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Impresión artística de una boda medieval



Arte vikingo

Arte vikingo, también conocido comúnmente como Arte nórdico, es un término ampliamente aceptado para el arte de los nórdicos escandinavos y los asentamientos vikingos más lejanos, particularmente en las Islas Británicas e Islandia, durante la Era Vikinga de los siglos VIII-XI d.C. El arte vikingo tiene muchos elementos de diseño en común con el arte celta, germánico, el románico posterior y el de Europa del Este, compartiendo muchas influencias con cada una de estas tradiciones. [1]

En términos generales, el conocimiento actual del arte vikingo se basa en gran medida en objetos más duraderos de metal y piedra; la madera, el hueso, el marfil y los textiles rara vez se conservan como piel humana, que según las fuentes históricas a menudo se tatuaba de forma elaborada [ cita necesaria ], no existe en ninguna parte y es poco probable que haya sobrevivido. Por lo tanto, el registro artístico, tal como ha sobrevivido hasta nuestros días, permanece significativamente incompleto. Las excavaciones arqueológicas en curso y los hallazgos oportunistas, por supuesto, pueden mejorar esta situación en el futuro, como de hecho lo han hecho en el pasado reciente.

El arte vikingo generalmente se divide en una secuencia de estilos aproximadamente cronológicos, aunque fuera de Escandinavia, las influencias locales suelen ser fuertes y el desarrollo de estilos puede ser menos claro.


La extraña historia del pastel de bodas

Pregúntele a cualquier novia de verano: su pastel de bodas, adornado con rosas de azúcar hechas a mano y que a veces vale más que su vestido de novia, es el vehículo definitivo para la autoexpresión. El pastel de cinco pies de altura de la princesa Diana, adornado con escudos de mazapán de Windsor, era tan vital para la unión real que se hicieron dos copias, el extra sirviendo como doble en caso de accidentes. Los diseños de pasteles modernos pueden variar desde los delicadamente sutiles (patrones de glaseado que hacen eco del bordado en el vestido de la novia y # 8217s, por ejemplo) hasta los francamente escandalosos: pasteles que se asemejan a los senderos favoritos para bicicletas, cabañas de troncos, iPods, quitanieves o volcanes hawaianos (que en realidad arrojan humo). Una novia reciente optó por una réplica comestible de tamaño completo de ella misma, la plaza del pueblo de & # 8220 Regreso al futuro & # 8221. Y si la feliz pareja no & # 8217t tiene el corazón para devorar la obra maestra & # 8212bueno, en estos días puede que no tenga que hacerlo. Para reducir costos, a veces se elaboran pasteles elaborados con espuma de poliestireno, con una sola rebanada real incorporada para la ceremonia de corte. A los huéspedes se les sirve un sencillo pastel de hoja tallado discretamente en la cocina.

Sin embargo, la historia de la pastelería nupcial es incluso más extraña de lo que sugieren estos rituales modernos. & # 160 En la antigua Roma, los matrimonios se sellaron cuando el novio aplastó un pastel de cebada sobre la cabeza de la novia. (Afortunadamente, las tiaras no estaban de moda entonces). En la Inglaterra medieval, los recién casados ​​se besaban sobre un montón de bollos, supuestamente asegurando un futuro próspero. Los invitados solteros a veces se llevaban a casa un pequeño trozo de pastel para guardarlo debajo de la almohada.

Quizás esto era preferible a comerlo. Una de las primeras recetas británicas de & # 8220Bride & # 8217s Pye & # 8221: peinetas mixtas, testículos de cordero, mollejas, ostras y (afortunadamente) muchas especias. Otra versión requería becerros hervidos y pies # 8217s.

Sin embargo, a mediados del siglo XVI, el azúcar se estaba volviendo abundante en Inglaterra. Cuanto más refinado es el azúcar, más blanco es. El glaseado blanco puro pronto se convirtió en un elemento básico del pastel de bodas. El color no solo aludía a la virginidad de la novia, como señala Carol Wilson en su Gastronomica artículo & # 8220Wedding Cake: A Slice of History, & # 8221, pero la blancura era & # 8220 un símbolo de estatus, una muestra de la riqueza de la familia & # 8217s. & # 8221 Más tarde, pasteles escalonados, con sus soportes parecidos al cemento de decorativos secos glaseado, también publicidad de la riqueza. Los pasteles de boda formales se hicieron más grandes y más elaborados a lo largo de la época victoriana. En 1947, cuando la reina Isabel II (entonces princesa Isabel) se casó con el príncipe Felipe, el pastel pesaba 500 libras.

Es solo postre, ¿verdad? Desaparece con los invitados. Pero hoy & # 8217s Bridezilla podría justificar su imponente brebaje, porque los pasteles más famosos se vuelven inmortales. Por ejemplo, este año se exhiben en el Castillo de Windsor pedazos del pastel de bodas de 167 años de la reina Victoria & # 8217. Y una porción del pastel de bodas de 1871 de su hija, la princesa Louise, fue subastada recientemente en una feria de antigüedades por $ 215. & # 160 Fue una boda escandalosa, porque Louise se casó con & # 8220un plebeyo, & # 8221, pero no había nada común sobre el pastel, que tardó tres meses en crearse. & # 160 Envuelto en papel pergamino, el trozo se guardó en un & # 8220 gabinete de curiosidad & # 8221 durante todos estos años. Su textura ha sido descrita como & # 8220firm. & # 8221


  • Pinturas de animales extraños se exhibirán en el Grant Museum of Zoology en University College London a partir del 16 de marzo.
  • Incluyen la pintura de George Stubbs de un canguro con brazos diminutos.
  • También se exhibirán obras de arte de animales creadas por personas que nunca habían visto a la criatura en carne y hueso, como rinocerontes y leones.
  • Estas imágenes se utilizaron para acercar al público animales recién descubiertos.

Publicado: 12:25 BST, 2 de marzo de 2015 | Actualizado: 06:04 BST, 29 de marzo de 2015

Cuando los exploradores occidentales descubrieron por primera vez a los animales en lugares remotos, los artistas tuvieron el difícil trabajo de representarlos a partir de sus exóticas descripciones.

Ahora, estas pinturas, incluida una de un rinoceronte escamoso con cuernos en la espalda, se encuentran entre las obras que se exhiben en una exposición titulada "Criaturas extrañas".

El programa examinará la historia de las representaciones de animales y cómo se utilizó el arte para traer a las criaturas recién descubiertas a la vista del público, especialmente antes de los días de los zoológicos, la televisión e Internet.

Las historias de los investigadores incluyen relatos medievales de criaturas exóticas y arte de la época de la exploración. Esta es una copia del rinoceronte de Durero, hecha en 1558, que se basó en una descripción escrita. Tiene una armadura fantástica y un extraño cuerno en el hombro, y se convirtió en una imagen perdurable de los rinocerontes para los europeos.

Las imágenes, que fueron seleccionadas por paleontólogos, historiadores de la ciencia y expertos en exploración y arte, se exhibirán en el Grant Museum of Zoology del University College London.

Las historias de los investigadores incluyen relatos medievales de criaturas exóticas, arte de las eras de la exploración y el imperio, marineros que falsificaron especímenes de "dragones" manipulando pescado seco e incluso taxidermia artesanal de punto contemporánea.

Para los dragones, los marineros cortaban rayas y patines de cierta manera y luego los secaban. Esto creó especímenes que luego se vendieron como dragones y ángeles, dijo a MailOnline el gerente del Museo Grant, Jack Ashby, quien fue el curador de Strange Creatures.

Los naturalistas dibujaron estas criaturas para grabar en sus libros, que otros copiarían.


Rituales de boda

Muchos de los elementos y rituales que tenían lugar durante el tiempo de una boda se han convertido en tradiciones y se practican hoy. La ceremonia del matrimonio, por ejemplo, contiene muchas de las mismas palabras que se usaban en la Edad Media. Hoy, el hombre y la mujer están parados en los mismos lados del altar que entonces. La ceremonia de la boda de hoy también incluye un cambio de anillo, y el anillo se coloca en el cuarto dedo, el mismo dedo en el que se colocó durante la Edad Media. Además, una pareja y sus familias tendrían una gran fiesta después de la boda, esto todavía se lleva a cabo en la sociedad actual con la recepción de la boda.


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Arte del Renacimiento del Norte (1400-1600)

Esta conferencia cubre los siglos XV y XVI en el norte de Europa en áreas como Francia, los Países Bajos (arte holandés), Alemania y Flandes (arte flamenco). Incluye obras pictóricas en una variedad de medios que incluyen pinturas, grabados y textiles. Algunas esculturas se hicieron en el norte en este momento, pero no se incluyen aquí porque la escultura en el norte generalmente no se considera tan formalmente transformadora como lo fue en el Renacimiento italiano contemporáneo en el sur.

los Renacimiento del Norte El estilo podría describirse como el resultado muy singular de una combinación de arte gótico tardío, ideas contemporáneas sobre la observación y Reforma ideología. La mente europea en el norte en ese momento veía a su Dios cristiano en todos los aspectos del mundo, por lo que el mundo fue representado con un naturalismo exigente que rayaba en lo espiritual.

Para enfatizar las revoluciones radicales de este período, pida a los estudiantes que intenten evocar la cosmovisión de una persona en la Edad Media. El término "Renacimiento" no es una broma; Europa realmente renació con una nueva mentalidad durante este período.

Recuerde a los estudiantes el absolutismo de la Iglesia Católica (entonces, simplemente la Iglesia) durante casi un milenio en toda Europa. Simplemente puede evocar la imagen de una catedral gótica gloriosa y alucinante que se eleva sobre la ciudad medieval y consume gran parte de su mano de obra y recursos. Solo había una forma aceptada de creer, pero la Reforma Protestante cuestionó ese poder absoluto.

Haga hincapié en que la experiencia de las imágenes visuales de una persona medieval también habría sido profundamente diferente a la nuestra. Estamos inundados de imágenes, digitales e impresas, mientras que una persona del siglo XV puede que solo haya visto imágenes visuales en los retablos de su iglesia o pequeños grabados en madera en su Biblia.

Explique el término & # 8220vernacular & # 8221 para traer a colación el hecho de que los textos religiosos en los que la gente se veía obligada a creer estaban todos impresos en latín hasta la Reforma. Ese hecho, combinado con la realidad del analfabetismo casi universal, significó que el conocimiento y su difusión estuvieran controlados por unos pocos muy selectos. La escritura sagrada se experimentó principalmente a través de la explicación de otra persona, por lo que la experiencia de Dios de un creyente a través de las Escrituras siempre fue de segunda mano. La vida en estas circunstancias debe haber sido bastante opresiva, pero la gente no recibió ninguna información de que podría haber otra forma de vida. La invención de la imprenta por Johannes Gutenberg en 1448 proporcionaría un paso fundamental para hacer que el conocimiento sea más accesible.

Lecturas de antecedentes

Alberto Durero, Cuatro jinetes del Apocalipsis, 1498, xilografía.

Las lecturas de antecedentes para los estudiantes pueden incluir el libro de texto de la encuesta y la extensa Smarthistory secciones sobre Flandes, la Reforma y el Renacimiento del Norte. Para obtener información sobre la llamada "revolución de la impresión", consulte el capítulo 16 del estudio clásico de Marshall McLuhan o Elizabeth Eisenstein o este resumen.

los Museo Metropolitano de Arte& # 8216s El artículo sobre pintura al óleo es conciso y completo. BBC RadioEl programa de audio de veinte minutos & # 8220 & # 8220Diet of Worms & # 8221 describe los detalles del momento histórico de la Reforma Protestante.

También hay un BBC serie de 2007 sobre el Renacimiento del Norte que ofrece videos de artistas específicos de sesenta minutos sobre Jan Van Eyck, Alberto Durero (en las partes 1, 2, 3 y 4), y Hieronymus Bosch (en las partes 1, 2, 3 y 4).

Sugerencias de contenido

Las cualidades revolucionarias del Renacimiento del Norte, y su continuidad con el pasado, se pueden explorar en una hora y quince minutos a través de una variedad de ejemplos., incluyendo:

  • & # 8220 Purgatorio & # 8221 y & # 8220 Hombre anatómico & # 8221 de Les Très Riches Heures du Duc de Berry, Francia, 1413-146, manuscrito iluminado.
  • & # 8220Enero & # 8221 y & # 8220Febrero & # 8221, páginas del calendario de Les Très Riches Heures du Duc de Berry, Francia, 1413-146, manuscrito iluminado.
  • Atribuido a Robert Campin, Retablo de Mérode, C. 1430, Óleo sobre tabla de roble.
  • Jan Van Eyck, Retrato de boda de Arnolfini, 1434, óleo sobre tabla de roble.
  • Jan Van Eyck, Hombre con turbante, 1433, Óleo sobre tabla.
  • Hieronymous Bosch, Juicio final (abierto), 1504-8, Óleo sobre tabla.
  • Tapiz de unicornio, 1495–1505, Lana, seda, plata y dorado.
  • Martin Schongauer, Tentación de San Antonio, 1480-90, grabado.
  • Alberto Durero, Cuatro jinetes del Apocalipsis, 1498, xilografía, 15 1/2 x 11 1/8 ”.
  • Alberto Durero, Adán y Eva, 1504, grabado, 9 7/8 x 7 7/8 ”.
  • Alberto Durero, Auto retrato, 1500, Óleo sobre tabla.
  • Alberto Durero, Melencolia I, 1504, grabado.
  • Lucas Cranach el Viejo, Martin lutero, 1532, Óleo sobre tabla.
  • Hans Holbein, Enrique VIII, 1540, Óleo sobre tabla.
  • Pieter Bruegel el Viejo, El regreso de los cazadores, 1565, Óleo sobre tabla.
  • Pieter Bruegel el Viejo, Boda campesina, 1567, óleo sobre tabla.

La influencia de la Estilo gótico internacional (piense en una arquitectura alargada y puntiaguda con detalles intrincados) se manifiesta en las meticulosas pinturas casi microscópicas del norte de Europa que se asemejan a las iluminaciones de manuscritos medievales. los Très Riches Heures es un ejemplo tardío de un iluminado Libro de horas (Texto devocional cristiano) que mira hacia atrás a las tradiciones artísticas medievales y hacia el Renacimiento. Por un lado, su medio (artículo de lujo pintado a mano), su patrón (el über-aristócrata, Duc de Berry) y su formato, centrado en los ciclos de la naturaleza y el cosmos (diagramas, horas y calendario), todos gritan & # 8220medieval. & # 8221 Puede pedir a los estudiantes que ensayen las señales típicas del estilo gótico que aprendieron en conferencias anteriores. Una placa que ilustra & # 8220Hombre anatómico& # 8221 revela los extraños sistemas de semejanza entre la naturaleza, el cuerpo humano y los cielos que regían las creencias pseudocientíficas de la Edad Media. Por otro lado, el manuscrito presenta un intento intuitivo de un espacio de perspectiva y escenas de la vida cotidiana, aunque en una sociedad todavía feudal. Puede ser entretenido que los estudiantes señalen detalles particulares como colmenas, mascotas y prendas de vestir de las placas del calendario.

Los duques franceses de Borgoña controlaron un área de la actual Bélgica llamada Flandes desde 1384 hasta 1477 cuando pasó a la dinastía Habsburgo. Finalmente, los españoles se apoderaron de la región en 1556. Puede aprovechar esta oportunidad para abordar la formación de las fronteras nacionales en Europa, esas líneas geográficas controvertidas pero en gran parte imaginarias. Las escenas de la vida contemporánea también aparecen en las pinturas flamencas. Lo notable de cuadros como el Retablo de Mérode es que ponen historias bíblicas en hogares y disfraces contemporáneos. Los paisajes urbanos del fondo lejano son a veces más creíbles que las escenas religiosas representadas en primer plano. Describa la rareza de esas imágenes pidiendo a la clase que se imaginen escenificando la escena de la Anunciación en su casa o apartamento, con el ángel Gabriel vistiendo jeans y zapatillas de deporte. Esta pequeña pieza privada también demuestra el amor del norte por el simbolismo. Cada objeto de naturaleza muerta en la escena, desde el lirio blanco que simboliza la pureza de María, hasta la pequeña ratonera en la parte inferior derecha que simboliza a Cristo como una trampa para el diablo, tiene un significado religioso. Puede que se tome un momento para revisar la diferencia entre un icono y un símbolo.

Jan Van Eyck es el maestro indiscutible de la pintura flamenca. Su llamado Retrato de boda de Arnolfini está repleto de símbolos (naranjas, un espejo convexo, una vela encendida) y los estudiantes pueden adivinar sus significados. El perrito peludo incluso simboliza la lealtad (piense: & # 8220Fido & # 8221 o fidelidad). De nuevo tenemos una escena de la vida doméstica contemporánea de clase media en el norte de Europa. Como en el sur, una nueva economía comercial urbana produjo una clase media de mecenas del arte en el norte en el siglo XV. Consulte la actividad al final de esta lección para obtener más información sobre esta pintura.

El retrato (y más tarde la naturaleza muerta) se desarrolló como un tipo de pintura secular en Flandes. La artista contemporánea Nina Katchadourian juega con el aspecto de los retratos flamencos en sus autorretratos de improvisación tomados en los lavabos de los aviones.

Jan Van Eyck y # 8217s Hombre con turbante se presume que es un autorretrato. El color y las texturas deslumbrantes (piel, rastrojo, turbante de tela) de esta pintura se lograron con pintura al óleo. Este medio era superior al temple porque permitía a los artistas pintar lentamente, creando tonos translúcidos y brillantes, mientras que el temple se secaba rápidamente y era implacable. La comparación entre estos dos medios se presenta en esta guía de estudio rápida.

La descripción minuciosa del mundo que facilitaban las pinturas al óleo a veces se inclinaba hacia lo grotesco. Cuadro de retablo de Hieronymus Bosch & # 8217s Juicio final recuerda escenas góticas del infierno, y fue pensado como una meditación sobre la locura del pecado. El espectador necesita algo de tiempo para asimilar todos los castigos y demonios que Bosch inventó para su infierno. Puede encontrar detalles aquí. También puede presentar el retablo renacentista aquí y enfatizar el drama de su función de apertura y cierre.

Esa visión nórdica grotesca y / o minuciosa atravesó los medios. No era sólo pintura al óleo lo que permitía un exceso de detalle simbólico. los Tapiz de unicornio, un dibujo de un artista realizado en lana y seda por tejedores del gremio, es una hazaña de tejido textil y simbolismo religioso. Se remonta al bestiario medieval, pero espera con interés los estudios botánicos del Renacimiento.

El grabado floreció en el norte con la llegada de la tecnología de la impresión a Europa, posiblemente desde el este, donde había existido durante siglos. Los estilos de pintura flamenca se reflejan en Martin Schongauer & # 8217s Tentación de San Antonio. Logra una sensación de espacio y textura con técnicas de grabado como el rayado cruzado. El grabado en placas de metal para imprimir permitió a los artistas crear líneas finas sin volver a una imagen negativa, como lo habían hecho anteriormente al tallar grabados en madera. De Alberto Durero Cuatro jinetes del Apocalipsis es un ejemplo brillante del medio de la talla en madera y un testimonio del talento del artista. Sin embargo, observe que las líneas son más gruesas que en las impresiones grabadas y que el rayado va en una dirección. El Museo de Arte Moderno & # 8217s divertido tutorial ¿Qué es una impresión? explica el grabado en madera y el grabado al ácido, y puede aprender sobre el grabado aquí.

Si el siglo XIV había sido una especie de adolescencia torpe y a tientas en busca del arte y la identidad europeos (sin mencionar la peste negra que mató a un tercio de la población europea), el siglo XV vio cambios más radicales hacia un Renacimiento ("renacimiento"). del pensamiento clásico. Para la mente medieval, la fe triunfó sobre la razón, pero ese paradigma se revertiría en el siglo XVI cuando los artistas registraron el mundo muy literalmente tal como lo veían. En el norte, el legado clásico trajo el idealismo, combinado con el humanismo y el empirismo italiano, una mirada cercana al mundo. Por ejemplo, las figuras epónimas de Durero & # 8217s Adán y Eva pararse en contrapposto con anatomía clásica perfeccionada (aunque en un bosque de aspecto alemán con animales simbólicos). Los estudiantes pueden comparar estas cifras “antes de la caída” con la pareja expulsada de Masaccio & # 8217. Durero había traído a casa elementos italianos de su visita a Roma, y ​​sus propios pensamientos sobre la forma humana ideal se exponen en su Cuatro libros sobre la proporción humana.

Durero Auto retrato de 1500 retrata al artista frontalmente, como Cristo, y quizás poseído de un talento sobrenatural. Reafirma esa identidad comparándose con Melencolia I, el arquetipo intelectual torturado derivado de los antiguos textos médicos griegos sobre los cuatro humores o tipos de personalidad. Esto trae a colación el mismo cambio que tuvo lugar en el Renacimiento italiano, del artista como artesano al artista como genio. Discuta con su clase el papel de un artista en la sociedad actual con algunas de las siguientes preguntas: ¿Qué hace un artista contemporáneo por la sociedad? ¿Y un diseñador? ¿Se debe pagar o respetar a los artistas más que a los trabajadores de otras profesiones? ¿De qué clase social proviene un artista, entonces y ahora? ¿Debería un artista ganar más dinero que un maestro artesano? ¿Quién paga / debería pagar por el arte?

Con la Reforma Protestante (piense en "protesta y reforma"), los artistas del Norte, incluido Durero, perdieron a un mecenas importante: la Iglesia. La Iglesia protestante no encargó imágenes religiosas, en parte porque una de las quejas contra la Iglesia católica había sido la venta de indulgencias (documentos que perdonan a las personas sus pecados) a cambio del patrocinio de proyectos artísticos y arquitectónicos católicos. Martín Lutero comenzó como monje y profesor de teología antes de desafiar al catolicismo. Conocía al artista Lucas Cranach el Viejo, cuyo estudio pintó una semejanza bastante práctica de Lutero. Tradujo la Biblia al alemán para que los laicos pudieran leer el texto ellos mismos. El inglés John Wycliffe lo había traducido también al idioma común, para la Inglaterra protestante. Gobernantes como Enrique VIII, retratados en la pintura de Hans Holbein, cansados ​​de dar poder al Papa en Roma y, por tanto, tenían un interés político en la Reforma.

Entonces, ¿cómo era la pintura en el norte protestante? Si eliminas los ángeles y las deidades y el simbolismo religioso manifiesto de las pinturas flamencas, dejando solo las pequeñas escenas de la vida cotidiana, luego las vuelas al tamaño de un paisaje, es posible que obtengas algo que se parece a Pieter Bruegel & # 8217s. Regreso de los cazadores. Al igual que Bosch, Bruegel compuso un paisaje rebosante de interés y esperaba que el espectador se tomara un tiempo para mirarlo. Este era un mundo creíble, pero aún idealizado, donde la gente trabajaba duro pero en su mayoría se llevaba bien. Bruegel's Boda campesina expuso la vida de la clase baja con encanto y humor. Podría señalar cómo este tipo de escena preparó el escenario para la pintura de naturaleza muerta.

Al final de la clase.

Una vez que los estudiantes se encuentran en el espacio mental de un europeo del siglo XV y comprenden la falta de poder resultante del acceso restringido al conocimiento, puede generar una discusión sobre la importancia de la alfabetización y la educación universal. Pregunte a la clase qué revoluciones tecnológicas han impactado a la sociedad (tanto como lo hizo la imprenta) durante su vida. ¿O el siglo XX? ¿Qué cambios de pensamiento pueden revolucionar la forma en que vivimos en el futuro? ¿Puede haber otro tipo de & # 8220Renaissance & # 8221?

Una tarea fácil para involucrar a los estudiantes de manera creativa podría pedirles que creen un retablo de papel doblado usando su película o novela favorita como tema. Deben decidir cuál es la mejor forma de componer los paneles para contar la historia de forma secuencial. El exterior se puede dibujar en escala de grises y el interior a todo color para generar impacto. Debería ser emocionante y tratar de encapsular una narrativa en algunas escenas importantes.

También puede asignar esta actividad de Retrato misterioso usando Jan Van Eyck & # 8217s Retrato de boda de Arnolfini:

Las obras de arte a menudo están rodeadas de cierto grado de misterio. Los historiadores del arte utilizan todo tipo de métodos para revelar la historia que contienen: ciencia, archivos, relatos de testigos oculares, etc.

Lea la transcripción de Mystery of the Marriage de la Open University y vea el video de Smarthistory sobre la pintura de Jan Van Eyck conocida como la Retrato de boda de Arnolfini.

¿Cuáles son las preguntas / controversias que suscita esta pintura? (Enumere dos.)

Piense como un detective que vive en la época en que se pintó el retrato e investiga estas cuestiones. Escriba cómo podría encontrar algunas respuestas a estas preguntas. ¿Qué tipo de documentos podrías encontrar como evidencia? ¿Alguno de estos documentos está disponible hoy? ¿Cómo podría comenzar a investigar esto como historiador del arte hoy? (¡No necesita hacer ninguna investigación real!)

Por ejemplo, se ha debatido que se trata de un retrato de boda. Como detective, es posible que haya ido a la iglesia local para verificar los registros de bodas. Como erudito de hoy, podrías investigar las costumbres matrimoniales de los flamencos del siglo XV que reconoces en la pintura.

Su respuesta debe darse en una página o dos por escrito. ¡Intenta ser creativo!

Christina McCollum (autor) es un candidato a doctorado en el Centro de Graduados de CUNY.

Jon Mann (editor) es profesor adjunto en Lehman College, colaborador senior en Artsy, y colaborador de conferencias y editor en Art History Teaching Resources y Art History Pedagogy and Practice.

AHTR agradece la financiación de la Fundación Samuel H. Kress y el Centro de Graduados de CUNY.


Flores medievales

Rosas donde forma parte de los jardines de recreo medievales y se utiliza como símbolo cristiano de Jesús y su sufrimiento. Un par de rosas se remontan a la Edad Media como el Rosa gallica var. officinalis también conocido como el La rosa del boticario. Es de suponer que lo habían traído a Europa los cruzados que regresaban de Tierra Santa. Se utilizó como medicina o perfumería y se cultivó al principio en los monasterios. Es una hermosa flor histórica que se vería hermosa en el cabello de una novia o en las mesas de su lugar.

Otra rosa conocida es la Rosa Alba, o la Rosa Blanca de York. Ambas rosas fueron adoptadas como símbolos heráldicos por las casas de York y Lanchester, que eran rivales. La rivalidad terminó cuando Henry Tudor se convirtió en rey y unió las dos casas junto con las dos rosas para crear un nuevo símbolo. Quizás un simbolismo de boda adecuado, las dos rosas juntas para indicar unidad y paz.

Otras flores o plantas que podría mencionar son:
El lirio: A menudo visto en pinturas religiosas o en relación con Francia (flor de lis).
Iris, caléndula, margaritas, dedalera, prímula, peonía y campanilla blanca.


Investigadores descubren un retrato oculto en la duquesa del siglo XV y el libro de oraciones n. ° 8217

Cuando una mujer noble llamada Yolande de Anjou se casó con Francisco I, futuro duque de Bretaña (que no debe confundirse con el rey francés del mismo nombre), en 1431, su madre encargó un devocional Libro de horas que incluía una pintura de la joven como regalo de bodas. Después de que Yolande murió solo nueve años después, el duque se volvió a casar y reemplazó la imagen de su primera esposa con una pintura de la nueva, Isabella Stewart de Escocia.

Como informa Sam Russell para PA Media, el Museo Fitzwilliam de la Universidad de Cambridge descubrió el encubrimiento artístico después de notar una parte del retrato que era más oscura que la pintura que lo rodeaba. Luego, el personal utilizó luz infrarroja para investigar.

& # 8220Eso & # 8217s cuando se reveló el dibujo inferior, & # 8221 co-curadora del museo Suzanne Reynolds le dice a PA.

La imagen original mostraba a Yolande arrodillada en oración ante la Virgen María, informa Owen Jarus para Ciencia viva. La pintura rehecha retrata a Isabel en la misma posición, con Santa Catalina de Alejandría a su lado.

& # 8220A la muerte de su primera esposa, Francis pudo haber tomado el control del libro de oraciones y ordenó que se personalizara para adaptarse mejor a Isabella, & # 8221 Reynolds dice Ciencia viva. & # 8220Es posible que Isabella haya tenido alguna aportación. Por ejemplo, la inclusión de Santa Catalina que no estaba allí antes indica que Isabel pudo haber tenido una devoción especial por esta santa. & # 8221

Además de agregar la imagen de Isabella, los artistas contratados por Francis pintaron su escudo de armas en los bordes florales de muchas de las páginas del libro. Por el Periódico de arte& # 8217s Maev Kennedy, los científicos del Fitzwilliam pudieron distinguir las diferentes pinturas utilizadas por los dos grupos de artistas. Los ilustradores originales del libro # 8217, con sede en Angers, utilizaron pintura con plomo rojo, mientras que los artistas de Nantes que pintaron sobre el retrato utilizaron rojo bermellón para el vestido y los escudos de armas de Isabella.

Los investigadores utilizaron luz infrarroja para revelar la imagen pintada de la primera esposa del duque, Yolande de Anjou. (& # 169 El Museo Fitzwilliam, Cambridge)

Francis ordenó la alteración del libro poco después de la muerte de Yolande, antes de casarse con Isabella en 1442. Inicialmente, Isabella fue pintada con el tocado de Yolande, pero en el momento de la boda de la pareja, la imagen fue alterada nuevamente, dando ella una corona de oro con joyas para marcar a Francis & # 8217 nuevo título como duque.

Más tarde, el libro se modificó una vez más, con la hija de Isabella & # 8217, Margaret, agregando otra página en la que se muestra a sí misma arrodillada ante la Virgen.

Reynolds describe el libro, que se conoció como el Horas de Isabella Stuart, como uno de los devocionales medievales más ricamente decorado. Contiene más de 500 imágenes en miniatura. Yolande & # 8217s madre, Yolande de Aragón, era un mecenas de las artes que también poseía el igualmente espectacular Belles Heures de Jean de France, duque de Berry.

Reynold le dice a PA que la pintura de un libro medieval fue & # 8220no único sino inusual & # 8221.

& # 8220Es & # 8217 es un descubrimiento muy emocionante, & # 8221, dice. & # 8220Estos libros en cierto modo son una especie de sitios arqueológicos y cuando comienzas a descubrir lo que hay debajo de estas imágenes, en realidad desbloquea la historia humana de cómo estos libros fueron encargados y luego pasados ​​de una persona a otra como la historia de estos diferentes matrimonios. y se desarrollaron diferentes alianzas dinásticas. & # 8221

El libro es parte de la exposición más reciente de Fitzwilliam & # 8217, & # 8220 The Human Touch: Making Art, Leaving Traces. & # 8221 Según una declaración, la muestra & # 8212 a la vista hasta el 1 de agosto & # 8212is & # 8220 un viaje a través del funcionamiento anatómico del tacto, su fuerza creativa y su poder emocional, a través de la ira, el deseo y la posesión. & # 8221 Los aproximadamente 150 objetos incluidos en la exposición incluyen manuscritos medievales como el Libro de horas, esculturas egipcias antiguas y pinturas de artistas de renombre que abarcan siglos y movimientos.

Sobre Livia Gershon

Livia Gershon es una periodista independiente que vive en New Hampshire. Ha escrito para JSTOR Daily, Daily Beast, Boston Globe, HuffPost y Vice, entre otros.


Boda campesina

Bruegel ha creado una estructura virtuosa en su representación de una celebración campesina: la mesa de banquete larga y abarrotada crea una diagonal en la que se orientan todas las figuras de la composición. Desde afuera, donde todavía es de día, otros huéspedes están entrando en la habitación. Uno de los gaiteros nos llama la atención hacia el frente, donde mira con curiosidad la escasa comida recién servida. Dos ayudantes están usando una puerta que se ha quitado de sus bisagras para llevar sus platos. Un camarero que vierte cerveza en jarras más fáciles de manejar y un niño que come a un lado cierran la pintura en el frente. Si seguimos la figura al final de la mesa que va pasando los platos a los invitados a la boda, nos lleva a la verdadera protagonista, la novia. Está sentada en silencio frente a un trozo de tela verde, que se ha colgado junto con una corona de papel en su honor en la pared de paja. Según la costumbre flamenca, el novio no podía asistir a las celebraciones hasta la noche y la novia no podía comer ni hablar antes. Lamentablemente, no se sabe nada sobre el encargo de esta obra, que probablemente sea la más famosa de Bruegel. Si supiéramos más, podría ayudar a resolver la controvertida cuestión de si la pintura pretende ser una caricatura o transmitir un mensaje moralizante. Los estudiosos de Bruegel en Viena coinciden, sin embargo, en que la mayoría de las propuestas interpretativas realizadas hasta ahora no han revelado el verdadero significado de la pintura. Se ha intentado, por ejemplo, conectar los zapatos grandes con la expresión alemana "auf großem Fuß leben" (vivir con gran estilo) o ver la corona de dos piezas de la novia como una indicación de que ya está embarazada. Es mucho más acorde con la concepción humanista de sí mismo de Bruegel ver la pintura como una observación neutral sin mayor intención. La elección del tema no era nada decisivamente nuevo en el arte gráfico y la pintura holandeses, pero nunca antes se había abordado con tanta densidad compositiva y motivadora y desde una distancia tan benévola.
© Cäcilia Bischoff, Obras maestras de la galería de imágenes. Breve guía del Kunsthistorisches Museum, Viena 2010


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