la forma de sus edificios fue determinada por su función, su decoración fue un ejemplo del Art Nouveau estadounidense. En la Exposición Mundial de Columbia de 1893 en Chicago, más famosa por la arquitectura neoclásica de su renombrado ciudad Blanca, diseñó una espectacular entrada Art Nouveau para el muy funcional Edificio de Transporte. [134] [135]

Mientras que la arquitectura de su Edificio Carson, Pirie, Scott and Company (1899) (ahora el Centro Sullivan) era sorprendentemente moderno y funcional, rodeó las ventanas con una decoración floral estilizada. Inventó una decoración igualmente original para el National Farmer's Bank of Owatonna, Minnestota (1907-1908) y el Merchants 'National Bank en Grinell, Iowa. Inventó una variedad específicamente estadounidense de Art Nouveau, declarando que las formas decorativas deben oscilar, surgir, mezclarse y derivar sin fin. Creó obras de gran precisión que a veces combinaban temas góticos con Art Nouveau. [136]

Art Nouveau en Argentina Editar

Vidrieras y esculturas de Ercole Pasina en la Casa Calise de Buenos Aires (1911)

Metalistería, cerámica y estatuas en la fachada del edificio del Club Español en Rosario (1912)

Chimenea de cerámica de la Confitería La Europea de Rosario (1916)

Inundada de inmigrantes europeos, Argentina acogió todos los estilos artísticos y arquitectónicos europeos, incluido el Art Nouveau. [137] Las ciudades con el patrimonio Art Nouveau más notable de Argentina son Buenos Aires, Rosario y Mar del Plata. [138]

París fue un prototipo de Buenos Aires con la construcción de grandes bulevares y avenidas en el siglo XIX. [137] El estilo local, junto con la influencia francesa, también siguió a la libertad italiana, ya que muchos arquitectos (Virginio Colombo, Francisco Gianotti, Mario Palanti) eran italianos. En las obras de Julián García Núñez se puede notar la influencia catalana, ya que completó sus estudios en Barcelona en 1900. [137] La ​​influencia de la Secesión de Viena se puede encontrar en el edificio Paso y Viamonte. [137]

La introducción del Art Nouveau en Rosario está relacionada con Francisco Roca Simó, que se formó en Barcelona. [139] El edificio His Club Español (1912) cuenta con una de las vidrieras más grandes de América Latina producidas (así como azulejos y cerámica) por la firma local Buxadera, Fornells y Cía. [140] El escultor del edificio es Diego Masana de Barcelona. [140]

La influencia belga en el Art Nouveau argentino está representada por la Villa Ortiz Basualdo, que ahora alberga el Museo Municipal de Arte Juan Carlos Castagnino en Mar del Plata, donde el mobiliario, los interiores y la iluminación son de Gustave Serrurier-Bovy.

Art Nouveau en el resto del mundo Editar

Palacio de Bellas Artes Art Nouveau / Neoclásico en la Ciudad de México (1904-1934)

Una boda alegórica: Boceto para una alfombra (Tríptico de derecha a izquierda): Exilio, matrimonio, redención de Ephraim Moses Lilien (1906)

Un bistró en Sofitel Legend Metropole Hanoi (1902) con diseños Art Nouveau y coloniales

Como en Argentina, el Art Nouveau en otros países fue influenciado principalmente por artistas extranjeros:

  • Los españoles estaban detrás de los proyectos Art Nouveau en La Habana, Cuba, ni siquiera estaban lo suficientemente calificados para ser llamados arquitectos. [141] Los españoles no participaron directamente en las obras en Ponce, Puerto Rico, pero fueron una inspiración y un tema de estudio para los arquitectos locales en Ponce, Puerto Rico, [142]
  • Los franceses estaban detrás del Art Nouveau en Túnez (que entonces era un protectorado francés),
  • Los alemanes estaban detrás de la herencia Jugendstil de Lüderitz, Namibia [143] Qingdao, China,
  • Los italianos estuvieron detrás del Art Nouveau en Valparaíso, Chile [144] Montevideo, Uruguay Río de Janeiro, Brasil, [145]
  • Los rusos estaban detrás de la herencia Art Nouveau de Harbin, China, [146]
  • Art Nouveau Heritage en Lima consiste en el trabajo de los hermanos italianos Masperi, el arquitecto francés Claude Sahut y los maestros británicos de vidrieras [147] en la Ciudad de México fue el resultado de la cooperación de italianos (arquitecto Adamo Boari y escultor Leonardo Bistolfi), arquitecto local Federico Mariscal, los artistas húngaros Aladár Körösfői-Kriesch, Géza Maróti y Miksa Róth, el escultor catalán Agustí Querol Subirats y el maestro francés Edgar Brandt. [148]

Los motivos Art Nouveau también se pueden encontrar en la arquitectura colonial francesa en toda la Indochina francesa.

Un movimiento artístico notable llamado escuela Bezalel apareció en la región de Palestina en los últimos períodos del mandato otomano y británico. Se ha descrito como "una fusión de arte oriental y Jugendstil". [149] Varios artistas asociados con la escuela Bezalel se destacaron por su estilo Art Nouveau, incluidos Ze'ev Raban, Ephraim Moses Lilien y Abel Pann. [150]

Golpe de Fouet o motivo de latigazo, que representa los tallos de las flores de ciclamen, de Hermann Obrist (1895)

Formas vegetales estilizadas Entrada de la estación de metro de Anvers en París por Hector Guimard (1900)

Patrones florales. Lámpara con diseño de glicina de Louis Comfort Tiffany (1899-1900)

Materiales y decoración exóticos. Gabinete de madera de caoba y amourette con decoración de nenúfares de bronce dorado de Louis Majorelle (1905–08)

Diseños florales muy estilizados en balcones y barandas. Escalera de Otto Wagner en Majolica House, Viena (1898)

El Art Nouveau temprano, particularmente en Bélgica y Francia, se caracterizó por formas onduladas y curvas inspiradas en lirios, enredaderas, tallos de flores y otras formas naturales, utilizadas en particular en los interiores de Victor Horta y la decoración de Louis Majorelle y Émile Gallé. [151] También se basó en patrones basados ​​en mariposas y libélulas, tomados del arte japonés, que eran populares en Europa en ese momento. [151]

El Art Nouveau temprano también presentaba a menudo formas más estilizadas que expresaban movimiento, como el golpe de fouet o línea de "latigazo cervical", representada en las plantas de ciclamen dibujadas por el diseñador Hermann Obrist en 1894. Una descripción publicada en Sartén revista del colgante de pared de Hermann Obrist Ciclamen (1894), lo comparó con las "curvas violentas repentinas generadas por el chasquido de un látigo", [152] El término "latigazo", aunque originalmente se usó para ridiculizar el estilo, se aplica con frecuencia a las curvas características empleadas por Art Artistas Nouveau. [152] Estas líneas decorativas onduladas y fluidas en un ritmo sincopado y una forma asimétrica se encuentran a menudo en la arquitectura, la pintura, la escultura y otras formas de diseño Art Nouveau. [152]

Otras formas florales fueron populares, inspiradas en lirios, glicinas y otras flores, particularmente en las lámparas de Louis Comfort Tiffany y los objetos de vidrio realizados por los artistas de la Escuela de Nancy y Émile Gallé. Otras formas curvas y onduladas tomadas de la naturaleza incluyen mariposas, pavos reales, cisnes y nenúfares. Muchos diseños mostraban el cabello de las mujeres entrelazado con tallos de lirios, lirios y otras flores. [153] Víctor Horta utilizó especialmente formas florales estilizadas en alfombras, balaustradas, ventanas y muebles. Héctor Guimard también las utilizó ampliamente para balaustradas y, lo que es más famoso, para las lámparas y barandas en las entradas del metro de París. Guimard explicó: "Lo que debe evitarse en todo lo que es continuo es el paralelo y la simetría. La naturaleza es el mayor constructor y la naturaleza no hace nada que sea paralelo y nada que sea simétrico". [154]

Los muebles Art Nouveau anteriores, como el de Louis Majorelle y Henry van de Velde, se caracterizaban por el uso de materiales exóticos y costosos, incluida la caoba con incrustaciones de maderas preciosas y molduras, y formas curvas sin ángulos rectos. Dio una sensación de ligereza.

En la segunda fase del Art Nouveau, a partir de 1900, la decoración se vuelve más pura y las líneas más estilizadas. Las líneas y formas curvas evolucionaron en polígonos y luego en cubos y otras formas geométricas. Estas formas geométricas se utilizaron con especial efecto en la arquitectura y el mobiliario de Joseph Maria Olbrich, Otto Wagner, Koloman Moser y Josef Hoffmann, especialmente en el Palais Stoclet de Bruselas, que anunciaba la llegada del Art Deco y el modernismo. [76] [77] [78]

Otra característica de la arquitectura Art Nouveau fue el uso de la luz, mediante la apertura de espacios interiores, mediante la eliminación de paredes y el uso extensivo de tragaluces para traer la máxima cantidad de luz al interior. La residencia-estudio de Víctor Horta y otras casas construidas por él tenían amplios tragaluces, apoyados en marcos curvos de hierro. En el Hotel Tassel eliminó los muros tradicionales alrededor de la escalera, de modo que la escalera se convirtió en un elemento central del diseño de interiores.

Como estilo artístico, el Art Nouveau tiene afinidades con los estilos prerrafaelitas y simbolistas, y artistas como Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt y Jan Toorop podrían clasificarse en más de uno de estos estilos. Sin embargo, a diferencia de la pintura simbolista, el Art Nouveau tiene una apariencia distintiva y, a diferencia del movimiento Arts and Crafts orientado a los artesanos, los artistas del Art Nouveau utilizaron fácilmente nuevos materiales, superficies mecanizadas y abstracción al servicio del diseño puro.

Art Nouveau no evitó el uso de máquinas, como lo hizo el movimiento Arts and Crafts. Para la escultura, los principales materiales empleados fueron el vidrio y el hierro forjado, lo que dio como resultado cualidades escultóricas incluso en la arquitectura. La cerámica también se empleó en la creación de ediciones de esculturas de artistas como Auguste Rodin. [155] aunque su escultura no se considera Art Nouveau.

La arquitectura Art Nouveau hizo uso de muchas innovaciones tecnológicas de finales del siglo XIX, especialmente el uso de hierro expuesto y grandes piezas de vidrio de forma irregular para la arquitectura.

Las tendencias Art Nouveau también fueron absorbidas por los estilos locales. En Dinamarca, por ejemplo, fue un aspecto de Skønvirke ("trabajo estético"), que a su vez se relaciona más estrechamente con el estilo Arts and Crafts. [156] [157] Asimismo, los artistas adoptaron muchos de los motivos florales y orgánicos del Art Nouveau en la Młoda Polska ("Joven Polonia") estilo en Polonia. [158] Młoda PolskaSin embargo, también incluía otros estilos artísticos y abarcaba un enfoque más amplio del arte, la literatura y el estilo de vida. [159]

El Art Nouveau está representado en la pintura y la escultura, pero es más prominente en la arquitectura y las artes decorativas. Se adaptaba bien a las artes gráficas, especialmente el cartel, el diseño de interiores, el arte en metal y vidrio, la joyería, el diseño de muebles, la cerámica y los textiles.

Carteles y artes gráficas Editar

Primer número de El estudio, con portada de Aubrey Beardsley (1893)

Póster para las galerías Grafton de Eugène Grasset (1893)

La impresora del interior portada de la revista por Will H. Bradley (1894)

Cartel para El libro de capítulos por Will H. Bradley (1895)

Galletas Lefèvre-Utile de Alphonse Mucha (1896)

Calendario del zodíaco de Alphonse Mucha (1896)

Ver Sacrum ilustración de Koloman Moser (1899)

ilustración de Ver Sacrum de Koloman Moser (1900)

Las artes gráficas florecieron en el período Art Nouveau, gracias a las nuevas tecnologías de impresión, en particular la litografía en color, que permitió la producción masiva de carteles en color. El arte ya no se limitaba a galerías, museos y salones, se podía encontrar en las paredes de París y en revistas de arte ilustradas, que circulaban por Europa y Estados Unidos. El tema más popular de los carteles Art Nouveau eran las mujeres que simbolizaban el glamour, la modernidad y la belleza, a menudo rodeadas de flores.

En Gran Bretaña, el principal artista gráfico del estilo Art Nouveau fue Aubrey Beardsley (1872-1898). Comenzó con ilustraciones de libros grabadas para Le Morte d'Arthur, luego ilustraciones en blanco y negro para Salomé de Oscar Wilde (1893), que le dio fama. En el mismo año, comenzó a grabar ilustraciones y carteles para la revista de arte. El estudio, que ayudó a publicitar a artistas europeos como Fernand Khnopff en Gran Bretaña. Las líneas curvas y los intrincados motivos florales atrajeron tanta atención como el texto. [160]

El artista franco-suizo Eugène Grasset (1845-1917) fue uno de los primeros creadores de carteles franceses Art Nouveau. Ayudó a decorar el famoso cabaret Le Chat noir en 1885 e hizo sus primeros carteles para el Fêtes de Paris. Hizo un célebre cartel de Sarah Bernhardt en 1890 y una amplia variedad de ilustraciones de libros. Los artistas-diseñadores Jules Chéret, Georges de Feure y el pintor Henri de Toulouse-Lautrec hicieron carteles para teatros, cafés, salas de baile, cabarets de París. El artista checo Alphonse Mucha (1860-1939) llegó a París en 1888 y en 1895 realizó un cartel para la actriz Sarah Bernhardt en la obra Gismonda de Victorien Sardou. El éxito de este cartel dio lugar a un contrato para producir carteles para seis obras más de Bernhardt. Durante los siguientes cuatro años, también diseñó decorados, vestuario e incluso joyas para la actriz. [161] [162] Basado en el éxito de sus carteles de teatro, Mucha hizo carteles para una variedad de productos, desde cigarrillos y jabón hasta galletas de cerveza, todos con una figura femenina idealizada con una figura de reloj de arena. Luego pasó a diseñar productos, desde joyas hasta cajas de galletas, con su estilo distintivo. [163]

En Viena, el diseñador de gráficos y carteles más prolífico fue Koloman Moser (1868-1918), quien participó activamente en el movimiento de la Secesión con Gustav Klimt y Josef Hoffmann, y realizó ilustraciones y portadas para la revista del movimiento. Ver Sacrum, así como cuadros, mobiliario y decoración. [164]

Pintura Editar

Pierre Bonnard, Mujeres en el jardín (1890-1891), pantallas pintadas en japonés kamemono estilo

Le Corsage rayé de Édouard Vuillard (1895), Galería Nacional de Arte

Paul Sérusier, Mujeres en la primavera, Museo de Orsay (1898)

Friso de Beethoven en el Sezessionshaus en Viena de Gustav Klimt (1902)

Acuarela y pintura en tinta de Loïe Fuller Dancing, de Koloman Moser (1902)

Esgrafiado de Paul Cauchie en su residencia y estudio, Bruselas (1905)

Detalle del friso de Gustav Klimt en el Palais Stoclet, Bruselas (1905-1911)

La pintura era otro dominio del Art Nouveau, aunque la mayoría de los pintores asociados con el Art Nouveau se describen principalmente como miembros de otros movimientos, en particular el postimpresionismo y el simbolismo. Alphonse Mucha era famoso por sus carteles Art Nouveau, lo que lo frustraba. Según su hijo y biógrafo, Jiří Mucha, no pensaba mucho en el Art Nouveau. "Qué es, Art Nouveau? preguntó. ". El arte nunca puede ser nuevo". [165] Se enorgullecía de su trabajo como pintor de historia. Su única pintura de inspiración Art-Nouveau, "Slava", es un retrato de la hija de su patrón en traje eslavo, que se inspiró en sus carteles teatrales. [165]

Los pintores más estrechamente asociados con el Art Nouveau fueron Les Nabis, artistas postimpresionistas que estuvieron activos en París desde 1888 hasta 1900. Uno de sus objetivos declarados era romper la barrera entre las bellas artes y las artes decorativas. Pintaron no solo lienzos, sino también biombos y paneles decorativos. Muchas de sus obras estuvieron influenciadas por la estética de los grabados japoneses. Los miembros incluyeron a Pierre Bonnard, Maurice Denis, Paul Ranson, Édouard Vuillard, Ker-Xavier Roussel, Félix Vallotton y Paul Sérusier. [166]

En Bélgica, Fernand Khnopff trabajó tanto en pintura como en diseño gráfico. Los murales de Gustav Klimt se integraron en el esquema decorativo de Josef Hoffmann para el Palais Stoclet. El mural de Klimt para el comedor del Palais Stoclet (1905-1911) se considera una obra maestra del Art Nouveau tardío.

Un tema apareció tanto en la pintura tradicional como en el Art Nouveau: la bailarina estadounidense Loie Fuller, fue interpretada por pintores y carteles de carteles franceses y austriacos. [167]

Un estilo particular que se hizo popular en el período Art Nouveau, especialmente en Bruselas, fue el esgrafiado, una técnica inventada en el Renacimiento para aplicar capas de yeso teñido para hacer murales en las fachadas de las casas. Esto fue utilizado en particular por el arquitecto belga Paul Hankar para las casas que construyó para dos amigos artistas, Paul Cauchie y Albert Ciamberlani.

Arte en vidrio Editar

taza Par une telle nuit de Émile Gallé, Francia, (1894)

Lampe aux ombelles por Émile Gallé, Francia, (alrededor de 1902)

Rosa de Francia taza de Émile Gallé, (1901)

Vitral Veranda de la Salle de Jacques Grüber en Nancy, Francia (1904)

Vidrio soplado con diseño floral de Karl Koepping, Alemania, (1896)

Vidrio diseñado por Otto Prutscher (Austria) (1909)

Ventana para la casa de un amante del arte, de Margaret Macdonald Mackintosh (1901)

Jarrón de gato en el púlpito, Louis Comfort Tiffany, EE. UU. (1910) [168]

Vitral Arquitectura por John La Farge U.S. (1903)

Vidrieras de Koloman Moser para la iglesia de San Leopoldo, Viena (1902–07)

El arte en vidrio fue un medio en el que el Art Nouveau encontró nuevas y variadas formas de expresión. Se llevó a cabo una intensa experimentación, particularmente en Francia, para encontrar nuevos efectos de transparencia y opacidad: en el grabado win cameo, doble capa y grabado al ácido, una técnica que permitió la producción en serie. La ciudad de Nancy se convirtió en un importante centro de la industria del vidrio francesa, y allí se ubicaron los talleres de Émile Gallé y el estudio Daum, dirigido por Auguste y Antonin Daum. Trabajaron con muchos diseñadores notables, incluidos Ernest Bussière [fr], Henri Bergé (ilustrador) [fr] y Amalric Walter. Desarrollaron un nuevo método para incrustar vidrio presionando fragmentos de vidrio de diferentes colores en la pieza sin terminar. A menudo colaboraban con el diseñador de muebles Louis Majorelle, cuya casa y talleres estaban en Nancy. Otra característica del Art Nouveau fue el uso de vidrieras con ese estilo de temas florales en salones residenciales, particularmente en las casas Art Nouveau en Nancy. Muchos fueron obra de Jacques Grüber, quien hizo ventanas para la Villa Majorelle y otras casas. [169]

En Bélgica, la firma líder fue la fábrica de vidrio de Val Saint Lambert, que creó jarrones en formas orgánicas y florales, muchas de ellas diseñadas por Philippe Wolfers. Wolfers se destacó particularmente por crear obras de vidrio simbolista, a menudo con adornos de metal adheridos. En Bohemia, entonces una región del Imperio Austro-Húngaro conocida por la fabricación de cristales, las empresas J. & amp L. Lobmeyr y Joh. Loetz Witwe también experimentó con nuevas técnicas de coloración, produciendo colores más vivos y ricos. En Alemania, la experimentación fue dirigida por Karl Köpping, quien usó vidrio soplado para crear vasos extremadamente delicados en forma de flores tan delicadas que pocos sobreviven hoy. [170]

En Viena, los diseños de vidrio del movimiento de la Secesión eran mucho más geométricos que los de Francia o Bélgica. Otto Prutscher fue el diseñador de vidrio más riguroso del movimiento. [170] En Gran Bretaña, Margaret Macdonald Mackintosh creó varios diseños de vidrieras florales para la exhibición arquitectónica llamada "La casa de un amante del arte".

En los Estados Unidos, Louis Comfort Tiffany y sus diseñadores se hicieron particularmente famosos por sus lámparas, cuyas pantallas de vidrio usaban temas florales comunes intrincadamente ensamblados. Las lámparas de Tiffany ganaron popularidad después de la Exposición Mundial de Columbia en Chicago en 1893, donde Tiffany exhibió sus lámparas en una capilla de estilo bizantino. Tiffany experimentó ampliamente con los procesos de coloración del vidrio, patentando en 1894 el proceso Favrile glass, que utilizaba óxidos metálicos para colorear el interior del vidrio fundido, dándole un efecto iridiscente. Sus talleres produjeron varias series diferentes de la lámpara Tiffany en diferentes diseños florales, junto con vidrieras, biombos, jarrones y una variedad de objetos decorativos. Sus obras fueron importadas primero a Alemania, luego a Francia por Siegfried Bing, y luego se convirtió en una de las sensaciones decorativas de la Exposición de 1900. Un rival estadounidense de Tiffany, Steuben Glass, fue fundado en 1903 en Corning, Nueva York, por Frederick Carder, quien, como Tiffany, utilizó el proceso Fevrile para crear superficies con colores iridiscentes. Otro notable artista del vidrio estadounidense fue John La Farge, quien creó vidrieras intrincadas y coloridas sobre temas religiosos y puramente decorativos. [170]

Se pueden encontrar ejemplos de vidrieras en iglesias en el artículo sobre edificios religiosos Art Nouveau.

Arte en metal Editar

Balcón de Castel Béranger en París, de Hector Guimard (1897-1898)

Barandillas de Louis Majorelle para el Bank Renauld en Nancy

Candelabro tulipán de Fernand Dubois (1899)

Lámpara de mesa de François-Raoul Larche en bronce dorado, con la bailarina Loïe Fuller como modelo (1901)

Rejilla de entrada de la Villa Majorelle en Nancy (1901–02)

Balaustre de hierro fundido de George Grant Elmslie (1899-1904)

Lámpara del arquitecto alemán Friedrich Adler (1903–04)

Lámpara de Ernst Riegel en plata y malaquita (1905)

Puerta del Palais Stoclet de Josef Hoffmann, Brussels (1905-1911)

Puerta de Villa Knopf en Estrasburgo (1905)

El teórico de la arquitectura del siglo XIX Viollet-le-Duc había abogado por mostrar, en lugar de ocultar los marcos de hierro de los edificios modernos, pero los arquitectos Art Nouveau Victor Horta y Hector Guimard fueron un paso más allá: agregaron decoración de hierro en curvas inspiradas en flores y vegetales. formas tanto en el interior como en el exterior de sus edificios. Adoptaron la forma de barandillas de escaleras en el interior, artefactos de iluminación y otros detalles en el interior, y balcones y otros adornos en el exterior. Estos se convirtieron en algunas de las características más distintivas de la arquitectura Art Nouveau. El uso de la decoración metálica en formas vegetales pronto apareció también en cubiertos, lámparas y otros elementos decorativos. [171]

En los Estados Unidos, el diseñador George Grant Elmslie realizó diseños de hierro fundido extremadamente intrincados para las balaustradas y otra decoración interior de los edificios del arquitecto Louis Sullivan de Chicago.

Mientras que los diseñadores franceses y estadounidenses usaban formas florales y vegetales, Joseph Maria Olbrich y los otros artistas de la Secesión diseñaron teteras y otros objetos de metal con un estilo más geométrico y sobrio. [172]

Joyería Editar

Cuerno tallado decorado con perlas, de Louis Aucoc (circa 1900)

Flores de esmalte translúcido con pequeños diamantes en las venas, de Louis Aucoc (circa 1900)

Broche "Flora" de Louis Aucoc (circa 1900)

Un adorno de ramillete de Louis Tiffany (1900)

Broche Dragonfly Lady de René Lalique, hecho de oro, esmalte, crisoprasa, piedra lunar y diamantes (1897-1898)

Broche con mujer de René Lalique

Broche de cuerno con esmalte, oro y aguamarina de Paul Follot (1904-09)

Las características de la joyería Art Nouveau incluyen curvas y líneas sutiles. Su diseño a menudo presenta objetos naturales como flores, animales o pájaros. El cuerpo femenino también es popular y aparece a menudo en camafeos. Con frecuencia incluía collares largos hechos de perlas o cadenas de plata esterlina puntuadas con cuentas de vidrio o terminadas en un colgante de plata u oro, que a menudo se diseñó como un adorno para sostener una sola joya facetada de amatista, peridoto o citrino. [173]

El período Art Nouveau trajo una notable revolución estilística a la industria de la joyería, liderada en gran parte por las principales firmas de París. Durante los dos siglos anteriores, el énfasis en la joyería fina se había estado creando engastes dramáticos para los diamantes. Durante el reinado del Art Nouveau, los diamantes solían desempeñar un papel secundario. Los joyeros experimentaron con una amplia variedad de otras piedras, incluyendo ágata, granate, ópalo, piedra lunar, aguamarina y otras piedras semipreciosas, y con una amplia variedad de nuevas técnicas, entre otras, esmaltado, y nuevos materiales, incluyendo cuerno, vidrio moldeado, y marfil.

Los primeros joyeros notables de París en el estilo Art Nouveau incluyeron a Louis Aucoc, cuya firma de joyería familiar data de 1821. El diseñador más famoso del período Art Nouveau, René Lalique, cumplió su aprendizaje en el estudio Aucoc desde 1874 hasta 1876. Lalique se convirtió en un centro figura de joyería Art Nouveau y vidrio, utilizando la naturaleza, desde libélulas hasta hierbas, como modelos. Artistas de fuera del mundo tradicional de la joyería, como Paul Follot, más conocido como diseñador de muebles, experimentaron con diseños de joyería. Otros notables diseñadores franceses de joyería Art Nouveau fueron Jules Brateau y Georges Henry. En los Estados Unidos, el diseñador más famoso fue Louis Comfort Tiffany, cuyo trabajo se mostró en la tienda de Siegfried Bing y también en la Exposición de París de 1900.

En Gran Bretaña, la figura más destacada fue el diseñador de Liberty & amp Co. & amp Cymric, Archibald Knox, que hizo una variedad de piezas Art Nouveau, incluidas hebillas de cinturón plateadas. C. R. Ashbee diseñó colgantes en forma de pavos reales. El versátil diseñador de Glasgow Charles Rennie Mackintosh también hizo joyas, utilizando símbolos celtas tradicionales. En Alemania, el centro de Jugendstil joyería era la ciudad de Pforzheim, donde estaban ubicadas la mayoría de las firmas alemanas, incluida Theodor Fahrner. Rápidamente produjeron obras para satisfacer la demanda del nuevo estilo. [173]

Arquitectura y ornamentación Editar

Entrada del Hôtel Solvay en Bruselas por Victor Horta (1898)

Detalle de la fachada de la Villa Majorelle de Henri Sauvage en Nancy (1901–02)

Cardos y mascarons de líneas curvas en la decoración del edificio Les Chardons de Charles Klein en París (1903)

Motivos de latigazo cervical en la estación de tren de Vitebsky por Sima Mihash y Stanislav Brzozowski, San Petersburgo (1904)

Uno de los mascarons hechos por Adamo Boari en la fachada del Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México, México (1904-1934)

Fachada asimétrica con líneas curvas del edificio De Beck de Gustave Strauven en Bruselas (1905)

Lirios y mascaron en la fachada del edificio Schichtel de Aloys Walter en Estrasburgo, Francia (1905–06)

La arquitectura Art Nouveau fue una reacción contra los estilos eclécticos que dominaron la arquitectura europea en la segunda mitad del siglo XIX. Se expresó a través de la decoración: ornamental (basada en flores y plantas, por ejemplo, cardos, [174] lirios, [175] ciclamen, orquídeas, nenúfares, etc.) o escultórica (ver la sección respectiva más abajo). Si bien los rostros de personas (o mascarons) se refieren a adornos, el uso de personas en diferentes formas de escultura (estatuas y relieves: consulte la sección respectiva a continuación) también fue común en algunas formas de Art Nouveau. Antes de la Secesión de Viena, el Jugendstil y las diversas formas de las fachadas de estilo romántico nacional eran asimétricas y, a menudo, estaban decoradas con baldosas de cerámica policromadas. La decoración generalmente sugería movimiento, no había distinción entre la estructura y el adorno. [176] Un motivo rizado o "latigazo", basado en las formas de plantas y flores, fue ampliamente utilizado en el Art Nouveau temprano, pero la decoración se volvió más abstracta y simétrica en la Secesión de Viena y otras versiones posteriores del estilo, como en el Palais Stoclet en Bruselas (1905-1911). [177]

El estilo apareció por primera vez en la Casa Hankar de Bruselas por Paul Hankar (1893) y el Hôtel Tassel (1892–93) de Victor Horta. El Hôtel Tassel recibió la visita de Héctor Guimard, que utilizó el mismo estilo en su primera obra importante, el Castel Béranger (1897-1898). Horta y Guimard también diseñaron el mobiliario y la decoración interior, hasta los pomos de las puertas y la moqueta. En 1899, basándose en la fama del Castel Béranger, Guimard recibió el encargo de diseñar las entradas de las estaciones del nuevo Metro de París, inaugurado en 1900. Aunque pocos de los originales sobrevivieron, estos se convirtieron en el símbolo del movimiento Art Nouveau. en París.

En París, el estilo arquitectónico también fue una reacción a las estrictas regulaciones impuestas a las fachadas de los edificios por Georges-Eugène Haussmann, el prefecto de París bajo Napoleón III. Las ventanas de arco finalmente se permitieron en 1903, y los arquitectos Art Nouveau se fueron al extremo opuesto, sobre todo en las casas de Jules Lavirotte, que eran esencialmente grandes obras de escultura, completamente cubiertas de decoración. Un importante barrio de casas Art Nouveau apareció en la ciudad francesa de Nancy, alrededor de la Villa Majorelle (1901–02), la residencia del diseñador de muebles Louis Majorelle. Fue diseñado por Henri Sauvage como escaparate de los diseños de muebles de Majorelle. [176]

Edificios de entrada en el Parc Güell de Antoni Gaudí en Barcelona (1900-1914)

Muchos edificios Art Nouveau se incluyeron en la lista del Patrimonio Cultural Mundial de la UNESCO como parte de sus centros urbanos (en Berna, Budapest, Lviv, París, Oporto, Praga, Riga, San Petersburgo, Estrasburgo (Neustadt), Viena). Junto con ellos, había edificios que se incluyeron en la lista como objetos separados:

  • Bélgica: las obras de Victor Horta (Hôtel Tassel, Hôtel Solvay, Hôtel van Eetvelde, Maison y Atelier Horta) [5] y el Palacio Stoclet de Josef Hoffmann en Bruselas
  • España: las obras de Lluís Domènech i Montaner [105] (Palau de la Música Catalana y Hospital de Sant Pau de Barcelona), y las obras de Antoni Gaudí [178] (Park Güell, Palau Güell, Sagrada Família, Casa Batlló, Casa Milá, Casa Vicens en Barcelona Colònia Güell en Santa Coloma de Cervelló).

Escultura Editar

Bailarina con bufanda de Agathon Léonard, realizada para la Manufacture nationale de Sèvres, Francia (1898)

Estatua de terracota policromada de Lambert Escaler [ca] en Barcelona (1901)

Alto relieve de cisnes y estatuas en el interior del Teatro Aarhus por Karl Hansen Reistrup en Aarhus, Dinamarca (1897-1900)

Alto relieve de búhos en Katajanokka de Georg Wasastjerna, Helsinki (1903)

Escultura de Ernest Bussière en Nancy, Francia

Bajorrelieve en Sprudelhof de Heinrich Jobst en Bad Nauheim, Alemania (1905-1911)

Relieve y estatua de cerámica de Stanislav Sucharda en Hradec Kralove, República Checa (1909-1912)

Gárgola de Josep Plantada i Artiga en Tortosa, Cataluña, España (1915)

Atlantes, cariátides en Sankt-Mang-Brunnen por Georg Wrba en Kempten, Alemania (1905)

Putti de cerámica en el Conservatorio de Música de Barcelona de Eusebi Arnau (1916–28)

La escultura fue otra forma de expresión para los artistas del Art Nouveau, cruzando a veces con la cerámica. La figura de porcelana Bailarina con bufanda de Agathon Léonard ganó reconocimiento tanto en cerámica como en escultura en la Exposición de París de 1900. Escultores de otros países también crearon esculturas de cerámica: el bohemio Stanislav Sucharda y Ladislav Šaloun, el belga Charles Van der Stappen y el catalán Lambert Escaler [ca], que crearon estatuas de terracota policromada. Otro escultor notable de esa época fue Agustí Querol Subirats de Cataluña que creó estatuas en España, México, Argentina y Cuba. [179]

En la escultura arquitectónica no solo se utilizaron estatuas sino también relieves. Los arquitectos y escultores Art Nouveau se inspiraron en motivos animales (mariposas, [180] pavos reales, [181] cisnes, [182] búhos, [183] ​​murciélagos, [184] dragones, [185] osos [186]). También se utilizaron Atlantes, [187] cariátides, [188] putti, [189] y gárgolas [190].

Mobiliario Editar

Armario de Richard Riemerschmid, Alemania (1902)

Comedor de Eugène Vallin, Francia (1903)

Conjunto de muebles de Victor Horta en el Hôtel Aubeque de Bruselas (1902-1904)

"Silla de caracol" y otros muebles de Carlo Bugatti, Italia (1902)

Silla de Gaspar Homar, España (1903)

Cama "Dawn and Dusk" de Émile Gallé, Francia (1904)

Sillón ajustable modelo 670 "Sitting Machine" diseñado por Josef Hoffmann, Austria (1904-1906)

Víctor Horta, muebles de Turín (1902), en la colección de la Fundación Rey Balduino.

El diseño de muebles en el período Art Nouveau estuvo estrechamente asociado con la arquitectura de los edificios, los arquitectos a menudo diseñaron los muebles, alfombras, accesorios de iluminación, picaportes y otros detalles decorativos. Los muebles eran a menudo complejos y costosos, un acabado fino, generalmente pulido o barnizado, se consideraba esencial, y los diseños continentales generalmente eran muy complejos, con formas curvas que eran costosas de hacer. También tenía el inconveniente de que el dueño de la casa no podía cambiar los muebles o agregar piezas en un estilo diferente sin interrumpir todo el efecto de la habitación. Por esta razón, cuando la arquitectura Art Nouveau pasó de moda, el estilo de los muebles también desapareció en gran medida.

En Francia, el centro de diseño y fabricación de muebles estaba en Nancy, donde dos importantes diseñadores, Émile Gallé y Louis Majorelle tenían sus estudios y talleres, y donde la Alliance des industries d'art (más tarde llamada Escuela de Nancy) había sido fundada en 1901. Ambos diseñadores basaron su estructura y ornamentación en formas tomadas de la naturaleza, incluidas flores e insectos, como la libélula, un motivo popular en el diseño Art Nouveau. Gallé fue particularmente conocido por su uso de la marquetería en relieve, en forma de paisajes o temas poéticos. Majorelle era conocido por su uso de maderas exóticas y caras, y por pegar bronce esculpido en temas vegetales a sus muebles. Ambos diseñadores utilizaron máquinas para las primeras fases de fabricación, pero todas las piezas se terminaron a mano. Otros diseñadores de muebles notables de la Escuela de Nancy fueron Eugène Vallin y Émile André, ambos arquitectos de formación, y ambos diseñaron muebles que se parecían a los muebles de diseñadores belgas como Horta y Van de Velde, que tenían menos decoración y seguían más de cerca las plantas curvas. y flores. Otros diseñadores franceses notables fueron Henri Bellery-Desfontaines, quien se inspiró en los estilos neogóticos de Viollet-le-Duc y Georges de Feure, Eugène Gaillard y Édouard Colonna, quien trabajó junto con el marchante de arte Siegfried Bing para revitalizar a los franceses. industria del mueble con nuevas temáticas. Su trabajo era conocido por el "naturalismo abstracto", su unidad de líneas rectas y curvas y su influencia rococó. El mobiliario de de Feure en el pabellón Bing ganó una medalla de oro en la Exposición de París de 1900. El diseñador francés más inusual y pintoresco fue François-Rupert Carabin, escultor de formación, cuyos muebles presentaban formas femeninas desnudas esculpidas y animales simbólicos, en particular gatos, que combinaban elementos Art Nouveau con simbolismo. Otros diseñadores de muebles influyentes de París fueron Charles Plumet y Alexandre Charpentier. [191] En muchos sentidos, el antiguo vocabulario y las técnicas de los muebles rococó franceses clásicos del siglo XVIII fueron reinterpretados en un nuevo estilo. [10]

En Bélgica, los arquitectos pioneros de la Movimiento Art Nouveau, Victor Horta y Henry van de Velde, diseñaron muebles para sus casas, con vigorosas líneas curvas y un mínimo de decoración.El diseñador belga Gustave Serrurier-Bovy agregó más decoración, aplicando tiras de latón en formas curvas. En los Países Bajos, donde el estilo se llamaba Nieuwe Kunst o Arte Nuevo, H. P. Berlag, Lion Cachet y Theodor Nieuwenhuis siguieron un rumbo diferente, el del movimiento Arts and Crafts inglés, con formas racionales más geométricas.

En Gran Bretaña, el mobiliario de Charles Rennie Mackintosh era puramente artístico, austero y geométrico, con largas líneas rectas y ángulos rectos y un mínimo de decoración. [192] Los diseños de Continental eran mucho más elaborados, a menudo usando formas curvas tanto en las formas básicas de la pieza como en los motivos decorativos aplicados. En Alemania, el mobiliario de Peter Behrens y el Jugendstil era en gran parte racionalista, con líneas rectas geométricas y algo de decoración adherida a la superficie. Su objetivo era exactamente lo opuesto a la simplicidad de la estructura y la simplicidad de los materiales del Art Nouveau francés, para muebles que pudieran ser económicos y fáciles de fabricar en masa. Lo mismo ocurrió con el mobiliario de los diseñadores de la Wiener Werkstätte de Viena, encabezados por Otto Wagner, Josef Hoffmann, Josef Maria Olbrich y Koloman Moser. El mobiliario era geométrico y tenía un mínimo de decoración, aunque en estilo a menudo seguía el precedente histórico nacional, particularmente el estilo Biedemeier. [193]

El diseño de muebles italiano y español se fue en su propia dirección. Carlo Bugatti en Italia diseñó la extraordinaria Silla Snail, de madera revestida con pergamino pintado y cobre, para la Exposición Internacional de Turín de 1902. En España, siguiendo el ejemplo de Antoni Gaudí y el Modernismo movimiento, el diseñador de muebles Gaspar Homar diseñó obras que se inspiraron en formas naturales con toques de estilos históricos catalanes. [120]

En los Estados Unidos, el diseño de muebles se inspiró más a menudo en el movimiento Arts and Crafts, o en modelos estadounidenses históricos, que en el Art Nouveau. Un diseñador que sí introdujo los temas Art Nouveau fue Charles Rohlfs en Buffalo, Nueva York, cuyos diseños para muebles de roble blanco estadounidense se vieron influenciados por motivos del arte celta y el arte gótico, con toques de Art Nouveau en los adornos metálicos aplicados a las piezas. [120]


La historia detrás ... Joyas Art Nouveau

La última entrega de la serie de joyas antiguas y de propiedad de National Jeweler examina las joyas Art Nouveau, que se crearon en Francia entre 1895 y 1910.

Nueva York: fue un período de diseño de corta duración que se centró en las mujeres y la naturaleza y solo lo usaron miembros selectos de la sociedad.

Un ejemplo de joyería Art Nouveau es este colgante con cara de marfil, creado alrededor de 1859 por el diseñador francés Leon Gariod.

Se trataba de joyas Art Nouveau, creadas en Francia a fines del 1800 y principios del 1900, un tiempo antes de la Primera Guerra Mundial, cuando la fabricación en masa comenzó y la absenta fluía.

Recientemente, Elyse Zorn Karlin, codirectora de la Asociación para el Estudio de la Joyería y Artes Afines, caminó Joyero Nacional a través de este período fascinante, pero de corta duración, en el diseño de joyas.

¿Cuándo y dónde fue popular la joyería Art Nouveau? Las joyas Art Nouveau ("arte nuevo") se crearon en Francia entre 1895 y 1910 aproximadamente, siguiendo los pasos de los diseños "exagerados" de la época victoriana (que terminó con la muerte de la reina Victoria en 1901) y creando un sorprendente contraste con la diseños tradicionales de estilo eduardiano de esa época, dijo Karlin.

Mientras que en otros países se fabricaban joyas con una estética similar durante el mismo período de tiempo, por ejemplo, Jungenstil en Alemania y Austria, las verdaderas joyas Art Nouveau son decididamente francesas.

Fue un período de corta duración en el diseño de joyas, que duró solo unos 15 años, debido al inicio de la Primera Guerra Mundial y porque las piezas eran tan exageradas que la gente rápidamente perdió interés en ellas.

¿Por qué se creó la joyería Art Nouveau? Como todo arte, el espíritu de la época de una época en particular está escrito en el diseño de sus joyas.

Karlin dijo que las joyas Art Nouveau eran una reacción a una serie de cosas que sucedían en la sociedad francesa en ese momento, incluida la lucha de las mujeres para asegurarse más derechos fuera del hogar mediante la educación y el trabajo.

Los franceses en particular parecían tener un miedo "desmesurado" de lo que sucedería con su sociedad si las mujeres ganaran la igualdad de derechos por la que estaban luchando, dijo.

Esto se debió en parte a la pérdida de la nación en la guerra franco-prusiana, que fue enormemente humillante y dejó a Francia sintiéndose vulnerable. La idea de que las mujeres se fueran a trabajar fuera de casa avivó los temores de que la tasa de natalidad cayera, dejando al país sin suficientes hombres para apoyar a futuros ejércitos.

Por eso, dijo Karlin, gran parte del Art Nouveau se centra en la mujer.

Las piezas representan a una mujer encantadora e inofensiva con el pelo suelto y un rostro dulce, mujeres de "fantasía", como mujeres sexualizadas


Libros de historia Art Déco

Fue Bevis Hiller quien escribió el primer libro sobre la historia y el diseño del Art Deco en 1968 y probablemente fue el primero en usar el término para describir el estilo de las décadas de 1920 y 1930. & # Xa0

Hoy en día, se entiende que el estilo comenzó alrededor de 1910 y continuó hasta 1939 y el estallido de la Segunda Guerra Mundial. & # Xa0 Abarca los diseños geométricos, exóticos, aerodinámicos de la era de las máquinas y mucho más que es tan difícil de describir, pero tan obvio cuando lo ves. & # xa0

Se ha escrito una montaña de guías y libros para coleccionistas que analizan las influencias que se unieron durante la historia del Art Deco, que realmente ha sido un estilo dominante durante la mayor parte del siglo XX. & # Xa0 Decolish tiene su propia librería: haga clic aquí para navegar. & # xa0


Historia del Art Nouveau y del Art Deco - HISTORIA

El Art Nouveau fue un fenómeno vibrante pero de corta duración que floreció pero de 1890 a 1910 y tocó todas las artes visuales. Moda y muebles, vasijas y pinturas, libros y edificios, ningún objeto era demasiado pequeño o demasiado grande, demasiado precioso o demasiado ordinario, para ser moldeado por el diseñador trabajando de acuerdo con los ideales, morales y sociales, así como estéticos, asociados con el Art Nouveau, aunque estos ideales nunca se codificaron en un manifiesto coherente y se inflexionaron según el lugar en el que se practicaban. Aunque los historiadores pueden cuestionar la extensión, cronológica y geográficamente, así como la validez misma de un estilo Art Nouveau, varias características que unen a sus representantes pueden resumirse de manera creíble: primero, el deseo de evitar el historicismo tan dominante durante el siglo XIX, utilizando como inspiración la naturaleza en toda su fertilidad y heterogeneidad en segundo lugar, un énfasis en el poder expresivo de la forma y el color y una aspiración de refinar y elevar el tercer mundo material, una determinación de borrar la distinción entre las bellas artes y las artes aplicadas, entre las diseñador y artesano, entre el arte y la vida cotidiana y cuarto, la voluntad de experimentar con los materiales, transformando el carácter de los tradicionales, como la piedra, las vidrieras y el mosaico, e inventando nuevos usos y formas para los de reciente desarrollo, arriba Todo en hierro fundido y forjado.

En la arquitectura y las artes decorativas, hay una mayor apreciación del papel de la ornamentación, pero una ornamentación que era novedosa en su carácter formal y no se aplicaba simplemente a la estructura, sino que se integraba con ella. Si hubo influencias del pasado lejano en el tiempo y el espacio, no llevaron a los avivamientos imitativos tan típicos del siglo XIX. Aunque se estudiaron el arte japonés, islámico y javanés, la arquitectura medieval y los interiores rococó, las lecciones aprendidas se asimilaron en una síntesis creativa destinada a responder al comienzo del nuevo siglo. Fuentes más inmediatas fueron los críticos-teóricos del Renacimiento gótico, en particular John Ruskin (1819-1900) y EEViollet-le-Duc (1814-79), y figuras asociadas con las artes y oficios ingleses y los movimientos estéticos, como William Morris (1834-1896). Si sus objetivos fueron a veces interpretados de manera contradictoria, las reformas sociales y profesionales que estos pensadores adoptaron anticiparon muchos aspectos de la revolución positiva en el diseño lograda bajo la égida del Art Nouveau & rsquos.

El impulso de abrazar lo nuevo y romper con el pasado está plasmado en los mismos nombres que designan este fenómeno fin-de-siècle: Modern Style en Francia, Jugendstil en Alemania, Modernismo en España, Nieuwe Kunst en Holanda, todavía moderno en Rusia y Art Nouveau en tierras de habla inglesa. Su postura antiacadémica está incorporada en el término Secessionstil, utilizado en Austria y Europa del Este. Las dos denominaciones italianas identifican fuentes: stilo Liberty, que sugiere tanto la búsqueda de la libertad como la influencia inglesa (la tienda, Liberty & rsquos of London, fue uno de los primeros proveedores de bienes que apelaron a las sensibilidades del Art Nouveau), y stilo floreale, que implica formal génesis en el mundo de las plantas. Sus detractores pueden haberlo apodado Vermicelli-stijl (Países Bajos) o Spook Style (Gran Bretaña), pero estos epítetos no impidieron su adopción generalizada. El Art Nouveau fue a la vez internacional y regional. Los principios de originalidad, integridad orgánica y uso simbólico del ornamento se tradujeron de acuerdo con las tradiciones nacionales. Especialmente en Escandinavia, Escocia, Suiza, Rusia y Europa del Este, el romanticismo nacional fue un componente del Art Nouveau, y los motivos campesinos y vernáculos estilizados, así como la memoria de los edificios medievales locales, dieron sabor a sus producciones.

Otro principio de diferenciación es si el lenguaje es predominantemente curvilíneo o rectilíneo. En Bélgica, Francia y España, la rama curvilínea, donde la simetría y la repetición se evitaban asiduamente y las formas vegetales sinuosas informaban tanto a la estructura como al ornamento, dominaba la rama rectilínea, donde la geometría controlaba la estilización de las formas naturales, era preponderante en los Países Bajos, la Imperio austro-húngaro, Escocia y Estados Unidos. Sin embargo, uno puede reconocer instantáneamente en las permutaciones nacionales o locales particulares los elementos visuales y táctiles asociados con el Art Nouveau. Los arquitectos Art Nouveau buscaron el desafío de tipos de edificios sin precedentes, como las estaciones de tránsito rápido y los grandes almacenes, y no limitaron sus encargos a la arquitectura doméstica, aunque las casas privadas: Hill House, Helensborough (1902–04) por Charles Rennie Mackintosh (1868–1928) ) la casa de David Gamble en Pasadena (1908) de Greene y Greene (Charles Sumner [1868–1957] y Henry Mather [1870– 1954]) - y bloques de pisos — Castel Beranger, París (1895–97) de Hector Guimard ( 1967–1942) Majolikahaus, Viena (1898–99) por Otto Wagner (1841–1918) —proporcionan algunos de los ejemplos más notables. Por lo tanto, el metro de París empleó a Guimard, y la Stadtbahn de Viena encargó a Wagner que creara las estructuras adecuadas para esta instalación urbana más contemporánea. La Samaritaine, París (1903–05) de Frantz Jourdain (1847–1935) y Carson, Pirie, Scott, Chicago (1899–1904) de Louis Sullivan (1856–1924) dan testimonio de la atracción comercial Art Nouveau y rsquos para los compradores.

Varias paradojas complican la definición de Art Nouveau. Elementos fantásticos han llevado a los comentaristas a calificar a sus discípulos de "irracionales", pero muchos de los arquitectos eran racionalistas en su enfoque sofisticado de la tecnología, al igual que la mayoría estaban motivados por el deseo de democratizar la sociedad. Algunos de sus acólitos eran ferozmente individualistas, mientras que otros trabajaban cooperativamente en comunas y talleres. Sus productos solían ser extravagantemente lujosos y hechos por encargo para clientes ricos, pero muchos se producían en masa, y el vocabulario, manifestado en carteles, vajillas y textiles, apelaba notablemente al gusto popular. El antagonismo entre lo hecho a máquina y lo artesanal que rugió durante el siglo XIX se reconcilió en cierta medida en el Art Nouveau. Fue uno de los primeros movimientos en difundirse a través de revistas especializadas que potenciaron su alcance: Van Nu en Straks (Bruselas-Amberes, 1892), The Studio (Londres, 1893), Pan (Berlín, 1895), Dekorative Kunst (Múnich, 1897), Deutsche Kunst und Dekoration (Darmstadt, 1897), L & rsquoArt Decorati f (París, 1898) y Ver Sacrum (Viena, 1898) son solo algunas de las revistas que hicieron proselitismo por la arquitectura y el diseño Art Nouveau.

El concepto de Gesamtkunstwerk (obra de arte total) fue más potente que en cualquier otro momento desde el siglo XVIII. Por lo tanto, los diseñadores y artesanos de muchos medios jugaron un papel crucial, aunque el arquitecto, que controlaba el entorno general, era especialmente poderoso. Uno de los casos más llamativos es el del belga Henri van de Velde (1863-1957), que comenzó su carrera como pintor y en 1895, en su casa de Uccle, estableció una influyente empresa de decoración. No solo diseñó el edificio, sino todo lo que había dentro: muebles, mesas, papel tapiz, accesorios de iluminación, tapices, incluso la ropa de su esposa y sus rsquos. Van de Velde pasó a proporcionar a Samuel Bing, el empresario cuya tienda parisina se llamaba & ldquoArt Nouveau & rdquo, muchos de sus muebles que marcan tendencia. Miembro de la organización belga de vanguardia, Les Vingt (Les XX), que tenía vínculos con el simbolismo francés y las artes y oficios ingleses, Van de Velde fue un vínculo importante entre los diversos grupos que alimentaron el Art Nouveau en 1897. a Alemania y ayudó a cristalizar el naciente Jugendstil. Su carrera ilustra el carácter cosmopolita del Art Nouveau.

Uno de los motores de la rápida difusión del Art Nouveau fue la exposición internacional. Las exposiciones en París en 1900 y en Turín en 1902, donde casi todos los pabellones y sus contenidos proclamaban el dominio del Art Nouveau & rsquos, pueden considerarse el punto culminante del movimiento. Otros medios de difusión fueron las escuelas y museos de artes aplicadas fundados a finales del siglo XIX, que educaban a los artesanos y al público en general sobre la importancia del entorno construido. El Museo Folkwang en Hagen, Alemania, y el Museo Austriaco de Artes Aplicadas en Viena siguieron el ejemplo de London & rsquos Victoria and Albert Museum, establecido a raíz de la primera exposición internacional (Crystal Palace), de 1851, para exhibir artes decorativas dignas de emulación. Una curiosidad del movimiento fue la tendencia de algunos de sus seguidores, incluidos los patrocinadores, a poner en marcha talleres, empresas e incluso comunidades de almas de ideas afines. La Vereinigte Werkstätten für Kunst und Handwerk (Munich, 1897), The Interior, (Amsterdam, 1900) y la Wiener Werkstätte (Viena, 1903) produjeron objetos decorativos basados ​​en los principios del Art Nouveau.

Se iniciaron colonias donde los artistas podían perseguir conjuntamente el ideal de Gesamtkunstwerk, incluida la Künstlerkolonie en Darmstadt, Alemania, donde el Gran Duque Ernst de Hesse en 1899 invitó a varios diseñadores a vivir y trabajar. Podría decirse que el lugar de nacimiento del Art Nouveau maduro es Bruselas, y la figura más asociada con su brillantez es Victor Horta. Su Tassel House (1893) es ampliamente aceptada como el primer ejemplo de arquitectura Art Nouveau: las sinuosas curvas del ornamento orgánico bidimensional y tridimensional y la ingeniosa combinación de mampostería y metal, azulejos y vidrieras, fueron imitadas en todo el continente. . La obra más grande de Horta & rsquos, la Maison de Peuple (1895-1899 demolida), demostró el aspecto popular del estilo. Los industriales ricos no solo podían complacer su gusto por él, sino que sus empleados también reconocían que evocaba sus aspiraciones. Así, el Partido Obrero Socialdemócrata de Bélgica eligió el Art Nouveau como el lenguaje apropiado para su nueva sede. El llamativo edificio, adornado con los nombres de Karl Marx y otros socialistas, parece crecer desde su sitio montañoso, sus contornos ondulados como si se ajustaran a los dictados contextuales. El marco de hierro utilizado en combinación con ladrillo y piedra permite un plan libre con espacios de alturas y dimensiones variadas, perfecto para acomodar las diferentes funciones del programa y rsquos, reveladas en el exterior a través de la ventana individualizada, nada es regular ni repetitivo. La puerta principal se asemeja a una misteriosa cueva o boca que atrae a uno a sus recovecos, siendo la empatía una cualidad explotada por muchos arquitectos Art Nouveau.

Comparables en términos de apariencia naturalista, huella irregular y exploración audaz de respuestas cinestésicas y emocionales a la forma y el espacio son la Casa Milá (1906-10) en Barcelona de Antonio Gaudí, y el edificio Humbert de Romans en París (1897-1901 destruido ) de Guimard. Como el belga, el catalán y el francés estaban en deuda con Viollet-le-Duc, especialmente sus proyectos utilizando el nuevo material de hierro, pero donde Viollet todavía estaba esclavo de sus fuentes góticas, este trío posterior las subsume en un vocabulario totalmente novedoso. derivado de la flora y la fauna.

El devoto Gaudí creía que "la naturaleza es Dios" arquitecto "(Collins, 1960), mientras que Guimard veía a la naturaleza como" un gran libro del que inspirarse ", en sustitución de los tomos arqueológicos de los renovadores. La versión más rectilínea del Art Nouveau conserva la naturaleza como fuente básica de imágenes pero enfatiza la subestructura geométrica subyacente a las formas orgánicas, como lo describe con particular perspicacia el teórico alemán Gottfried Semper (1803-79), y la simetría no es rechazada. Las obras de HPBerlage, Wagner, Olbrich y Josef Hoffmann pertenecen a este campo, al igual que las de diseñadores en Gran Bretaña y los Estados Unidos con raíces directamente en el movimiento Arts and Crafts (por ejemplo, CRAshbee, Mackintosh, Charles Harrison Townsend, Frank Lloyd Wright y los hermanos Greene). Predominan los ángulos rectos y las líneas rectas, los motivos decorativos estilizados son menos intuitivos y más cerebrales, y la estructura metálica, aunque ocasionalmente presente, se subordina a materiales más convencionales como la madera, la piedra y el ladrillo, este último muchas veces enlucido. La mayoría de los arquitectos del Alto Art Nouveau se apartaron del estilo a finales de la primera década del siglo XX, los de la rama curvilínea hacia el Expresionismo, los que practicaban la versión rectilínea hacia el modernismo o academicismo en Francia y Austria, el Art Nouveau suavemente metamorfoseado en Art Deco. En la segunda mitad del siglo XX, se han producido avivamientos esporádicos del Art Nouveau. Puede que haya sido breve su reinado, pero el hechizo Art Nouveau y rsquos perdura.

Sennott R.S. Enciclopedia de la arquitectura del siglo XX, Vol.1 (A-F). Fitzroy Dearborn., 2004.

VÍNCULOS INTERNOS

MÁS LECTURA

Después de su rechazo decisivo en la primera década del siglo XX, el interés académico y popular por el Art Nouveau se evaporó (aunque el curso del Art Deco en muchos sentidos recapituló el del Art Nouveau), gracias en parte a un renacimiento del historicismo, pero más definitivamente a el triunfo del modernismo internacional, con su proscripción contra el ornamento.Luego, en 1959, llegó la innovadora exposición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y rsquos. Es difícil determinar si la exposición impulsó una atención renovada o si la muestra en sí fue impulsada por un repentino frenesí coleccionista de objetos Art Nouveau, pero lo que está claro es que el Art Nouveau alcanzó gradualmente una respetabilidad a la que no ha renunciado. El catálogo del MoMA fue importante también porque incluía arquitectura, aunque la mayoría de las publicaciones posteriores continuaron enfatizando las artes decorativas hasta 1979, cuando Frank Russell editó un volumen dedicado a la arquitectura. Desde entonces, se ha reconocido la importancia vital de la arquitectura para el movimiento en su conjunto, y las encuestas no dejan de incluir edificios que encajan dentro del canon.

Amaya, Mario, Art Nouveau, Londres: Studio Vista, 1966

Borsi, Franco, Bruxelles 1900, Bruselas: M. Vokaer, 1974

Borsi, Franco y Ezio Godoli, París 1900, Nueva York: Rizzoli, 1977

Brunhammer, Yvonne, Art Nouveau Bélgica, Francia, Houston: Rice University, 1976

Collins, George, Antonio Gaudí, Nueva York: Braziller, 1960

Cremonan, Italo, Il Tempo dell & rsquoArt Nouveau: estilo moderno, Sezession, Jugendstil, Arts and Crafts, Floreale, Liberty, Florencia: Vallechi, 1964

Lambourne, Lionel, artesanos utópicos, Salt Lake City: Peregrine Smith, 1980

Pevsner, Nicolaus y JM Richards (editores), The Anti-Rationalists, Londres: The Architectural Press, 1973

Rheims, Morris, The Flowering of Art Nouveau, traducido por Patrick Evans, Nueva York: Abrams, [1966] Russell, Frank (editor), Art Nouveau Architecture, Londres: Academy Editions, 1979

Selz, Peter y Mildred Constantine (editores), Art Nouveau — Art and Design at the Turn of the Century, Nueva York: Museo de Arte Moderno, 1975

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Weisberg, Gabriel y Elizabeth Menon, Art Nouveau: A Research Guide for Design Reform in France, Belgium, England and the United States, Nueva York: Garland, 1998


Historia del Art Nouveau Silver

Héctor Guimard (1867 - 1942) fue el arquitecto francés que diseñó las entradas del metro parisino. La fotografía de arriba muestra la entrada de Station d'Etoile. Lamentablemente, esta estructura ya no está allí, pero quedan ochenta y ocho de estas estructuras.

HECTOR GUIMARD & amp ADELINE OPPENHEIM GUIMARD

En Francia, el Art Nouveau fue conocido como Guimard en honor a este gran arquitecto. En Italia se llamó Stile Floreale (estilo floral), en Austria - Sezessionstil (estilo secesión), España - Modernismo, Alemania Jugendstil (estilo juvenil).

De 1820 a 1890, la plata francesa estuvo dominada por lo que se puede describir mejor como 'eclecticismo', una infusión de influencias de todos los estilos del siglo XIX, desde las formas neoclásicas hasta los estilos floridos y extravagantes que culminaron en Art Nouveau Spectacular Naturalism, donde lo natural Las formas y el arte hacen que casi te olvides de los materiales utilizados, como la puerta de La Maison Lavirotte. Es como si la forma se volviera más importante que los materiales utilizados. El Art Nouveau capta la atención como ningún otro movimiento, ni siquiera el Art Deco.

Jules Lavirotte (1864-1929) fue el arquitecto que diseñó La Maison Lavirotte. Esta entrada muestra la naturaleza extravagante e intrincada del Art Nouveau.

El sello de perro con figura de estilo Art Nouveau de plata esterlina totalmente contrastada más hermoso. Este hermoso sello tiene los motivos foliados en relieve más ornamentados. Esta antigüedad bien hecha está modelada de tal manera que cada parte está decorada, las superficies enlucidas de modo que no se vean huellas dactilares o marcas, excepto el sello grabado en la base que lleva la L M inicial en escritura gótica. Mide 7 cm y el amperio pesa 15 gramos. Más regalos de plata antiguos.

Después de 1850, los plateros comenzaron a colaborar con hábiles esmaltadores, escultores y delineantes. Estas piezas notables reflejan este período de creatividad altamente productivo en Francia. Lo mismo puede decirse también de los plateros ingleses.

Un exquisito colgante de aguamarina y perla eduardiana de oro de 9 quilates. Una pieza gloriosa de Art Nouveau que está modelada en forma de corazón. Pequeñas perlas de semillas adornan este colgante y están configuradas para formar el medio de motivos florales y bayas en las hojas. Tradicionalmente, la aguamarina es la piedra de nacimiento de marzo.

Los tocadores durante esta era no fueron diseñados para ser portátiles. Eran accesorios de tocador. La tapa de este hermoso cuenco de polvo Art Nouveau está adornada con una concha de almeja, trabajo de volutas, flora y follaje. Este diseño continúa a lo largo de toda la antigüedad, ejecutado con perfecto equilibrio y simetría. La tapa y la base tienen la marca del centurión precedida por el número 1 que indica plata .950 y la marca del fabricante. M edidas 5 cm y peso 26,9 gramos.

La plata estaba decorada con figuras alegóricas y mitológicas. Los refranes conocidos se convirtieron en objet d'art. Por ejemplo, Le Renard et les Raisins de La Fontaine. Vea el caso de vesta que representa la famosa fábula donde el zorro mirando unas uvas que simplemente no puede alcanzar, declara malhumorado que eran demasiado verdes de todos modos: "ILS SONT TROP VERT".

Los plateros perfeccionaron su arte hasta tal punto que los materiales se transformaron. Es difícil de comprender hasta que ve la puerta de La Maison Lavirotte. El estilo domina tanto que esto es más arte que una entrada a un edificio. Estamos asombrados. La frase Art Nouveau Spectacular Naturalism se utilizó para resumir esto.

El caso de abajo está tan moldeado que incluso las bisagras, los bordes y el área alrededor del pestillo del pulgar se trabajaron para dar la apariencia de que esto era algo natural. Este no es solo un caso en el que se ha trabajado un grabado en la tapa, la base o ambas. Toda la pieza de plata se transforma.

Este estuche de Emile Grénet se fabricó en el siglo XIX. Estuvo activo en 1888, pero se sabe muy poco sobre este fabricante y hasta ahora no hemos podido encontrar ninguna otra pieza hecha por él. Seguramente debe haber algunos, pero Francia sufrió una gran conmoción durante las dos guerras mundiales y muchas obras de arte desaparecieron y los registros de la compañía se redujeron a polvo.

El estuche está hecho en la gran tradición de los plateros franceses del siglo XIX que son famosos por su interpretación de fábulas, alegorías y refranes. Encontrar un caso como este que ilustra probablemente el proverbio más conocido 'Los robles poderosos de las pequeñas bellotas crecen' es un sueño hecho realidad y cuando sostienes el caso te das cuenta de que Emile Grénet ha convertido la plata en naturaleza: mira cada borde, el área por la trampa, todo el caso se ha transformado. No es para este platero una tapa y una base de amplificador con imágenes grabadas, pero toda la caja externa es una fusión de la naturaleza con la plata de alta calidad. Esta es una pieza que nunca debe limpiarse, ya que la arruinaría. La luz y la pantalla amplifican el estuche a la perfección.


Un juego de cigarrillos de plata esterlina francesa del siglo XIX y estuches de vesta adornados con manticoras. Este conjunto de alta calidad fue realizado por el maestro platero Charles Murat. La elección de un híbrido mítico para adornar estos estuches los hace altamente coleccionables. La descripción de la manticora varía de la época al país del narrador. Incluso hoy en día, las manticoras aparecen en libros y películas muy populares, como la serie de Harry Potter. Se ha descrito que las mantícoras tienen la cabeza y el cuerpo de un león / leona, la lengua y la cola de una serpiente o lagarto y las alas de un dragón o un pájaro. En este caso, tienen la cabeza y el cuerpo de una leona, una lengua y cola de lagarto y las alas de un pájaro. En algunos casos, las manticoras tienen cabezas humanas. Los frentes de estos casos tienen espléndidas manticoras que se ven realmente muy feroces. Justo debajo de las criaturas hay escudos como cartuchos y toda la decoración del repositorio es soberbia, ornamentada y compleja. Las partes posteriores de las cajas tienen la misma atención al detalle y se incorporan al diseño que emerge de las hojas, la cabeza de la mantícora: elegante, parecida a un león y feroz. Ambos casos están completamente sellados y llevan la marca del fabricante de Charles Murat. La pitillera mide 8 cm x 6,3 cm y pesa 61,6 gramos. El estuche vesta mide 4,6 cm x 3,2 cm y pesa 18,7 gramos.


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