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Estatua de un niño con espina



Vasari, en su biografía de Miguel Ángel, sugirió que representaba el punto culminante de los logros artísticos desde que había comenzado el Renacimiento. La opinión de Vasari se ha visto confirmada, en los siglos posteriores a su muerte, por el hecho de que Miguel Ángel ha sido ampliamente considerado como uno de los artistas más hábiles e influyentes en la historia del arte occidental.

En la actualidad, Crouching Boy se encuentra en el Museo del Hermitage de San Petersburgo, la única obra de Miguel Ángel en la colección del Museo. Es una pieza pequeña, inacabada, esculpida en mármol, que mide solo 22 pulgadas. (54 cm.) Y muestra a un niño, desnudo y agachado, quizás para atender su pie lesionado. El cuerpo del niño está bien desarrollado, con una musculatura prominente, y su figura agachada sugiere fuertemente la fuerza interior comprimida dentro de él.

La cabeza del niño se inclina hacia abajo mientras se concentra en su pie, ajeno a todo lo que sucede a su alrededor, y contribuye a la sensación de tristeza y dolor que evoca la pieza.

Sin embargo, el trabajo sigue siendo enigmático. Algunos estudiosos han visto la pieza como una representación del alma por nacer, otros como un soldado herido. Otros interpretan al "niño en cuclillas" como la personificación del genio o del sufrimiento del duelo.

El niño agachado fue llevado a Rusia por Catalina la Grande (1729-1796) cuando compró una gran colección de antigüedades y otras piezas del anticuario y banquero inglés John Lyde Browne (fallecido en 1787).

Lyde-Browne era un entusiasta coleccionista de antigüedades y había acumulado una de las colecciones más grandes de la época después de haber visitado Italia muchas veces desde la década de 1750. Su colección estaba en un estado de cambio constante ya que comerciaba extensamente con estos objetos, con otros coleccionistas, además de coleccionarlos. Su casa en Londres sirvió tanto como sala de exposición como como museo privado.

Catalina la Grande acordó pagar alrededor de £ 23,000 por alrededor de 250 piezas de Lyde-Browne en 1785, pero solo recibió el pago inicial de £ 10,000 como resultado de la quiebra de su agente en San Petersburgo.

Además de su colección de piezas de mármol antiguas, Lyde-Browne había reunido una colección de obras del Renacimiento. Entre ellos se encontraba un artículo descrito en uno de los catálogos de sus colecciones como “una estatua inacabada de un niño que se quita una espina del pie, una obra célebre de Miguel Ángel. El niño está desnudo y tiene una anatomía excelente. Se dice que la estatua estuvo antiguamente en la Villa Medici ”.

En 1520, Giulio de ’Medici encargó a Miguel Ángel que diseñara una bóveda familiar, lo que se convertiría en la Sagrestia Nuova, dentro de la iglesia parroquial de San Lorenzo de los Medici. Los dibujos de Miguel Ángel, que ahora se encuentran en el Museo Británico, sugieren que "El niño en cuclillas" estaba destinado a ser parte de su diseño para esta Capilla de los Medici.

En su boceto preparatorio de una tumba de doble pared para Lorenzo de ’Medici y su hermano Giuliano de’ Medici, Miguel Ángel incluyó dos de esas figuras agachadas. Hubiera sido apropiado que una obra como “El niño agachado”, con su sentido de dolor encorvado, hubiera tenido un lugar en tal esquema, pero los dos niños agachados no fueron incluidos en su diseño final para el proyecto.

Fue un proyecto en el que Miguel Ángel habría tenido un interés personal. Fue Lorenzo de 'Medici quien convocó a Miguel Ángel para que fuera un miembro de su casa cuando todavía era un adolescente. Como parte de la casa de los Medici, estudió con el famoso escultor Bertoldo di Giovanni y pudo estudiar las obras de los maestros del Renacimiento como Giotto, Masaccio y Donatello y también las de los escultores griegos y romanos que estaban disponibles para él en los Medici. colección.

También fue donde Miguel Ángel conoció a sus futuros mecenas papales, Giovanni de ’Medici (Papa León X) y su primo Giulio (Clemente VII).

Fue el primer proyecto de Miguel Ángel en el que diseñó tanto la arquitectura de la capilla, las esculturas y los sarcófagos que se instalarían en la capilla incluyendo figuras que representan las cuatro horas del día.

Si bien el edificio en sí se completó en 1524, el proyecto sufrió una serie de interrupciones, como el período de exilio de los Medici en 1527, la muerte de Giulio de ’Medici (Clemente VII) y la reubicación permanente de Michelango en Roma en 1534.

Para entonces, la mayoría de las estatuas habían sido talladas, pero no se instalaron hasta 1545 en ausencia de Miguel Ángel. El trabajo finalmente se completó, nuevamente sin la presencia de Miguel Ángel, en 1555.


Manneken-Pis: la verdadera historia detrás de la icónica estatua

Manneken-Pis, literalmente "hombrecito pis", en el dialecto holandés de Marols o "le petit Julien", en francés, es uno de los ciudadanos más famosos y queridos de Bruselas. Pero, ¿cuál es la historia detrás de esta figura icónica, aunque pequeña? En estos días, la estatua se ha convertido en una especie de cliché y se ha recreado en camisetas y etiquetas de cerveza de todo el mundo. En sus orígenes, sin embargo, el famoso Manneken-Pis tiene un propósito práctico, con un poco de extravagancia en buena medida.

La estatua del "niño meando", como se le llama comúnmente, ha tenido una vida larga y no siempre fácil, sobreviviendo al bombardeo de Bruselas en 1695 y a varios desgastes a lo largo de los siglos. Según los registros locales, la fuente, ubicada en la intersección de Rue de l & # 8217Étuve / Stoofstraat y Rue du Chêne / Eikstraat, se usó ya en el siglo XV para ayudar a distribuir agua potable en toda la ciudad.

Para los turistas, la estatua ocupa un lugar destacado en la lista de lugares para visitar, pero para muchos lugareños el significado es mucho más profundo. Para algunos, la fuente ha llegado a simbolizar un cierto espíritu de Bruselas que es a la vez firme, alegre y muy individual. Aunque la estatua ya no se usa para la distribución de agua, ha llegado a nutrir a la ciudad de una nueva manera y # 8211 brindando entretenimiento y un sentido de juego. También recuerda a los residentes la rica historia de la ciudad y su identidad en constante evolución.

Todavía hoy, y desde el siglo XVIII, la estatuilla se viste de gala para conmemorar ocasiones especiales y fiestas. Nunca se sabe lo que podría encontrar como "pis de hombrecito" disfrazado de la próxima vez que pase.

¿En cuanto al niño que sirvió de inspiración para la estatua? Aquí es donde la leyenda tiende a eclipsar los hechos. Un cuento sostiene que la estatua es una semejanza de un niño que salvó a Bruselas del incendio y el desastre al orinar en la mecha de un explosivo; otro cuento muestra al niño como víctima de un hechizo de bruja, congelado en el tiempo como castigo por orinar en su puerta. . Cualquiera que sea el caso, es probable que la estatua se quede aquí, como forraje instantáneo para los muchos visitantes que visitan la ciudad cada año, y un buen recordatorio de humor e historia para los afortunados habitantes de la ciudad.


¿Es este el Manneken Pis original?

El nombre Manneken Pis se mencionó por primera vez en archivos que datan de 1452. Antes de eso, se llamaba Petit Julien y era parte de una fuente pública en la misma esquina de la calle. La estatua de piedra fue reemplazada por una escultura de bronce realizada por Hiëronymus Duquesnoy el Viejo en 1619. Se desconoce si la réplica se parece a la primera, ya que el original no se conservó.

La estatua de Hiëronymus Duquesnoy fue destruida en 1817 y robada por un ex convicto llamado Antoine Licas. Afortunadamente, las piezas fueron encontradas y pegadas para hacer un molde para una réplica.

La estatua actual se hizo en 1965, después de que el Manneken Pis hubiera desaparecido nuevamente. Después de varios meses, la estatua rota fue encontrada en el canal de Bruselas y actualmente reside en la Maison du Roi en la Grand Place.


Spinario, el chico del secreto

¿Quién es el niño al que la gente llama “Spinario”, sentado con las piernas cruzadas mientras se inspecciona la planta del pie izquierdo?

Quizás sea el joven Podalirius, hijo del dios de la medicina Asclepio.

¿O es Ascanio (Iulo, en latín), hijo de Eneas y Creusa, el antepasado del clan Juliano del que descendieron Julio César y el Emperador Augusto?

Incluso podría ser el legendario pastorcillo Cneo Martius, apodado "los fieles", que solo después de entregar heroicamente un mensaje importante al Senado romano se detuvo para quitar una astilla que había pisado durante su viaje.

Quienquiera que represente, muchos artistas, especialmente durante el Renacimiento, usaron esta estatua de bronce, un regalo a Roma del Papa Sixto IV en 1471, ahora en exhibición en los Museos Capitolinos, como su "modelo", lo que lleva a una larga lista de copias. que ahora se exhiben en museos de todo el mundo.

Es muy probable que el “Niño con espina” sea obra de un artista griego del siglo I a. C., y actualmente los expertos más autorizados piensan que se realizó soldando varias composiciones preexistentes.


La realización de Charles Ray's & # 8220Boy with Frog & # 8221

Al mirar una escultura gigante, a menudo me pregunto: ¿Cómo construyen los artistas creaciones tan masivas? Aquí hay un vistazo al viaje, desde la concepción del artista hasta la puerta del Getty Center, de lo más grande que la vida. Niño con rana, que se instaló ayer en las escaleras del museo. En vista hasta enero de 2012, Niño con rana continúa una serie de instalaciones temporales que se han centrado en el arte contemporáneo y su relación con la misión del Museo.

Antes de que este poderoso e inquisitivo joven pudiera plantar sus pies de fibra de vidrio en el travertino, Ray y los expertos fabricantes de arte pasaron años construyendo y ensamblando la figura para obtener cada detalle perfecto, desde las uñas de los pies del niño hasta las verrugas en la rana toro.

Niño con rana en envoltorios blancos durante la instalación ayer en las escaleras del Museo en el Getty Center

Un día, hace unos años, el artista se acercó a su amigo Mark Rossi, el fundador de Handmade, una instalación de fabricantes de arte, y le dijo que quería crear una escultura de un niño sosteniendo una rana.

Una vez que el artista tuvo las fotografías que quería de un niño sosteniendo un anfibio vivo, se escanearon las imágenes y se creó un modelo digital en 3-D. Luego, Ray se convirtió en algo parecido a un escultor renacentista que empuñaba una herramienta de tallado, excepto que, en lugar de un cincel, su equipo utilizó software de modelado para refinar los diseños de la escultura. El software utiliza una interfaz háptica que proporciona información a través del tacto y es tan precisa que también se utiliza en la reconstrucción dental y la cirugía virtual.

¿El siguiente paso? Este modelo digital se utilizó para crear versiones a escala de la escultura en espuma de uretano. Más iteraciones de Niño con rana se hicieron en diferentes tamaños y materiales a lo largo de los años para ayudar a Ray a decidir la escala y una miríada de otros detalles artísticos. Cuando el artista estuvo listo para crear la escultura final, Ray volvió a trabajar con Rossi y su equipo de hábiles fabricantes. Hicieron moldes del patrón final para crear los dos componentes principales de la escultura: fibra de vidrio y acero.

Gerard Collier, un fabricante de Handmade, ensambla el brazo en uno de los patrones para Niño con rana

Una forma de entender el Niño con ranaLa construcción es desde el exterior mirando hacia adentro: debajo de una capa de pintura blanca hay una capa de fibra de vidrio de un cuarto de pulgada de espesor, que se superpone a una armadura de acero inoxidable. Esta armadura recorre toda la extensión de la escultura, desde la rana hasta la parte inferior de cada uno de los pies del niño.

El artista Charles Ray comprueba el ángulo de Niño con rana durante su instalación en el Getty Center

Niño con rana tal como está instalado en las escaleras del Museo

La particular versión de fibra de vidrio de Niño con rana instalado en el Getty Center se completó en 2008 y, hasta hace poco, era una instalación al aire libre popular en el museo Punta della Dogana de François Pinault en Venecia, Italia. Una versión final de la escultura idéntica en escala a la que está aquí, excepto fundida en acero inoxidable, ha tomado el lugar de su predecesora en Venecia.

Además de dónde viven y de qué están hechos, ¿qué otra gran diferencia hay entre la pareja? Peso. La escultura de acero pesa 475 libras, 300 libras más pesada que su gemela.

Rossi dijo que se siente honrado de haber trabajado en una escultura que se exhibió en el Getty: "Estar asociado de alguna manera con eso es maravilloso".


Pintado en 1810, Barker mostró este trabajo en la Institución Británica al año siguiente. Se muestra al niño sentado en un tronco para quitarse una espina del pie.

El tema de un niño que se saca una espina del pie es antiguo en el arte que habría sido reconocido por una audiencia del siglo XIX como una referencia a ejemplos antiguos y renacentistas. Los colores pastel se combinan para crear un tono suave que transmite el sentimiento del sujeto. Tales pinturas de niños fueron populares desde principios hasta mediados del siglo XIX.

A cargo de Charles T. Maud, 1871

Re: Charles T. Maud: Tomado de Parroquias de Somersetshire un manual de referencia histórica a todos los lugares del condado. 'Bathampton Charles Theobald Maud de Manor House, granjero, criador de caballos y coleccionista de cuadros. Grada izquierda 1808-9. Bal. Coronel Oxf. BA 1818. ». Maud también era prima de W J Broderip, el eminente naturalista, propietario de 'The Hireling Shepherd' (Galerías de arte de la ciudad de Manchester) de William Holman Hunt. Maud originalmente encargó una réplica de la oveja en el fondo de este trabajo, pero Hunt lo persuadió de encargar una nueva pieza, 'Our English Coasts (Strayed Sheep)' (Tate Britain).

Importancia histórica: presumiblemente, vendido English and Son, colección J H S Piggott, 11 de octubre de 1849, (126, como 'Boy with a Thorn in his Foot', tamaño dado como 45 x 52 pulgadas), bt. Capitán Ford, £ 95.

La pose del niño es una adaptación de la famosa estatua clásica de bronce a gran escala llamada "Spinario", de un niño que se quita una espina de la planta del pie. Este bronce se encuentra ahora en el Museo Capitolino de Roma. Fue muy influyente en los artistas italianos del Renacimiento, y también se copió mucho en varios medios, por ejemplo, una figura de barro de Staffordshire de mediados del siglo XVIII en las colecciones de V&A. Barker había viajado a Italia, llegó a Roma en 1790 y regresó a Inglaterra a fines de 1793. Su viaje para estudiar las obras de arte de Italia fue financiado por el empresario de Bath Charles Spackman (1749-1822), que deseaba avanzar en la carrera del joven artista (el 'Autorretrato de Barker con su preceptor Charles Spackman' se encuentra en la Victoria Art Gallery, Bath).

Sin embargo, la principal inspiración para esta pintura de Barker, en términos del tratamiento y sentimiento del tema, son las pinturas de género del artista español Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682), como los "Tres niños campesinos" de finales de la década de 1660. (ahora en Dulwich Picture Gallery, Londres). Sin duda, Barker era consciente de la influencia de Murillo en artistas británicos anteriores como Thomas Gainsborough y Sir Joshua Reynolds, en sus pinturas de niños rústicos o indigentes. Barker era particularmente consciente de las pinturas de Gainsborough, quien también había trabajado en Bath, y su Autorretrato mencionado anteriormente lo muestra pintando un paisaje al estilo de Gainsborough.

Esta obra fue presumiblemente la que se exhibió en la Institución Británica en 1811, (cat. N. ° 17, "Niño sacando una espina de su pie"), el tamaño dado en el catálogo es de 73 por 66 pulgadas incluyendo el marco (el las medidas del marco actual son 69 1/2 por 61 3/4 pulgadas). Quizás también fue el que se exhibió en la Institución Británica en 1822, como "Un niño extrayendo una espina de su pie", tamaño 74 por 66 pulgadas. La 'Institución británica para la promoción de las bellas artes bajo el patrocinio de Su Majestad' se fundó en 1805 y era un club privado del siglo XIX en Londres formado para exhibir las obras de artistas vivos y muertos. A diferencia de la Royal Academy, su membresía estaba formada por conocedores en lugar de artistas en ejercicio. Varias pinturas de Barker of Bath se exhibieron en el B.I. durante su vida.

Pintado en 1810, Barker mostró este trabajo en la Institución Británica al año siguiente. Se muestra al niño sentado en un tronco para quitarse una espina del pie.

El tema de un niño que se saca una espina del pie es antiguo en el arte que habría sido reconocido por una audiencia del siglo XIX como una referencia a ejemplos antiguos y renacentistas. Los colores pastel se combinan para crear un tono suave que transmite el sentimiento del sujeto. Tales pinturas de niños fueron populares desde principios hasta mediados del siglo XIX.

  • Los ladrones de Bath. exh.cat. Bath: Servicio de museos, Ayuntamiento de Bath Gloucester: producido por Alan Sutton Publishing, 1986, p. 35, gato. no. 31
  • Hunt, Tristram y Victoria Whitfield, Art Treasures in Manchester: 150 Years On, Manchester: Philip Wilson Publishers, 2007

Niño y la bota

  • El niño y la bota: Fresno, California
  • El niño y la bota: Penrose, Colorado
  • El niño y la bota: Salida, Colorado
  • El niño y la bota: Council Bluffs, Iowa
  • El niño y la bota: West Union, Iowa
  • El niño y la bota: Wichita, Kansas
  • El niño y la bota (hospital): Nueva Orleans, Luisiana
  • Boy and the Boot (pista de carreras): Nueva Orleans, Luisiana
  • El niño y la bota: Houlton, Maine
  • El niño y la bota: Menominee, Michigan
  • El niño y la bota: Helena, Montana
  • Boy and the Boot (interior): Ellenville, Nueva York
  • Boy and the Boot (al aire libre): Ellenville, Nueva York
  • El niño y la bota (interior): Sandusky, Ohio
  • El niño y la bota (al aire libre): Sandusky, Ohio
  • El niño y la bota: Wadsworth, Ohio
  • El niño y la bota: Wellsville, Ohio
  • El niño y la bota: Baker City, Oregon
  • El niño y la bota: Hershey, Pensilvania
  • El niño y la bota: El Paso, Texas
  • El niño y la bota: Orkney Springs, Virginia
  • El niño y la bota: Wallingford, Vermont
  • El niño y la bota: Stevens Point, Wisconsin
  • El niño y la bota: Winnipeg, Manitoba
  • El niño y la bota: Lindsay, Ontario

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Moschophoros (becerro)

Moschophoros (becerro) es una escultura de mármol de la antigua Grecia creada en 560 a. C. Vive en el Museo de la Acrópolis de Grecia. La imagen se utiliza de acuerdo con Educational Fair Use y etiquetada con Vacas y Escultura.

La antigua Grecia amaba a los hombres perfectos. En el período Arcaico se dedicó todo un género de escultura a una representación muy específica del cuerpo masculino desnudo. Kouros, lo que significa que las figuras de "jóvenes o niños de rango noble" eran esculturas formales, muy estilizadas e independientes, casi más parecidas a las representaciones de faraones del Antiguo Egipto que a las expresivas posturas helenísticas que llegaron a definir la escultura griega en los siglos posteriores.

Este Kouros en particular, excavado en los escombros de la Acrópolis de Atenas, se desvía del estilo común. Tiene barba, representa la madurez y viste una capa ligera, la marca de un ciudadano respetable; y lo más inusual para su época, este hombre está sonriendo. Estos detalles, junto con una inscripción dedicada a la diosa Atenea, sugieren que este kouros fue hecho a la imagen de un lugareño rico llamado [Rh] ombos. También inusual para su época, la base de esta estatua fue firmada por el escultor Phaidimos, quien se cree que fue el primer escultor ático en firmar su obra.

Pero, ¿qué pasa con la vaca? Muchos cultos religiosos de la antigua Grecia sacrificaban animales a los dioses. Krióforo, o "carnero", conmemoran estos sacrificios con figuras masculinas que llevan al animal condenado sobre sus hombros, como era costumbre entre los pastores. Las ovejas eran con mayor frecuencia los animales de sacrificio, pero este becerro era casi con certeza una ofrenda para ganar las bendiciones de Atenea.


Jocko the Lantern Holder: La verdadera historia detrás de la estatua tan indignante para los negros

¿Alguna vez se ha sentido ofendido por los jinetes con linternas que se encuentran en el césped de los suburbios, pensando que son racistas? La mayoría ha agrupado la estatua, conocida como Jocko, con la caricatura de mamá y se sienten insultados cuando se encuentran con una.

& # 8220 Solíamos patearlos y tratar de golpearles la cabeza, atropellarlos & # 8221, dijo Michael McBride de Too Black, Too Fast, quien ha asumido la causa de llamar la atención sobre la historia de los jinetes negros a través de su obra de arte.

Continuó contando la historia de lo que realmente significa la estatua:

& # 8220 Nosotros & # 8217 te ayudaremos a disipar el mito de la estatua del jinete. Se llama & # 8216Story of Jocko & # 8217. Jocko era el mozo de cuadra de George Washington. Cuando George Washington cruzó el río Delaware, cuando hacía mucho frío, él y sus soldados hicieron que Jocko se parara allí con una linterna y sostuviera a los caballos hasta que regresaran.

Terminaron quedándose más de lo que pensaban que iban a estar. Regresaron y Jocko todavía estaba allí, congelado, aún sosteniendo los caballos y aún sosteniendo la linterna. George Wahsington estaba tan conmovido que hizo que el artista hiciera una escultura de concreto de Jocko e hizo que sus amigos también hicieran estas cosas.

Luego, si avanza rápidamente durante el ferrocarril subterráneo, cuando fue a una casa que tenía este jockey allí y la linterna estaba encendida, eran las casas seguras para el ferrocarril subterráneo. La falta de conocimiento nos hizo pensar que era una cosa degradante, pero & # 8217s no. & # 8221

Tal vez ya lo sabías o tal vez no lo sabías o tal vez no lo creas, pero fue lo suficientemente convincente para mí escuchar las historias de la historia de los jinetes negros, durante la época del Derby, de alguien tan apasionado. eso. Y hay & # 8217s más. Vuelve a consultar para ver en profundidad el papel que desempeñaban los negros en la equitación y lo lucrativo que puede ser un deporte, directamente de un exjinete negro. -gerald radford


Donde la espiritualidad se encuentra con el comercio

Para aquellos que no crecieron con el budismo Theravada al estilo tailandés, una creencia que entrelaza elementos del hinduismo, las religiones chinas y la adoración del espíritu, la atmósfera incluso en un simple templo tailandés puede parecer casi como un festival. En Wat Chedi, este sentimiento está a toda marcha.

En una esquina del complejo del templo, los visitantes frotan talco para bebés en un enorme tronco de madera con la esperanza de que aparezcan los números ganadores de la lotería. En la puerta de al lado, una banda, contratada por alguien como gesto de agradecimiento, toca música country tailandesa. Cada dos horas, se cargan cajas de petardos en la caja de un camión, se apoyan en una montaña virtual de cenizas y papel carbonizado, y se descargan y se encienden sin ceremonias, lo que resulta en una expulsión de humo y ruido similar a un volcán.

Un empleado gestiona el tráfico en la entrada de Wat Chedi.

Gran parte del bullicio en Wat Chedi tiene un aire claramente comercial. El recinto del templo incluye una franja de vendedores que venden billetes de lotería, un puñado de cajeros automáticos y un amplio patio de comidas. En la entrada de Wat Chedi, hay un stand donde los visitantes hacen fila para "alquilar" amuletos oficiales de Egg Boy (aunque de hecho están haciendo una compra, los tailandeses usan este término para eludir la connotación problemática de poseer un objeto sagrado).

“Las personas que vienen aquí tienen todo tipo de deseos diferentes”, dijo Supachai. "Una vez entrevisté a 100 visitantes de estos, 60 querían números de lotería, 20 querían ayuda con el trabajo y los otros 20 querían una combinación de otras cosas".

Caminé por los terrenos del templo para conocer de primera mano lo que la gente le preguntaba a Egg Boy.

“Vinimos aquí antes, hace tres o cuatro años, y obtuvimos los números ganadores de la lotería”, dijo una mujer llamada Nun, que había conducido desde un pueblo a tres horas de distancia con su esposo y su hijo. "Esta vez, estamos aquí para pedir un coche".

“Mis parientes vinieron aquí antes y ganaron algo de dinero en la lotería”, dijo una mujer que pasó por Diw. "Realmente no creo en estas cosas, pero pensé en intentarlo".

Boom, que había volado desde Bangkok durante el día, estaba en su segunda visita a Wat Chedi. Él y sus amigos me mostraron sus amuletos y brazaletes.

El turismo de Wat Chedi también ha beneficiado a otras áreas de Sichon, el distrito donde se encuentra el templo. Arriba, los visitantes de Egg Boy disfrutan de un lugar popular junto al mar.

"Soy parte de la Generación Y", dijo. “Estamos interesados ​​en los amuletos, pero para nosotros no se trata solo de creer que hay elementos de moda y estatus. También es una inversión ".

Más tarde, fui a ver a Egg Boy yo mismo. Subí una escalera de mármol a un pasillo que, comparado con todo lo que estaba sucediendo afuera, estaba completamente silencioso y vacío. Una escasa docena de personas se arrodillaron ante la estatua que se cree que alberga el espíritu de Egg Boy. Manchado de humo, con parches intermitentes de pan de oro y una postura contorsionada, el niño de tamaño natural estaba vestido con una versión de la moda infantil parecida a una comedia de situación de los 80: una camiseta blanca con el nombre del templo, jeans azules con puños, un brillante gorra de béisbol roja de Ferrari y gafas de sol.

Después del cementerio de pollos, la montaña de petardos, las bandas de música y el patio de comidas, las multitudes masivas y los anuncios implacables, parecía que este nexo espiritual diminuto y oscurecido se había olvidado casi por completo en la prisa.


Ver el vídeo: Spinario, el niño de la espina, Espinario o Fedele (Noviembre 2021).