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Disco de bronce



Estatua de bronce del lanzador de Diskos

los Estatua de bronce del lanzador de Diskos es una estatua de bronce de 24,51 cm de un joven atleta desconocido. [1] Se desconoce el origen exacto de la estatua, aunque se cree que se encuentra en algún lugar del Peloponeso. [2] Se encontró en la isla de Chipre. La estatua se exhibe actualmente en el Museo Metropolitano de Arte en la ciudad de Nueva York. [ cita necesaria ]

Lanzador de Diskos de bronce
ArtistaDesconocido
Año480–460 a. C.
EscribeBronce
LocalizaciónThe Met, Nueva York


Las 10 mejores esculturas

Durante muchos siglos, los grandes artistas han proporcionado a la humanidad cosas increíbles. Una de esas cosas increíbles es el arte de esculpir. Continúe leyendo para conocer estas asombrosas obras de arte.

Hecho en 1440 & rsquos, por Donatello (1386-1466), Bronze David es una de las esculturas más famosas de la actualidad. Es notable como la primera obra de pie sin apoyo en bronce fundido durante el período del Renacimiento, y la primera escultura masculina desnuda independiente realizada desde la antigüedad. Representa al joven David con una sonrisa enigmática, posado con su pie sobre la cabeza cortada de Goliat y rsquos justo después de matar al gigante. El joven está desnudo, aparte de un sombrero de laurel y botas, portando la espada de Goliat. También hay mucha especulación sobre cuándo se construyó. Las fechas sugeridas varían desde la década de 1420 hasta la de 1460, aunque se desconoce la fecha exacta.

La escultura, conocida como Bird Girl, fue creada en 1936 por la escultora Sylvia Shaw Judson (1897-1978) en Lake Forest, Illinois. Alcanzó la fama cuando apareció en la portada de la novela de 1994, Medianoche en el jardín del bien y del mal. Fue esculpido en Ragdale, la casa de verano de su familia. Bird Girl está fundida en bronce y mide 50 pulgadas de alto. Es la imagen de una niña con un vestido sencillo y expresión triste o contemplativa, con la cabeza inclinada hacia la izquierda. Ella está de pie, con los codos apoyados contra su cintura mientras sostiene dos cuencos a los lados. Los espectadores suelen describir los cuencos como "comederos para pájaros".

El Lanzador de disco, o Discobolus, es un famoso original de bronce griego perdido. La escultura de la misma aún se desconoce. El Discobolus se completó hacia el final del período severo (460-450 aC). Se conoce a través de numerosas copias romanas, tanto a gran escala en mármol, como la primera en recuperarse, la Palombara Discopolus, o versiones a menor escala en bronce. Como siempre en el atletismo griego, el lanzador de discos está completamente desnudo.

El beso es una escultura de mármol de 1889 del escultor francés Auguste Rodin (1840-1917). Esta escultura tiene una historia interesante. representa a la noble italiana del siglo XIII inmortalizada en Dante & rsquos Inferno, que se enamora de su marido, Giovanni Malatesta & rsquos, su hermano menor Paolo. Después de haberse enamorado mientras leía la historia de Lancelot y Ginebra, la pareja es descubierta y asesinada por el esposo de Francesca & rsquos. En la escultura se puede ver el libro de la mano de Paolo & rsquos. Los labios de lover & rsquos en realidad no se tocan en la escultura para sugerir que fueron interrumpidos y encontraron su desaparición sin que sus labios se hubieran tocado nunca. Cuando los críticos vieron la escultura por primera vez en 1887, sugirieron el título menos específico Le Baiser (El beso).

Hermes and the Infant Dionysus, también conocido como Hermes de Praxiteles o Hermes of Olympus, es una antigua escultura griega de Hermes y el infante Dionysus, descubierta en 1877, en las ruinas del Templo de Hera en Olimpia. Se exhibe en el Museo Arqueológico de Olimpia. Se atribuye tradicionalmente a Praxiteles y se remonta al siglo IV a. C., basado en una observación del viajero griego del siglo II Pausanias, y ha hecho una importante contribución a la definición del estilo praxiteleano. Sin embargo, su atribución es objeto de una feroz controversia entre los historiadores del arte.
Es poco probable que la escultura haya sido una de las obras famosas de Praxiteles y rsquo, ya que no se han identificado réplicas antiguas de la misma. La evidencia documental que asocia la obra con Praxiteles se basa en una mención de pasada del viajero del siglo II d.C. Pausanias.

La escultura Lady Justice es una de las esculturas más conocidas del mundo. Esta estatua no se atribuye a ningún artista, pero el hecho de que adorne tantos juzgados en el mundo la ha convertido en una de las esculturas más populares. Esta escultura tiene muchos nombres, incluida la balanza de la justicia y la justicia ciega, pero se la conoce más comúnmente como Lady Justice. La estatua se remonta a la antigüedad griega y romana como la diosa de la justicia y la ley.

Creada por Miguel Ángel (1475-1564), la Piedad representa a la Virgen María con su único hijo, Jesucristo, en sus brazos. Antes de esculpir la Piedad, Miguel Ángel no era un artista muy conocido. Tenía poco más de veinte años cuando le dijeron, en 1498, que hiciera una escultura de tamaño natural de la Virgen María sosteniendo a su hijo en sus brazos. En aproximadamente dos años, a partir de una sola losa de mármol, Miguel Ángel creó una de las esculturas más hermosas de la historia.

También de Auguste Rodin, es la famosa escultura & ldquoThe Thinker & rdquo. Originalmente llamada The Poet, la pieza fue parte de una comisión del Mus & eacutee des Arts D & eacutecoratifs de París para crear un portal monumental que actuara como la puerta del museo. Rodin basó su tema en La Divina Comedia de Dante y tituló el portal Las puertas del infierno. Cada una de las estatuas de la pieza representaba a uno de los personajes principales del poema épico. El Pensador originalmente estaba destinado a representar a Dante frente a las Puertas del Infierno, reflexionando sobre su gran poema. (En la escultura final, una miniatura de la estatua se encuentra encima de las puertas, reflexionando sobre el destino infernal de los que están debajo de él). La escultura está desnuda, ya que Rodin quería una figura heroica en la tradición de Miguel Ángel, para representar el intelecto y la poesía. .

La escultura de Venus de Milo fue creada en algún momento entre el 100 y el 130 a.C. se cree que representa a Afrodita (Venus para los romanos), la diosa griega del amor y la belleza. Es una escultura de mármol, un poco más grande que el tamaño natural con 203 cm (6 pies 8 pulgadas) de altura. Sus brazos y zócalo original se han perdido. A partir de una inscripción que estaba en su pedestal, se cree que es obra de Alexandros de Antioquía; anteriormente se atribuyó erróneamente al maestro escultor Praxiteles. Actualmente se exhibe en el Museo del Louvre de París. Sorprendentemente, la estatua fue descubierta accidentalmente en un campo de agricultores y rsquos.

& ldquoDavid & rdquo es una obra maestra de escultura renacentista creada entre 1501 y 1504, por el artista italiano Miguel Ángel. Es una estatua de mármol de 5,17 metros (17 pies) de un desnudo masculino de pie. La estatua representa al héroe bíblico David, un tema favorito en el arte de Florencia. Originalmente encargada como parte de una serie que se colocaría en lo alto de la fachada de la catedral de Florencia, la estatua se colocó en una plaza pública, fuera del Palazzo Della Signoria, la sede del gobierno cívico en Florencia, donde se inauguró el 8 de septiembre. , 1504. Debido a la naturaleza del héroe que representaba, pronto llegó a simbolizar la defensa de las libertades civiles encarnadas en la República Florentina, una ciudad-estado independiente amenazada por todos lados por estados rivales más poderosos y por la hegemonía de la Familia Medici. Los ojos de David, con una mirada de advertencia, se volvieron hacia Roma. La estatua fue trasladada a la Galería de la Academia en Florencia en 1873 y luego reemplazada en su ubicación original por una réplica.


Archivo: Lanzador de disco (discobolus), copia romana de un original de bronce del siglo V a.C., encontrado en la Villa Adriano, Ganador de los Juegos Antiguos, Museo Británico (7376124236) .jpg

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Se representa a un lanzador de disco a punto de lanzar su lanzamiento.

Una reproducción del Discobolus of Myron, que representa a un lanzador de disco a punto de lanzar su lanzamiento. El Discobolus es un famoso mármol romano, copia del original de bronce griego perdido, realizado entre el 460-450 a. C.

El Discobolus of Myron es una escultura griega que se completó hacia el final del período Severo, alrededor del 460-450 a. C. El bronce griego original se pierde pero la obra se conoce a través de numerosas copias romanas, ambas a gran escala en mármol, que era más económico que el bronce, como el primero en recuperarse, el Palombara Discobolus, o versiones a menor escala en bronce.

La energía potencial expresada en la pose apretada de esta escultura, que expresa el momento de estasis justo antes del lanzamiento, es un ejemplo del avance de la escultura clásica desde la arcaica.

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El Discobolus

El lanzador de disco (Gr. discobolo) se ha convertido en la imagen icónica de los Juegos Olímpicos y en una fantástica representación del ideal atlético. La estatua griega original fue fundida en bronce a mediados del siglo V a. C. y continuó siendo muy admirada como obra maestra en la época romana, cuando se hicieron varias copias antes de que se perdiera el original. Así, la imagen de Discobolus sigue viva hoy como una de las esculturas más famosas de la antigüedad.

El Discobolus original se atribuye al escultor griego Myron, contemporáneo de Fidias y Policleto y famoso en la antigüedad por sus representaciones de atletas. Su lanzador de disco fue admirado no solo por la forma en que transmite movimiento y acción en una sola pose, sino también por capturar los ideales griegos sobre proporción, armonía, ritmo y equilibrio. Los expertos desde la antigüedad han notado cómo la fluidez del movimiento en el cuerpo se combina con una expresión tranquila en el rostro, como si el lanzador hubiera logrado un perfecto estado de control en mente, cuerpo y espíritu. ¿O el deseo de perfección de Myron lo llevó a reprimir las emociones del lanzador?

Las versiones romanas del Discobolus adornaban numerosas villas como símbolo del gusto culto y el estatus del propietario. Uno de los más famosos es el Palombara Discobolus de Roma, ahora en exhibición en el Museo Nacional de Roma. Esta estatua fue vendida a Adolf Hitler en 1938 como trofeo de la raza aria, pero regresó a Italia en 1948.

Otra versión romana, conocida como Townley Discobolus, fue fotografiada en el cartel oficial de los Juegos Olímpicos de Londres en 1948. Ahora se encuentra en el Museo Británico.


Lanzamiento de disco masculino

El evento de lanzamiento de disco ha sido parte de todos los Juegos Olímpicos desde su comienzo en 1896.

Lanzamiento de disco
Los deportistas masculinos tienen que lanzar un disco lenticular pesado con un peso de dos kilogramos y un diámetro de 220 mm. El disco generalmente tiene su capa exterior hecha de caucho, plástico o madera, con un borde de metal y un núcleo de metal para alcanzar el peso.

La acción
El lanzador de disco toma una posición inicial de espaldas a la dirección del lanzamiento. Para generar impulso, gira una vez y media a través del círculo y suelta el lanzamiento. El atleta no debe abandonar el círculo de lanzamiento hasta que el disco haya aterrizado. Después de que el disco aterriza, el atleta sale por la parte trasera del círculo.

  • Cada atleta tiene ocho oportunidades para lanzar el disco. Los tres primeros lanzamientos determinan a los tres medallistas.
  • Si dos atletas han empatado, se evalúa el segundo mejor lanzamiento de los atletas.
  • El peso del disco utilizado en el evento lo especifica la IAAF.
  • La medición de la distancia recorrida por el disco se realiza desde el borde del círculo hasta el punto de aterrizaje del disco.
  • Hasta que aterrice un disco, el atleta no puede abandonar el círculo de lanzamiento de disco. Si lo hace, queda descalificado.

Mejor desempeño
Los mejores atletas masculinos en lanzamiento de disco en los Juegos Olímpicos son Yuriy Dumchev, Gerd Kanter, Virgilijus Alekna, Jurgen Schult, Quiik Musta, Imrich Bugar, Ricky Bruch, John Powell, Ben Plucknett, Lars Riedel, Robert Fazekas, Virgilijus Alekna, Romas Ubartas, Rolf Danneberg, John Anderson, Clarence Houser, Elmer Niklander, Armas Taipale, Martin Sheridan, Rudolf Bauer, Viktor Rashchupkin, Mac Wilkins, Ludvik Danek, Al Oerter, Sim Iness, Adolfo Consolini y Ken Carpenter. Los atletas estadounidenses han dominado desde el inicio del juego.


Disco de bronce - Historia

Desde la antigüedad, el arte de la Grecia clásica ha ejercido un dominio especial sobre los coleccionistas poderosos y ricos. El emperador romano Adriano, que estaba tan enamorado de la cultura griega que se ganó el apodo de "Graeculus" o "Greekling", adornó su extensa Villa en Tivoli, al este de Roma, con reproducciones de famosas obras de arte griegas. Durante el Renacimiento, cardenales y papas competían por poseer las obras maestras del arte griego que emergían del suelo italiano. Y en el siglo XVIII, durante el apogeo del Grand Tour, caballeros de toda Europa descendieron sobre Italia para comprar tanto arte antiguo como pudieran.

Pero en el siglo XX, la vida futura del arte griego antiguo dio un giro más oscuro. Para entender lo que quiero decir, basta con mirar la famosa secuencia de apertura de la película de dos partes Olimpia (1938) de Leni Riefenstahl, que documentó los Juegos Olímpicos de Berlín, también conocidos como los "Juegos Olímpicos Nazis", celebrados dos años antes.

Con una banda sonora de música dramática, la cámara se mueve lentamente a través de las ruinas de la Acrópolis de Atenas, antes de detenerse en varias famosas esculturas antiguas, ofrecidas como ideales de belleza y destreza artística. Finalmente, contra un telón de fondo envuelto en niebla, vemos una de las esculturas griegas más famosas de todas: una estatua de un atleta encorvado y desnudo que se prepara para lanzar un disco. Para los conocedores del arte antiguo, esto se conoce como el Discobolus (o "lanzador de disco").

Su superficie reluciente de aceite, como si estuviera lista para la competencia, la escultura se desvanece repentinamente. En su lugar aparece un atleta vivo adoptando la misma pose. Lentamente comienza a girar hacia adelante y hacia atrás, antes de lanzar su disco con todas sus fuerzas. El escalofriante mensaje se presenta con cruda y poética eficiencia: las glorias de la Grecia clásica renacen en la Alemania nazi.

"Vigor y belleza"

Como descubrí mientras filmaba una nueva serie de televisión de la BBC sobre arte griego antiguo, Riefenstahl estaba siendo astuto al enfocarse en el Discobolus, ya que Adolf Hitler estaba posiblemente más enamorado de esta obra de arte que cualquier otra. De hecho, Hitler estaba tan enamorado de él que, en 1938, lo compró.

La escultura original, ahora perdida, fue creada en bronce por Myron en Grecia en el siglo V a.C. (Crédito: Rotatebot / Wikipedia)

La estatua de la película de Riefenstahl es en realidad una copia romana en mármol del original en bronce del escultor griego Myron, uno de los maestros del arte clásico del siglo V a. C. Myron fue premiado por su capacidad para producir obras de arte de asombroso realismo, incluida una impresionante vaca de bronce en la Acrópolis. En el Discobolus, innovó al capturar a un atleta en plena acción. Para hacer esto, empleó una poderosa composición en espiral, lo que implica una carga útil de energía reprimida.

Hoy en día, la escultura perdida de Myron se conoce a través de varias copias de mármol, incluido el llamado "Townley Discobolus" en el Museo Británico. Descubierta en 1791 en la Villa de Adriano en Tivoli, pero restaurada incorrectamente de modo que su cabeza mira en la dirección incorrecta, esta escultura es una pieza central de Defining Beauty: The Body in Ancient Greek Art, una importante nueva exposición en el Museo Británico.

Sin embargo, la versión de la escultura que cautivó a Hitler fue otra réplica conocida como "Lancellotti Discobolus", que lleva el nombre de la familia italiana que una vez la tuvo. Descubierto en una propiedad de la familia en el monte Esquilino en 1781, ahora se encuentra en el Museo Nacional de Roma.

Hitler no fue el primer líder político de la historia moderna en ver el arte griego como un poderoso símbolo de estatus: Napoleón, por ejemplo, estaba obsesionado con la Venus de 'Medici. Pero el hecho de que Hitler, que tenía fuertes opiniones sobre el arte visual, se obsesionara con el Discobolus es significativo.

Los nazis se inspiraron estéticamente en la antigua Grecia y Roma y el Discobolus ocupó un lugar destacado en la inauguración de Olympia de Leni Riefenstahl (Crédito: Tobis-Filmverleith)

Por un lado, quería estar asociado con la época en la que se creó: el siglo V a. C. había sido considerado durante mucho tiempo la edad de oro de la historia griega clásica, cuando la Atenas bajo Pericles fue testigo de la construcción del Partenón. Además, deseaba defender los valores que él creía que encarnaba la escultura - ideales de armonía, vigor atlético y belleza - en oposición al arte modernista, que calificó de “degenerado”.

Roadshow de antigüedades

La oportunidad de Hitler de adquirir la estatua surgió en la década de 1930, cuando la familia Lancellotti atravesó tiempos difíciles y la ofreció a la venta. Al principio, la escultura se destinó al Museo Metropolitano de Nueva York, pero el precio inicial de venta de ocho millones de liras se consideró demasiado alto. En 1937, Hitler había dado a conocer su interés en la estatua y, al año siguiente, a pesar de las dudas iniciales de las autoridades italianas sobre exportarla, se le vendió el Discobolus por la aún enorme suma de cinco millones de liras. Financiado por el gobierno alemán, se entregó en efectivo a los representantes de la familia Lancellotti en su palazzo.

A finales de junio de 1938, el Discobolus había llegado a Alemania, donde no se exhibió en Berlín sino en el museo Glyptothek de Múnich. El 9 de julio se presentó oficialmente como regalo al pueblo alemán. Hitler se dirigió a la multitud: “Que ninguno de ustedes deje de visitar la Glyptothek, porque allí verán cuán espléndido solía ser el hombre en la belleza de su cuerpo ... y se darán cuenta de que podemos hablar de progreso solo cuando no solo tenemos alcanzado tal belleza, pero incluso, si es posible, cuando la hemos superado ".

La copia de mármol del Discobolus en el Museo Británico se restauró incorrectamente de modo que la cabeza mira en la dirección incorrecta (Crédito: Los Fideicomisarios del Museo Británico)

"Sin la tradición clásica, la ideología visual nazi habría sido bastante diferente", dice el profesor Rolf Michael Schneider de la Universidad Ludwig Maximilian de Munich. “Como todos los cazadores, buscaban un objeto invaluable, y como la estatua no podía decir que no, usaron al Discobolus para sus ideologías perversas. El cuerpo ario perfecto, el color blanco [del mármol], el hombre blanco hermoso e ideal: para decirlo sin rodeos, se convirtió en una especie de imagen del Herrenrasse o "raza superior", así se llamaban los nazis y los alemanes ".

En otras palabras, el Discobolus se convirtió en un modelo de la propaganda nazi: como dice Ian Jenkins, curador principal de las colecciones griegas antiguas en el Museo Británico, fue cooptado como un "trofeo de la mítica raza aria". . Y aunque su estancia en Alemania no duró más de una década (en 1948 la estatua regresó a Italia y fue colocada en el Museo Nacional de Roma cinco años después), pasaría mucho tiempo antes de que desapareciera la mancha de su asociación con Hitler. .

Alastair Sooke es crítico de arte de The Daily Telegraph.

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Materiales y producción

Las lámparas de aceite de la época romana estaban hechas de una variedad de materiales que incluían piedra, arcilla, concha, vidrio y metal.

Piedra
Las lámparas de piedra solían estar talladas, sin embargo, las primeras lámparas de piedra eran simplemente piedras con depresiones naturales.

Arcilla
Las lámparas de arcilla se fabricaron utilizando varios métodos. Pueden moldearse a mano, lanzarse con ruedas o imprimirse en un molde. Algunos muestran signos de haber sido elaborados mediante una combinación de estos métodos. Las lámparas de arcilla constituyen la mayoría de las lámparas encontradas en el registro arqueológico.

Vidrio
Las lámparas hechas de vidrio se soplaban y, a diferencia de las lámparas de arcilla, eran capaces de contener aceite sin riesgo de filtración. También proyectaban la luz de manera más eficiente que las lámparas de otros materiales. Sin embargo, debido a la presencia de burbujas de aire, el vidrio soplado no puede soportar la intensidad de una llama directa como lo hacen la arcilla o el metal. Como resultado, las lámparas de vidrio tendían a romperse fácilmente. Ésta puede ser una de las razones por las que se encuentran con menos frecuencia en el registro arqueológico.

Metal
Las lámparas de metal fueron fundidas o martilladas en un molde, aunque la fundición parece haber sido el método de elección. El bronce parece haber sido el metal más utilizado, sin embargo, también se han encontrado lámparas de hierro, plomo, oro, plata y cobre. Aunque las lámparas de metal eran más resistentes y, por lo tanto, tenían una vida útil más larga que las lámparas hechas de otros materiales, a menudo no sobrevivieron hasta la actualidad. Es probable que esto se deba al hecho de que los objetos metálicos, especialmente los de metales preciosos como el oro, la plata y el cobre, a menudo se fundían y se transformaban en algo nuevo.

Combustible y mechas
Además de la embarcación en sí, las lámparas de aceite también requieren algún tipo de combustible y una mecha. Los tipos de combustible iban desde grasa animal hasta cera de abejas y varios aceites vegetales, incluidos aceite de oliva, aceite de sésamo y aceite de semilla de uva. Se cree que el aceite de oliva ha sido la principal fuente de combustible utilizado en el Mediterráneo. Las mechas eran cualquier tipo de material fibroso, típicamente lino, papiro u otras fibras vegetales.


N3051 / NA
Lámpara romana con material fibroso en agujero de mecha.

Marcas del fabricante
La marca de un fabricante es una palabra o símbolo que normalmente se encuentra en la base de un artefacto. Son similares a los logotipos de marcas modernas que aparecen en todo, desde automóviles hasta ropa y productos alimenticios. De la misma manera que se usan hoy en día las marcas, las marcas de los fabricantes se usaban en la antigüedad para anunciar productos de un artesano o taller específico a compradores potenciales. Hoy en día, los arqueólogos pueden usar las marcas del fabricante para rastrear el origen de los artefactos.


A48936 / 15556
Marca del fabricante de hojas y ramas en la base de la lámpara de disco imperial romana. Esta marca era común en las lámparas producidas en el norte de África.


N16113 / 21500
Marca del fabricante FLORENT en la base de la lámpara de disco imperial romana. Esta marca era común en las lámparas producidas en las cercanías de Roma.


N25974 / 25036
Marca del fabricante de la rueda de ocho radios en la base de una lámpara romana levantina. Esta marca era común en las lámparas producidas en Levante.

Una de las marcas de fabricantes más prolíficas que se encuentran en las lámparas de aceite romanas fue la palabra FORTIS. Esta marca se imprimió típicamente en la base de "Lámparas de fábrica" ​​que se originaron en el norte de Italia entre el 70 y el 230 d. C. Las "lámparas de fábrica" ​​son lámparas que se produjeron a gran escala, al igual que los productos comerciales de hoy, y luego se exportaron a todo el Mediterráneo y el Imperio Romano.


A53909 / 19612
Marca del fabricante FORTIS en la base de la reproducción romana "lámpara de fábrica". Esta marca era común en las "lámparas de fábrica" ​​producidas en el norte de Italia.


Guerreros Riace

los Guerreros Riace (también conocido como el Bronces Riace o Bronzi di Riace) son dos estatuas griegas de bronce de tamaño natural de guerreros barbudos desnudos. Las estatuas fueron descubiertas por Stefano Mariottini en el mar Mediterráneo frente a la costa de Riace Marina, Italia, el 16 de agosto de 1972. Las estatuas se encuentran actualmente en el Museo Nazionale della Magna Grecia en la ciudad italiana de Reggio Calabria. Las estatuas se conocen comúnmente como "Estatua A" y "Estatua B" y originalmente se fundieron utilizando la técnica de la cera perdida.

El descubrimiento de las estatuas en 1972

Estatua A (primer plano) y Estatua B (fondo), desde el mar frente a Riace, Italia, c. 460-450 a.E.C. (?), Estatua A, 198 cm de alto, Estatua B, 197 cm de alto (Museo Archaeologico Nazionale Reggio Calabria) (foto: Robert y Talbot Trudeau, CC BY-NC 2.0)

Estatua A

La estatua A mide 198 centímetros de alto y representa al más joven de los dos guerreros. Su cuerpo exhibe una fuerte postura de contrapposto, con la cabeza girada hacia la derecha. Los elementos adjuntos se han perdido & # 8211 probablemente un escudo y una lanza, su casco ahora perdido sobre su cabeza puede haber sido coronado por una corona. La guerrera tiene barba, con detalle de cobre aplicado en labios y pezones. Los ojos insertados también sobreviven para la Estatua A. El cabello y la barba se han trabajado de manera elaborada, con rizos y rizos exquisitos.

Estatua B

La estatua B representa a un guerrero mayor y mide 197 centímetros de altura. Un casco ahora perdido probablemente estaba encaramado sobre su cabeza. Al igual que la estatua A, la estatua B tiene barba y está en una postura de contrapposto, aunque los pies de la estatua B están más juntos que los de la estatua A.

Estilo severo

El estilo clásico severo o temprano describe las tendencias en la escultura griega entre c. 490 y 450 a.E.C. Artísticamente, esta fase estilística representa una transición del estilo arcaico bastante austero y estático del siglo VI a. C. al estilo clásico más idealizado. El estilo Severo está marcado por un mayor interés en el uso del bronce como medio así como un aumento en la caracterización de la escultura, entre otras características.

Interpretación y cronología

Estatua A, desde el mar frente a Riace, Italia, c. 460-450 a.E.C. (?), 198 cm de altura (Museo Archaeologico Nazionale Reggio Calabria) (foto: Luca Galli, CC BY 2.0)

La cronología de los guerreros de Riace ha sido un tema de discusión entre los eruditos desde su descubrimiento. En esencia, hay dos escuelas de pensamiento: una sostiene que los guerreros son del siglo V antes de nuestra era. originales que se crearon entre 460 y 420 a. C., mientras que otro sostiene que las estatuas se produjeron más tarde e imitan conscientemente la escultura clásica temprana. Aquellos que apoyan la cronología anterior argumentan que la Estatua A es la primera de las dos piezas. Esos eruditos también establecen una conexión entre los guerreros y los talleres de famosos escultores antiguos. Por ejemplo, algunos estudiosos sugieren que el escultor Myron elaboró ​​la estatua A, mientras que Alkamenes creó la estatua B. Además, quienes apoyan la cronología anterior señalan al estilo severo como una clara indicación de una fecha clásica temprana para estas dos obras maestras.

El historiador de arte B. S. Ridgway presenta una opinión disidente, afirmando que las estatuas no deben asignarse al siglo V a. C., argumentando en cambio que lo más probable es que se produjeran juntas después del 100 a. C. Ridgway siente que las estatuas indican un interés en la iconografía clásica temprana durante el período helenístico.

En términos de identificaciones, se ha especulado que las dos estatuas representan a Tydeus (Estatua A) y Amphiaraus (Estatua B), dos guerreros de Aeschylus & # 8217 juego trágico, Siete contra Tebas (sobre Polinices después de la caída de su padre, el rey Edipo), y pudo haber sido parte de una composición escultórica monumental. Un grupo de Argos descrito por Pausanias (el viajero y escritor griego) se cita a menudo en conexión con esta conjetura: “Un poco más allá hay un santuario de las estaciones. Al volver de aquí se ven estatuas de Polinices, el hijo de Edipo, y de todos los jefes que con él murieron en la batalla en la muralla de Tebas & # 8230 ”(Pausanias, Descripción de Grecia 2.20.5).

Una vista conjetural restaurada de los dos guerreros (fuente)

Las estatuas tienen clavijas de plomo instaladas en sus pies, lo que indica que originalmente estaban montadas sobre una base e instaladas como parte de algún grupo escultórico u otro. La historiadora de arte Carol Mattusch sostiene que no solo se encontraron juntos, sino que originalmente se instalaron, y tal vez se produjeron, juntos en la antigüedad.

Recursos adicionales:

I bronzi di Riace: restauro come conoscenza (Roma: Artemide, 2003).

J. Alsop, & # 8220 Gloriosos bronces de la antigua Grecia: guerreros de una tumba de agua & # 8221 National Geographic 163.6 (junio de 1983), págs. 820-827.

A. Busignani y L. Perugi, Los bronces de Riace, trans. J. R. Walker, (Florencia: Sansoni, 1981).

C. H. Hallett, "Kopienkritik y las obras de Polykleitos", en Polykleitos: el Doryphoros y la tradición, ed. por W. G. Moon, págs. 121-160 (Madison: University of Wisconsin Press, 1995).

C. C. Mattusch, Bronces clásicos: el arte y la artesanía de la estatuaria griega y romana (Ithaca: Cornell University Press, 1996).

C. C. Mattusch, "En busca del original de bronce griego" en El antiguo arte de la emulación: estudios de originalidad y tradición artísticas desde el presente hasta la antigüedad clásica (Memorias de la Academia Americana en Roma, volúmenes suplementarios, vol. 1), editado por E. K. Gazda, págs. 99-115, (Ann Arbor: University of Michigan Press, 2002).

P. B. Pacini, "Florencia, Roma y Reggio Calabria: Los bronces de Riace", La revista Burlington, volumen 123, no. 943 (octubre de 1981), págs. 630-633.

B. S. Ridgway, Estilos del siglo V en la escultura griega (Princeton: Princeton University Press, 1981).

B. S. Ridgway, & # 8220 The Riace Bronzes: A Minority Viewpoint, & # 8221 en Due bronzi da Riace: rinvenimento, restauro, analisi ed ipotesi di interpretazione, vol. 1, ed. por L. V. Borelli y P. Pelagatti, págs. 313-326. (Roma: Istituto poligrafico e zecca dello stato, 1984).

B. S. Ridgway, Escultura helenística: los estilos de ca. 100-31 a.C. (Madison: Prensa de la Universidad de Wisconsin, 2002).

N. J. Spivey, Entendiendo la escultura griega: significados antiguos, lecturas modernas (Nueva York: Thames y Hudson, 1996).

G. B. Triches, Due bronzi da Riace: rinvenimento, restauro, analisi ed ipotesi di interpretazione (Roma: Istituto poligrafico e zecca dello Stato, 1984).


Clasificación de los 15 ganadores de medallas más antiguos en la historia olímpica de EE. UU.

La edad es algo que siempre está en tu contra si eres un atleta de clase mundial.

Para los atletas olímpicos, es aún más difícil mantenerse competitivo cuando el evento principal de su deporte solo se realiza cada cuatro años.

Algunos deportes olímpicos ven a sus atletas en su punto máximo a los 16 años, y otros dependen de un grupo completo para obtener la gloria, por lo que clasificar a los atletas olímpicos estadounidenses de mayor edad fue una tarea ardua.

Hay que considerar el tipo de deporte, la relevancia histórica y toda la carrera del deportista al compararlos con otros.

Aquí están los 15 mejores ganadores de medallas estadounidenses, todos los cuales podrían haber sido considerados demasiado viejos para convertirse en campeones.


Ver el vídeo: Diferenciar discos de corte amoladora y desbaste. Cepillo para agujereadora. (Enero 2022).